jueves, 30 de noviembre de 2017

En realidad nunca estuviste aqui/youwere never really here

Existen unas películas que la prensa especializada no pueden "tocar" bajo riesgo de graves quemaduras. Y entonces se  repasa segun conocimientos la banda sonora, la culta denominacion del grupo que mas la interpreta, el volumen del sonido, la trayectoria del protagonista y la relacion de premios conquistados. El filme de Lynne Ramsay, con martillo entra (pequeño spòiler), y se nos aparece otra vez el fantasma del veterano de guerra, ahora ya es igual  cual, con su drama a cuestas oscuro, pastoso y agrio. Convertido en justiciero del mundo del sexo escabroso nocturno, sus misiones y contactos suben de escalafon hasta donde no tenian que llegar. Adicto a las bolsas de plastico y a las pastillas, la composicion de Phoenix parece real en cuanto la adoracion a su madre y la psicosis que tiene por si mismo, roto, desvencijado, hundido. Un film transgresor en su tierra natal, pero desfondado y sin raices en nuestro entorno mas cercano, al menos d e momento. Quiza por ello queremos ver en él lo que no hay. Pero por estrellas no quedemos. Y todavia tenemos que  hablar de Kevin. Un ex marine y veterano de guerra, se dedica a salvar a mujeres víctimas de la explotación sexual. De métodos brutales y carácter atormentado, tiene una vida solitaria y no se permite tener amigos ni amantes. Su único objetivo es combatir a su enemigo: los tratantes de blancas. El siguiente trabajo será rescatar a la hija de un político que ha sido secuestrada, pero las cosas se torcerán y la corrupción y la violencia liberarán al animal que lleva dentro, una bestia sedienta de venganza. Triunfadora del Festival de Cannes, crudo thriller de Lynne Ramsay que sigue a su protagonista, interpretado por el nominado al Oscar Joaquin Phoenix (Irrational Man), en un viaje de venganza y redención a través de los infiernos del tráfico de mujeres. Ramsay adapta la novela corta de Jonathan Ames y dirige una historia enmarcada en la tradición del noir con un justiciero implacable, atormentado y de pulsiones suicidas, que ya ha sido prematuramente comparada con los clasicos. De este modo, las imágenes violentas y explícitas conviven con las emociones y un tono melancólico que esquiva con habilidad e inteligencia los clichés del género. Además de Phoenix, que consiguió el premio a Mejor actor en el certamen francés, el film también cuenta con Ekaterina Samsonov (Wonderstruck), Alessandro Nivola (Selma), Alex Manette (La venganza de Jane) y Judith Roberts.

Tierra firme

Tierra firme no es una barcaza con su balanceo. En esta mobil superficie, situa Carlos Marques-Marcet a su nueva pareja, no para hablar por ordenador, sino para justificar su union y encontrarle un para qué. Que un visitante ocasional te deje su esperma en deposito, es una comedia o un drama?. Cuesta escribir para un triangulo, ansiedad, maternidad y madurez. No se puede sin artificio ni emocion. Autentico el director al introducirse en la intimidad de los personajes. Cosa que ya habia demostrado en 10000 km. Lo que empieza como un Allen, lo acaba poniendo tiempo de por medio, que es una forma de alejar las generaciones a partir de los 30. La vida de Eva y Kat transcurre tranquilamente y sin preocupaciones en su pequeño hogar flotante en un canal londinense. Cuando su gato se ahoga, Eva comunica a Kat que, a sus 35 años, desea tener un hijo y que, si ella no está de acuerdo, su relación se acabó. En plena escalada de tensión aparece el mejor amigo de Kat. Tras una noche de alcohol, acordarán que él aporte el esperma al método tradicional y ellas sean las madres, pero el deseo, el amor y la amistad lo complicarán todo. Después de ganar el Goya a Mejor dirección novel por su ópera prima, 10.000 Km, Carlos Marques-Marcet en clave de comedia, reflexiona sobre las diferentes formas de ver y entender la familia. Con una mirada observadora cuestiona la estructura tradicional en una historia que demuestra que, con amor y voluntad, cada uno puede moldear su propio concepto de familia. Lo hace a través del inesperado vínculo que surge entre una pareja lesbiana y el mejor amigo de una de ellas, que les convierte en un trío que tendrá que solventar desacuerdos, malentendidos y confusiones provocados por un torbellino de emociones para llevar a buen puerto su proyecto de tener un hijo en común. Natalia Tena (Amar) conforma, junto a Oona Chaplin (Proyecto Lázaro) y David Verdaguer (No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas) la terna protagonista. Geraldine Chaplin completa el reparto de este film.

miércoles, 29 de noviembre de 2017

Tierra de Dios/ God's own country

Un tratado sobre la dureza de la vida rural, especialmente la impuesta por los ganaderos. Una metafora para comprender el amor y el desamor fuera de los cuadrilateros habituales. Francis Lee se soporta en la dureza y hostilidad de un paisaje tenebroso, que engulle todo atisbo de progreso, sea personal o tecnico. Contemplando al mismo tiempo el desarrollo de un historia gay, simple, nada grandiosa, sino como si fueramos a pasar un domingo en el campo. Con una solitaria vida en su remota granja familiar, un hombre se dedica a la cría de ovejas. El alcohol y el sexo ocasional son las únicas distracciones que Johnny encuentra para llenar su vacío personal, pero todo cambiará para siempre cuando llegue a su puerta un atractivo inmigrante rumano en busca de trabajo. A medida que ambos compartan las tareas diarias surgirá entre ellos una estrecha relación que despertará sensaciones que nunca había experimentado antes. Actor en su mayoría televisivo, Francis Lee (No soy nadie sin ti) debuta como director de un largometraje. Originario de la región de los montes Peninos, en la Yorkshire rural, Lee habla sobre el estrecho vínculo que hay entre las gentes que viven en la zona y la tierra en la que trabajan. Asimismo, imagina, a través de un intenso y visceral romance entre sus dos protagonistas, que muestra tanto las sensaciones placenteras como las luchas internas que aparecen cuando una relación empieza, cómo habría sido su vida si hubiera permanecido allí. Con un bello apartado visual, en el que se presta un especial cuidado a los hermosos paisajes, la cinta también muestra la realidad de su protagonista, aislado social y físicamente, que se ve obligado a reprimir su lado emocional para formar parte de una comunidad tradicional donde la familia y el trabajo son lo primero. Josh O'Connor (Florence Foster Jenkins) y Alec Secareanu (Elegidos para ser héroes) lideran el reparto de esta cinta premiada en los festivales de Berlín y Sundance donde también participan Ian Hart (La mejor receta) y Gemma Jones. 

martes, 28 de noviembre de 2017

Saw VIII/Jigsaw

La octava entrega de la serie no va a ser la peor. Esta solo tiene principalmente, falta de imaginacion y una pobre escenificacion. Baja la concentracion de sangre y se estudia menos visceralmente el cuerpo humano en una clara referencia  a Sawkenstein. Las sierras mecanicas han sido sustituidas por el laser que quieras o no hace menos pornografica la cosa de la porno tortura. Complicada pero y parodica, aplica la formula con precision anglosajona, acude a una nueva cita con su espectador. Carbon piedra, tramposa de la muerte y gore de descansillo, hacen que le supliquemos a Jigsaw que por favor haga realidad, corporice, seccione y ampute y corte, lo que sea el "final chapter" de la serie. La policía se enfrenta a una nueva oleada de muertes que está sembrando la ciudad de cadáveres, a cada cual en una pose más espeluznante. El modus operandi apunta directamente a John Kramer, alias Jigsaw. Sin embargo, el asesino en serie hace más de una década que está muerto. Un detective y dos científicos forenses intentarán resolver el macabro puzzle y salvar a las cinco personas que, mientras tanto, arriesgan su vida en una sucesión de sangrientos juegos como castigo a sus pecados. Hace ya 13 años desde que Saw revolucionara el género de terror con una mezcla entre thriller, piruetas de guion y gore que dio origen al subgénero del torture porn. Propietaria del récord Guinness como la saga terrorífica más taquillera de la historia, Saw Vuelve después de un respiro de siete años con un nuevo juego macabro salido de la perturbada mente del icónico Jigsaw que, una vez más, hará que sus víctimas experimenten su particular manera de ver los pecados y la redención. Con el tema estrella de la franquicia (la importancia de valorar la vida) como leitmotiv, los hermanos Michael y Peter Spierig (Daybreakers) dirigen un film que lleva la tensión, el suspense y el sadismo a un nuevo nivel mientras, en un regreso a sus orígenes, da una importancia capital a las sorpresas argumentales y a la emoción de descubrir la identidad del psicópata que está siguiendo el legado de John Kramer. Entre el reparto que ocupará los agobiantes escenarios y sufrirá sus retorcidos giros se encuentran Matt Passmore (The Glades), Callum Keith Rennie (Warcraft: El origen), Laura Vandervoort (Ted) y Hannah Emily Anderson .

lunes, 27 de noviembre de 2017

6 dias

Un film bien realizado como este, deberia dejar las cosas muy claras. Y Toa Fraser, no lo consigue a pesar de su buen hacer tecnico. Con el detalle real de ser la filmacion del primer asalto de unos cuerpos especiales a una embajada, se mueve mas en el campo documental que en el de los sentimientos, imprescindibles  estos para comprenderlo "todo". En abril de1980 un grupo de separatistas iraníes armados tomó la embajada de Irán en Londres e hizo 26 rehenes. Exigían que el secuestro se retransmitiera en directo y que se liberaran a 91 presos. Durante 6 Días de alta tensión, el negociador se esfuerza para que la crisis termine de manera pacífica, mientras que un comando de élite de los SAS se prepara para realizar una incursión nunca antes vista hasta la fecha. Mientras tanto, la periodista Katie Adie lo cuenta todo al pie de la noticia. El director Toa Fraser (Tierra de guerreros) con este punto de partida, Fraser aborda esta crisis desde tres puntos de vista diferentes: el del encargado de negociar con los asaltantes, el de la reportera que retransmitió los acontecimientos en una de las primeras grandes coberturas de TV en directo y el de uno de los operativos de las fuerzas especiales SAS que se prepararon para entrar en acción en caso de fracasar las conversaciones. A través de ellos, la película se alza como un ejercicio de tensión creciente en el que no faltan los conflictos morales y las dosis de drama, acción y trasfondo político para contar una de las operaciones de rescates de rehenes más audaces de la historia del Reino Unido. Como en la media docena de muertos que crei contar en el desalojo del asalto final, entre rehenes terrorristas y fuerzas especiales, a la película le falta "vida". La misma frialdad que manifiesta la periodista al contar los hechos. La prueba es que casi todos los participantes,en el devenir del tiempo, alcanzaron altos cargos. Jamie Bell (Cuatro fantásticos), Mark Strong (Kingsman: El círculo de oro) y Abbie Cornish (Geostorm) lideran un reparto que también cuenta con Emun Elliott (Prometheus) y Aymen Hamdouch.

Paddington 2

 Magnificas escenas de accion, musica sincopada y sincronizada con el ritmo del anime, llena de amablidad y civismo componen un alegato occidental contra el brexit y la immigracion mal entendida. Secuela que expende ternura a capazos en la que nuestro entrañable oso es encerrado por 10 años en prision por un robo que no ha cometido. Este oso peruano con sombrero y abrigo informal, se vuelve loco por un bocadillo de mermelada. Con esta dulzura, nuestro oso animado Paddington se ha convertido en un popular miembro de la comunidad. Con el 100 cumpleaños de su querida Tía Luci a punto de llegar, Paddington busca el regalo perfecto para ella. Lo encuentra en un precioso libro pop-up que hay en la tienda de antigüedades, por lo que empieza a realizar trabajos temporales para poder comprarlo. Cuando el libro es robado, el plantígrado y la familia Brown intentarán dar con el culpable y traer el objeto de vuelta. Después de maravillar a grandes y pequeños con la primera entrega de las aventuras de Paddington, Paul King vuelve con el oso creado por Michael Bond. Un antiguo libro pop-up se convierte en objeto de deseo del plantígrado como regalo, lo que dará pie a todo tipo de divertidas situaciones herederas del slapstick en las que el protagonista intenta sobrevivir a su torpeza para reunir el dinero para comprarlo. Con un gran cuidado tanto en el diseño de producción como en el apartado técnico, el film maximiza las virtudes del film original, y ofrece una tierna comedia para todos los públicos con un sentido del humor agudo, alegre, aderezada con la búsqueda de un misterioso ladrón. Ben Whishaw (Esperando al rey), como la voz de Paddington, el oscarizado Jim Broadbent (Bridget Jones Baby), Hugh Bonneville (Una razón para vivir) y las nominadas a un premio de la Academia Sally Hawkins (Maudie, el color de la vida) e Imelda Staunton (Maléfica) repiten en la saga, a la que se une Hugh Grant (Florence Foster Jenkins) como villano de la función.


domingo, 26 de noviembre de 2017

La higuera de los bastardos

"Tres mentiras", anterior film de Ana Murugarren, podiran ser esta cronica que: La historia tiene raices berlanguianas, o sea no consolida los tonos dramaticos con un humor corrosivo, que trata con pureza las raices del falagismo y que no es una novela de Ramiro Pinilla (1923-2014). Al final de la Guerra Civil, un falangista de gatillo fácil que queda hipnotizado por la mirada de un niño de 10 años, hijo de una de sus víctimas. Obsesionado con la idea de que le matará cuando crezca, abandona a su familia y, como un ermitaño, se dedica a cuidar de la higuera que el muchacho ha plantado sobre la tumba de su padre. Sin embargo, los supuestos poderes curativos del lugar lo convertirán en un centro de peregrinación que despertará el recelo de sus camaradas. El drama y la comedia negra se dan la mano en la nueva película de Ana Murugarren en la que adapta la novela La higuera. Heredera del tono duro y delirante del material original, muestra todo el patetismo de la España de posguerra y de la aniquilación de los vencidos a manos de los vencedores en un pequeño pueblo del norte a partir en esta historia que, sin embargo, resulta sorprendente y con alma de fábula universal. En ella se encuentran el franquismo, el drama y la religión con la magia, el humor y la ternura. También hay espacio en el film para abordar la cuestión de la memoria histórica y la capa de olvido que ha construido todo un nuevo paisaje sobre el terreno de lo que un día ocurrió y que, al parecer, es mejor no remover. Karra Elejalde (Operación Concha) es el falangista obsesionado, Carlos Areces (Algo muy gordo), Pepa Aniorte (Cuerpo de élite), Ramón Barea (El guardián invisible) y Jordi Sánchez.

el fiel/Le fidele

La quimica es la ciencia que estudia la composición y las propiedades de la materia y de las transformaciones que esta experimenta sin que se alteren los elementos que la forman. En el film la quimica no existe basicamente porque la transformacion de los actores al mezclarse altera las propiedades de conviccion de que ambos disponen. Asi como Roskam estuvo mejor en su aventura americana, "The drop", aqui pierde la nocion de la tragicomedia contenida, desbocandose al final. Amor sin quimica entre dos personajes muy opuestos que no altera para nada el elemento del crimen. Cuando la pareja protagonista se conoce, surge un apasionado amor a primera vista. Ella es una joven de clase alta que trabaja en el negocio familiar y sueña con ser piloto de carreras. Él es un hombre, aparentemente normal, cuya vida secreta como gánster le obliga a mantener ocultos sus sentimientos para evitar poner en peligro su vida y las de los que le rodean. Juntos, esconderán sus debilidades y unirán sus fortalezas para vencer al destino, la razón y sus propios miedos con tal de salvar su romance. Segunda entrega de su particular trilogía criminal, que inició con Bullhead, y en la que aborda momentos particulares de la historia de la delincuencia belga, Michaël R. Roskam (La entrega) se acerca al brutal mundo de las bandas de Bruselas de principios de los años 90 y lo combina con la adrenalina de las carreras de coches. Sin embargo, el componente noir del film queda supeditado a una intensa, y trágica historia de amor en la que sus protagonistas, interpretados por Matthias Schoenaerts (La chica danesa) y Adèle Exarchopoulos (La vida de Adéle), se enfrentan a una relación casi imposible, donde sus diferentes orígenes y el propio destino juegan en su contra. Alrededor de este romance orbita una trama criminal, aderezada con escenas de acción, que añade a la mezcla elementos de género en un film donde el glamour contrasta con una atmósfera sombría. Completan el reparto Eric de Staercke (El octavo día), Jean-Benoît Ugeux (El médico africano) y Nabil Missoumi.

asesinato en el Oriente Express

Con mas efectos especiales y accion que en las anteriores versiones del clasico, la realizacion de Branagth no deja de ser plana en contraste con los  escarpados montes que atraviesan los bellos parajes europeos. Igualmente plana y teatral como corresponde la interpretacion del carismatico detective que no hara olvidar a Ustinov, ni a Molina y mucho  menos a  Finney. Como tampoco consigue ocultar su teatralidad en unas acciones que no disimulan sus adaptaciones shakesperianas. Con un prologo hecho a medida del actor,  y la insinuacion de una secuela en Egipto, el Nilo, el film no terminara esta vez en serie a pesar de sus meritos cinematograficos. Permanecen en la película la pulcritud, , el lujo casi asiatico y el exotismo, todo enmarcado en un intento de estilo del genero detectivesco del siglo pasado. El legendario Orient Express, tren que atraviesa Europa, descarrila en un puente imposible y queda detenido por una tormenta de nieve. En uno de sus vagones se produce el impactante asesinato de un mafioso hombre de negocios. Ante esta situación, donde todos y cada uno de los eclécticos pasajeros son sospechosos del crimen, el detective Hercules Poirot deberá echar mano de su sagacidad y de todas las herramientas a su alcance para descubrir quién, cómo y, sobre todo, por qué lo hizo antes de que el misterioso homicida vuelva a matar. Con la difícil tarea de estar a la altura no sólo de una de las mejores novelas de misterio de todos los tiempos, sino también de la adaptación cinematográfica que hizo Sidney Lumet en 1974, el nominado al Oscar Kenneth Branagh, devuelve a la gran pantalla el clásico de Agatha Christie. Con una tensión que va en aumento hasta su sorprendente final (incluso para aquél que haya leído el libro) el film renueva esta sorprendente, ingeniosa y atemporal historia con un punto de vista moderno que, sin embargo, respeta el espíritu original a través de una espectacular ambientación en la que se presta atención a cada detalle del famoso tren transeuropeo. Junto a Branagh, la cinta cuenta con un reparto de lujo formado por, entre otros, las oscarizadas Judi Dench (La reina Victoria y Abdul) y Penélope Cruz (La reina de España), los nominados a los premios de la Academia Johnny Depp (Piratas del Caribe: La venganza de Salazar) y Michelle Pfeiffer (Madre!) o Daisy Ridley y William Dafoe. La pelicula h ocntestado a a pregunta formulada al iniciar el projecto. Puede seguir interesando al gran publico, aunque sean pocos quienes no conozcan el desenlace final.

sábado, 25 de noviembre de 2017

Indestructible el alma de la salsa

Este documental propone adentrarse en un recorrido visual por la historia de la salsa desde sus orígenes hasta que Diego El Cigala hace suyo el género musical y crea un acontecimiento único e irrepetible. De este modo, el artista hace las funciones de anfitrión de una gira en la que, junto a otros grandes mitos vivos de la salsa, hace retumbar metales y tambores a lo largo de medio mundo, de Colombia a Nueva York, pasando por Madrid y Cuba, dejando constancia del alma indestructible de la salsa. David Pareja debuta en la dirección con este documental que sigue los pasos de Diego El Cigala, que tras rejuvenecer el bolero con su particular mezcla de sonidos flamencos y latinos en Lágrimas negras, hace lo propio ahora con la salsa. Esta fusión nace del empuje de Amparo, mujer del músico, que imaginó lo que el talento de El Cigala podría conseguir con un género que, décadas atrás, conquistó el mundo y que, ahora, sigue vivo únicamente entre el público latino. Por desgracia, Amparo, que murió poco después, no pudo ver el proyecto terminado, de manera que sirve también como relato de un viaje que nace de una promesa y un amor, el de Diego el Cigala por Amparo, y una crónica sobre el carácter inquebrantable de los sueños. La película está regada con actuaciones en las que el cantaor más internacional reinterpreta la salsa junto a algunos de los artistas de mayor renombre del género.

El latido de Urdaibai

El estuario de Urdaibai, en el País Vasco, es un rico paisaje natural que fue declarado Reserva de la Biosfera de la UNESCO hace más de 30 años. Además, en 2015, fue elegida como modelo de gestión tanto para Europa como Norteamérica. En este documental se muestra el día a día en Urdaibai a través de sus habitantes y negocios, que se van entrecruzando para componer, finalmente, un retrato de la realidad actual de la zona después de tres décadas bajo el auspicio del programa Man and Biosphere. Conocedor de este lugar desde muy pequeño, el productor Alberto Rojo debuta en la dirección con un documental en el que el realizador enfatiza en los aspectos y paisajes, tanto naturales como urbanos e industriales, que hacen de la zona un lugar único en el mundo. Convertida en un modelo de relación entre el hombre y su entorno, la región se muestra en esta película en su realidad actual, si bien también mira al pasado para retratar los cambios de hábitos de aquellos que iniciaron un proceso que, 30 años después, ayuda a concienciar a las nuevas generaciones de la importancia de preservar la biodiversidad. De este modo, el film muestra una visión panorámica de la vida en Urdaibai a través de sus habitantes y negocios, entre ellos bodegas, astilleros, centros de estudio de las aves e industrias automovilísticas, que han protagonizado un importante cambio social y cultural hacia un futuro más sostenible.

El bosque de Haquivaqui

Aunque el bosque es un buen lugar para vivir, los animales más pequeños tienen miedo a que los más grandes se los coman. El ratón travieso y sus amigos temen al temible zorro, pero será el intento del erizo de zamparse a la abuela ratón lo que agotará la paciencia de los roedores. El sensato Morten se propondrá crear una ley para el bosque, por medio de la cual ningún habitante podrá devorar al resto. Normas que el hambriento zorro no está dispuesto a cumplir. Basada en el libro de Thorbjørn Egner que, a su vez, adaptaba una conocida serie radiofónica de los años 50, el film de animacion es todo un cuento popular para varias generaciones de niños noruegos y de Escandinavia. El experto director Rasmus A. Sivertsen (Dos colegas al rescate) dirige esta cinta rodada con la técnica tradicional de stop motion y protagonizada por un grupo de simpáticos animales de bosque. En la tradición de las fábulas clásicas, la cinta habla, a través de estas criaturas, sobre conflictos humanos, mientras aboga por la solución de éstos de manera pacífica y dialogada. A su vez, ofrece a los más pequeños de la casa una gran aventura llena de divertidas canciones en un mundo fantástico recreado al detalle. Nils Jørgen Kaalstad (Headhunters), Frank Kjosas (Dos colegas al rescate) y Stig Henrik Hoff, son algunas de las voces.

jueves, 23 de noviembre de 2017

Breahe / na razon apra vivir

Manipulacion de sentimientos, no rendirse ante los avatares de la vida y soportarse en la familia son las tres patas de este cuadrilatero de Andy Serkis. Mirar y ver solo el lado bueno de la vida, sin estaciones, ni tuneles con final en la luz en vez de la muerte. Como la lucha de una hombre hace avanzar la medicina y el trato de las discapacidades. Aqui el enemigo comun es la polio en la Inglaterra de los años 50 El director, primer film desde que es actor, se solaza en las campiñas verdes inglesas y a veces soleadas, como recordando los breaks de su trabajo. Lo mejor del film la nueva vision de Diana Rigg. Un aventurero está casado con el gran amor de su vida. Juntos viajan hasta Kenia, donde él trabaja como corredor de té. En cuestión de meses, contrae la polio. La enfermedad le deja paralizado de cuello para abajo y conectado a un respirador artificial. Contra todos los consejos médicos, lo saca del hospital y lo lleva hasta su hogar, donde iniciarán una cruzada en favor de las personas con discapacidad armados con humor, valentía y ansias de vivir. El actor Andy Serkis (Black Panther), filma un drama romántico basado en hechos reales. En la cinta se cuenta la verdadera historia de los padres del productor Jonathan Cavendish, un matrimonio que tuvo que enfrentarse al duro golpe que supuso la enfermedad de Robin Cavendish, paralizado de cuello para abajo y dependiente de un respirador artificial por culpa de la polio. Además de contar la inspiradora historia de amor de los Cavendish, que les ayudó a superar, con humor y alegría, todas sus dificultades, el film también revela su importante labor como activistas por los discapacitados, animándoles a salir del hospital y vivir en el mundo exterior, así como su carácter pionero, sobre todo en el desarrollo de innovaciones como una silla de ruedas con respirador artificial incorporado que desafió los procedimientos de la medicina de la época. El nominado al Oscar Andrew Garfield (Hasta el último hombre) y Claire Foy (The Crown) lideran un reparto en el que también participan Tom Hollander (Mission: Imposible - Nación secreta) y Hugh Bonneville.

Liga de la justicia

Habia mucha mas imaginacion en las figuritas de goma (Skeletor y demas bichos..)en manos de los niños, que hoy no deben ser los guionistas, en sus juegos y aventuras, que en estas voces y cuerpos modernos que se multiplican en internet. Debido a la poca sustancia de la historia. Los momentos de distension a cargo de Flash o Bruce Wayne y gags como la muerte anunciada de David Bowie o Prince. La veda esta abierta y llegaran a partir de ahora infinitos estadios de parodia. Un Batman angustiado, un Spiderman periodista y Gordon comisari superheroe, haran la ensalada tres delicias de este cine "fantastico" de accion. Tanto heroe torpe, no hace sino que sus protagonistas sean mas vulnerables. y ,mas contra Steppenwolf y sus insectos. Aqui Batman lidera a un grupo imposible, formado por Wonder Woman, Aquaman, Flash y Ciborg. El film, sin la sangre noble de los grandes, se desincha a toda velocidad desde el robo del a caja magica en la isla de las amazonas hacia un final pesado, largo, sin ideas a que nos tiene ya acostumbrados el cine acutal. Uno puede pensar que la liga es del Santander, del BBVA o de Heineken, pero en realidad son de Los vengadores, de lss Agentes de SHIELD. Marvel , Disney o pIXAR. Cuarto largo de heroes de Snyder.Inspirado por el sacrificio altruista de Superman y con una renovada fe en la humanidad, Batman se alía con Wonder Woman para crear un grupo de superhéroes que sea capaz de enfrentarse a las peores amenazas. Sin embargo, las habilidades del Caballero Oscuro o los poderes de la Princesa de Temiscira, Aquaman, Flash o Cyborg podrían no ser suficientes para salvar a la Tierra de su peor enemigo hasta la fecha: Steppenwolf, general del planeta Apokolips, que lidera un devastador ejército alienígena. Después de hacer chocar a los dos buques insignia de DC en Batman v Superman: El amanecer de la justicia e insinuar, más allá del título, La llegada del supergrupo formado por la élite del gigante de los cómics, Zack Snyder (El hombre de acero) reúne a Wonder Woman, Aquaman, Flash, Cyborg y Batman en su primera película. Cierre a una temporada llena de blockbusters protagonizados por superhéroes, en el que el binomio Warner/DC ha conseguido,un éxito con Wonder Woman, apuesta por un espectáculo de primer orden adornado con efectos especiales para mostrar en todo su esplendor la épica batalla entre estos enmascarados, que a lo largo del metraje se verán obligados a desarrollar sobre la marcha la manera de encajar como equipo, y un imponente enemigo intergaláctico. El ganador del Oscar Ben Affleck (Vivir de noche) abandera un reparto formado por Gal Gadot (Wonder Woman), Jason Momoa (Una bala en la cabeza), Ezra Miller (Animales fantásticos y dónde encontrarlos) y el debutante Ray Fisher como los héroes y Ciarán Hinds (Silencio) bajo los pixeles del villano principal. Queda por ver la influencia de Joss Whedon (Los Vengadores) en el resultado final, después de asumir las funciones de director en la última fase de producción tras la retirada de Snyder.

miércoles, 22 de noviembre de 2017

Pura vida

El documental hispano mas visto de los ultimos años. En la cara sur del Annapurna, a 7.400 metros, Iñaki Ochoa de Olza se está muriendo. Su compañero de escalada hace sonar la alarma y pide ayuda. Y, desde el otro lado del mundo, el intento de rescate más grande en la historia del Himalaya se pone en marcha. Durante cuatro días, una docena de hombres, incluyendo algunos de los mejores alpinistas del mundo, procedentes de diez países, se dispuso a tratar de rescatar a su compañero herido, como un símbolo de hermandad sin límites. Excelente documental, a modo de crónica, que nos narra el intento de rescate fallido del montañero pamplonica Iñaki Ochoa de Olza en el Annapurna en 2008.La cinta nos muestra con fidelidad y con un realismo exacerbado los acontecimientos que se sucedieron después de que el montañero navarro quedase prácticamente inmovilizado amás de siete mil metros de altura. El dúo de realizadores navarro formado por Pablo Iraburu (Nömadak TX) y Migueltxo Molina (que debuta con esta cinta) son los responsables de llevar a la gran pantalla el emotivo relato, lleno de bellas imágenes, compuesto por los testimonios de aquellos compañeros alpinistas que formaron parte de la expedición de auxilio además de varios conocidos del fallecido, que recalcan la personalidad de hierro y el compañerismo que poseía. Es un documental de un valor incalculable si pensamos que, prácticamente todas las imágenes de montaña mostradas en la cinta o relacionadas con el intento de rescate de Iñaki Otxoa son completamente verídicas. La no recreación de las escenas como, sucede en otras películas (Tocando el vacío, 127 horas), le da al docudrama un toque de mayor realismo, acompañado de un estilo y una fotografía impecables donde el alpinista es el único protagonista.

Medidas extremas/ Elourinn/ The oath

Medidas extremas/Elourinn En la linea del cine policiaco nordico, (Jo Nesbo), un thriller que nos habla de lo que uno puede ser capaz para defender a su familia. Cine frio pero no insensible en un desenlace abierto en el que la profesion o entereza moral y personal de uno, no sirve para detener nada. Thriller de manual, con todos sus componentes y una historia con accion que se puede entender. Un prestigioso cardiocirujano con una vida feliz junto a su mujer y sus dos hijas. Sin embargo, la paz familiar se ve alterada cuando la mayor, inicia una relación con un traficante de drogas. La mala influencia que éste ejerce la llevará a un mundo de narcóticos y delincuencia del que su padre intentará sacarla sin importar las medidas que tenga que tomar para ello. En su viaje a los infiernos descubrirá que el peligro está en los lugares más insospechados. Después de un par de experiencias satisfactorias en Hollywood con 2 Guns y Everest, el islandés Baltasar Kormákur vuelve a su tierra natal para dirigir este thriller dramático. Despues de ocho años, y protagonizar la película en la piel de un padre que estará dispuesto a cualquier cosa con tal de rescatar a su hija de la espiral de drogas y crimen en la que se encuentra. Con el objetivo de construir la tensión y emoción desde sus personajes, Kormákur muestra la dura realidad de este particular anti héroe, habituado a tener bajo control situaciones de vida o muerte, que sin embargo es incapaz de lidiar con su situación familiar, lo que le hará caer, desesperado, en un abismo de oscuridad donde no se discierne con claridad el bien y el mal y se toman medidas moralmente cuestionables. Junto a Kormákur, conforman el reparto principal Hera Hilmar (Anna Karenina), Gísli Örn Garðarsson (Prince of Persia: Las arenas del tiempo) e Ingvar Eggert Sigurðsson.

Los nadie

Amores, odios, promesas rotas y cinco hermanos de calle que se conocen en medio de una ciudad hostil. Los nadie, jóvenes unidos por las ansias de viajar, encuentran en el arte callejero y la música el lugar donde refugiarse y una oportunidad para escapar. Palpita el propósito de efectuar un registro veraz y directo de las voces, los sueños, las complicidades y los rituales privados de un grupo de amigos.Juan Sebastian Mesa renuncia en su opera prima a cualquier tentación de tremendismo enérgico debut. Bello retrato de un grupo de jóvenes una película fascinante, rodada en blanco y negro con menos de lo indispensable, conscientemente imperfecta pero vocacionalmente libre, saturada de fuerza. La melancólica reflexión que se suscita es que vivimos en un mundo tan globalizado que todos los «millenials» se parecen. Dotado de una rabia juvenil y un intenso sentido de lugar enfatizados por la fotografía en blanco y negro, el retrato de grupo huye tanto del estereotipo como de la protesta social o la mitificación facilonas. La urgencia con la que fue rodada es uno de los puntos fuertes de un trabajo que consigue extraer de sus protagonistas unas interpretaciones vívidas y honestas. Una película tan libre como lo son sus protagonistas. Un auténtico ramalazo de frescura, de rabia contenida, de descaro y desobediencia de lo más estimulante. Una película que no aspira a la perfección sino a la vitalidad. Y esa apuesta la logra con creces. Como lo hacen Esteban Alcaraz y y M. Camilla Castrillon.

martes, 21 de noviembre de 2017

Jupiter's moon

Esta luna de Jupiter, ilumina a un angel y a un medico corrupto, que mirando al cielo encuentran el cine fantastico donde perder la mirada, algo que no pueden hacer cunado miran el horizonte terraqueo. Tierra movediza que aqui es Hungria, y que acoge de aquella manera a un siriano especial que levita y desafia la gravedad. Poderes "que adquiere" al darle por muerto, reconvirtiendose en un altavoz que habla de los europeos. Mejor en el terreno fantastico (Sitges), rebotada en Cannes, que en el dialogo politico, es la viva demostracion de que solo nos puede salvar la imaginacion. Un joven inmigrante que, cuando estaba intentando cruzar la frontera, recibe un disparo. Aterrorizado y en estado de shock, el muchacho descubre que tiene el poder de levitar. No tarda en ser trasladado a un campo de refugiados, de donde se fuga gracias a la ayuda de un cínico doctor, que quiere beneficiarse de su don. Mientras huyen del implacable director del campo, intentarán encontrar un lugar seguro y dinero en un mundo donde los milagros se han convertido en moneda de cambio. El director húngaro Kornél Mundruczó, que recogió aplausos con su anterior película, White God, firma ahora la que fue la gran triunfadora en el Festival de Sitges. Desde un presente de realidades difíciles de admitir, el cineasta habla sobre las problemáticas migratorias en la Europa actual, a la vez que reflexiona sobre el concepto de milagro. El film aborda temas como la fe y la religión, ante los que cada uno de los personajes reacciona de una manera diferente en un mundo regido por el culto al dinero y el éxito. Allí discurre la relación entre el chico y un anciano médico desencantado con su profesión, que cegado por su ambición encontrará la redención a través de las habilidades del muchacho, mientras se suceden persecuciones y tensas escenas que recuerdan al thriller. Conforman el reparto principal Merab Ninidze (Rehenes), Zsombor Jéger (Kincsem), György Cserhalmi (Zelari) y Mónika Balsa.

Hacia la luz/Hikari

La vision y el oido son en el ser humano dobles. Dos oidos, dos ojos. Como las dos almas. Paz y tormento.  Esto es lo que analiza Naomi Kawase, en un film japo-frances sobre la perdida y sustitucion de ambos sentidos. Naomi ama el cine y lo metamorfea a traves de esta joven transmisora de imagenes narradas a un fotografo que pierde gradulamente la vision. Homenajes al cine japones, los que quieran ustedes. Y un exceso de profundizar la busqueda de la luz, interior y exterior, tambien. Una luz ambar, diluye el film como la propia vision del protagonista que va sustituyendo la camara por el corazon. La narradora de imagenes llega a la conclusion de que la mas bella imagen es la que no se ve. La transformacion de imagenes de un cazador que cambia esta pieza por un poco mas de tiempo de luz. Kawase, (Aguas tranquilas, El bosque del luto (Cannes 2007), Una pasteleria en Tokio), ha conectado con la prensa, el publico y los adictos al cine de autor. Una mujer apasionada que trabaja como guionista de las versiones para invidentes de las películas. Un día, en una proyección en el cine, conoce a un fotógrafo mayor que ella que sufre una dolencia por la que está perdiendo la vista paulatinamente. A medida que su relación se estreche, ella, algo desconectada de su entorno, descubrirá las fotos de unas bellas imágenes que le harán rememorar recuerdos del pasado. Juntos verán un mundo que antes era invisible a sus ojos. Convertida en una de las directoras imprescindibles del cine japonés contemporáneo, Naomi Kawase presenta su nuevo trabajo: un particular homenaje al cine a través de un romance entre un discapacitado visual y una guionista del séptimo arte que debido a su capacidad para permitirle escapar de una triste realidad, se esfuerza porque los invidentes también puedan disfrutar de las películas. A través de esa relación amorosa, Kawase compone un delicado y conmovedor drama sobre cómo el cine puede servir para dar sentido a la vida, a la vez que se convierte en metáfora sobre aquellas cosas que se entienden, se ven o se sienten. Rodada prácticamente con iluminación natural, la cinta da una gran importancia, tanto física como simbólica, a la luz, a la vez que muestra, como en el anterior trabajo de Kawase, un encuentro entre dos almas heridas. Ayame Misaki (Ataque a los titanes) y Masatoshi Nagase lideran un reparto que completan Noémie Nakai (Death Note: El nuevo mundo) y el veterano Tatsuya Fuji.

lunes, 20 de noviembre de 2017

el autor

Como vereis titulo en minuscula. Esto ya es una indicacion para el seguidor habitual del blog. Me gusta todo de Javier Cercas menos el. Como dice de su personaje, equidistancias aparte, es "riculo como heroico, comico y tragico, diabolico y angelical". Con estos mimbres, de primera novela, el director del film  ha intentado dar voz a sus contradicciones personales. En un escenario minimalista como se llama ahora, paredes blancas, muebles cero, el autor escucha para obtener material para escribir. Nada sale de la nada y el esfuerzo excesivo puede llevar tambien al fracaso. La crueldad se manifiesta sobre el debil, aqui el alumno. Y la verdad es la unica que puede sustituir a la ausencia de ideas y la nula imaginacion.  La vida de los vecinos, de la portera, de los emigrantes, de los jubilados, de los militares, componen el tejido que abriga el film y le dan su valor, el que tenga. El autor, aprendiz de escritor, pasante de notario envidioso de su mujer, ya best seller, mira que tambien, nos cuenta el "proceso" de creacion por un incompetente. Film sobre la inspiracion de barrio, sin el barniz de la cultura y sometida la narracion a un humor negro y vulgar local. Un hombre gris trabaja en una notaría, pero su sueño es ser escritor. Sin embargo, todo lo que escribe carece de inspiración. Al contrario que su mujer, que nunca quiso dedicarse a la literatura, pero que firma un best seller tras otro. Después de separarse, decide entregarse a su aspiración y, guiado por su profesor de escritura, descubre que la ficción bebe de la realidad. A partir de ese momento, manipulará a sus vecinos y amistades para crear una historia que pueda trasladar al papel. Después de cosechar aplausos en el Festival de San Sebastián, llega la nueva película del director y guionista Manuel Martín Cuenca (Caníbal). Adaptación que sirve al realizador para poner en tela de juicio todo lo que rodea al concepto de talento, y hacer una defensa a ultranza de la voluntad y la determinación para vencer el bloqueo creativo y la ausencia de un don nato como elementos clave a la hora de terminar una obra. Este tema, que podría ser abordado desde una perspectiva dramática, es narrado por Martín Cuenta desde la ironía, convirtiendo la angustia y desesperación de su protagonista, interpretado por el ganador del Goya Javier Gutiérrez (Assassins Creed), en una comedia negra que provoca la risa a través de las manipulaciones y esfuerzos de este aspirante a escritor para conseguir materializar una gran novela al precio que sea. Completan el reparto de esta cinta, en la que la realidad y la ficción se confunden en una Sevilla estilizada, Tenoch Huerta (Güeros) y los ganadores del Goya María León (Cuerpo de élite) y Antonio de la Torre .

domingo, 19 de noviembre de 2017

Pura vida

En la cara sur del Annapurna, a 7.400 metros, Iñaki Ochoa de Olza se está muriendo. Su compañero de escalada hace sonar la alarma y pide ayuda. Y, desde el otro lado del mundo, el intento de rescate más grande en la historia del Himalaya se pone en marcha. Durante cuatro días, una docena de hombres, incluyendo algunos de los mejores alpinistas del mundo, procedentes de diez países, se dispuso a tratar de rescatar a su compañero herido, como un símbolo de hermandad sin límites. Excelente documental, a modo de crónica, que nos narra el intento de rescate fallido del montañero pamplonica Iñaki Ochoa de Olza en el Annapurna en 2008.La cinta nos muestra con fidelidad y con un realismo exacerbado los acontecimientos que se sucedieron después de que el montañero navarro quedase prácticamente inmovilizado a más de siete mil metros de altura. El dúo de realizadores navarro formado por Pablo Iraburu (Nömadak TX) y Migueltxo Molina (que debuta con esta cinta) son los responsables del emotivo relato, lleno de bellas imágenes, compuesto por los testimonios de aquellos compañeros alpinistas que formaron parte de la expedición de auxilio además de varios conocidos del fallecido, que recalcan la personalidad de hierro y el compañerismo que poseía. Un documental de un valor incalculable si pensamos que, prácticamente todas las imágenes de montaña mostradas en la cinta o relacionadas con el intento de rescate de Iñaki Otxoa son completamente verídicas. La no recreación de las escenas como, sucede en otras películas (Tocando el vacío, 127 horas), le da al docudrama un toque de mayor realismo, acompañado de un estilo y una fotografía impecables donde el alpinista es el único protagonista.

La sla de los monstruos

Un joven cree que es un humano hasta que, un día, sufre su primera transformación en el instituto delante de los niños más populares. Avergonzado, descubre que su padre le había ocultado su verdadera naturaleza monstruosa. Tras enfadarse y escapar de su casa, parte en busca de La Isla de los Monstruos en un viaje, tan fantástico como aterrador, en el que se reencontrará con sus verdaderas raíces y aprenderá que ser un monstruo no es algo malo, es formar parte de una familia. Después de El secreto del medallón de jade, Leopoldo Aguilar dirige su segundo largometraje con La Isla de los Monstruos, cinta de animación para todos los públicos que narra el viaje a los orígenes de un niño que descubre que, en realidad, proviene de un linaje de monstruos. A lo largo de esta aventura la película aborda, con la metáfora de la transformación monstruosa, temas como los cambios de la pubertad, el acoso escolar o la sobreprotección paternal. Aún a pesar de sus limitaciones de presupuesto y de tratarse de una industria en pleno proceso de desarrollo y expansión en el país centroamericano, el film ofrece un esmerado diseño de personajes, cuya apariencia y colores son un reflejo de su personalidad y su inclinación hacia el bien o el mal. Rodada en inglés, el reparto vocal en su versión original está conformado por Fiona Hardingham (El último baile), Roger Jackson (la voz al otro lado del teléfono en la saga Scream) y la veterana dobladora Katie Leigh.

sábado, 18 de noviembre de 2017

Flor de Neu d'Or 2017

'Dessine-moi un chamois', Flor de Neu d'Or al Festival de Cinema de Muntanya
El film d'Anne, Erik i Véronique Lapied també ha estat guardonat amb els premis al millor guió i a la millor fotografia de la 35a edició del certamen
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La pel·lícula argentina 'Dhaulagiri, ascenso a la montaña blanca' s'endú el premi BBVA i Flor de Neu de Plata al millor film de Muntanya 
'Dessine-moi un chamois' és la gran guanyadora del 35è Festival BBVA de Cinema de Muntanya de Torelló. La producció francesa d'Anne, Erik i Véronique Lapied s'ha endut el Gran Premi Vila de Torelló i Flor de Neu d'Or per segona vegada. La pel·lícula protagonitzada per Colin Abel –fill de Véronique– narra de quina manera aquest jove de 9 anys fa una gran immersió a la muntanya. El Grand Paradís es converteix en una escola on aprèn a respectar la natura, a fer-se discret i a conviure amb els animals. Tot això, gràcies a la saviesa del seus avis –Anne i Erik–, que acumulen ja una llarga trajectòria com a cineastes especialitzats en films d'animals.
A banda de la Flor de Neu d'Or, el jurat ha premiat 'Dessine-moi un chamois' –de la secció de Natura i Muntanya– amb dos guardons més: el premi Federació d'Entitats Excursionistes de Catalunya i Flor de Neu de Plata a la millor Fotografia i el premi Boreal i Flor de Neu de Plata al millor Guió. Avi i net, director i protagonista, han pujat dalt l'escenari del teatre Cirvianum per recollir els tres guardons de la 35a edició. 
Aquesta és la segona vegada que la família Lapied guanya el gran premi del Festival, després d'endur-se'l el 2004 pel film 'Zanskar le chemin des glaces'. D'altra banda, Erik, Anne i Véronique també van ser a Torelló ara fa dos anys per recollir el premi honorífic que entrega la International Alliance for Mountain Film (IAMF)  per la seva trajectòria en el cinema de muntanya. 
El segon guardó de la gala ha estat per 'Dhaulagiri, ascenso a la montaña blanca'. La pel·lícula que firmen els argentins Cristián Harbaruk i Guillermo Glass ha guanyat el premi BBVA i Flor de Neu de Plata al millor film de Muntanya. La mort d'un dels companys dels dos realitzadors durant l'ascens al Dhaulagiri el 2008 fa que les gravacions quedin en un calaix. Vuit anys després, Glass decideix fer el pas de documentar un segon viatge per trobar resposta a totes aquelles preguntes que arrossega des de l'incident.    
El tercer film premiat és 'Blocheads', del britànic Alastair Lee, que s'ha emportat el premi Grandvalira i Flor de Neu de Plata a la millor pel·lícula d'Esports de Muntanya. El documental repassa la història de l'escalada de blocs a Gran Bretanya des dels seus inicis, al segle XIX.
Pel que fa el premi al millor film de Cultura de Muntanya i Flor de Neu de Plata ha anat a mans del belga Pieter Van Eecke, per 'Samuel in the clouds'. La pel·lícula demostra de quina manera les geleres de Bolívia estan en ràpida regressió a través de la mirada del Samuel, l'encarregat del telefèric del Chacaltaya, a La Paz. 
El premi Federación Española de Deportes de Montaña y Escalada especial del Jurat i Flor de Neu de Plata ha estat per 'Dirtbag: the legend of Fred Beckey'. Aquesta producció, que repassa la trajectòria d'un dels grans noms de l'escalada als Estats Units, es converteix alhora en un gran homenatge a la figura de Beckey, que va morir fa només tres setmanes. 
Per votació popular, el públic de la sessió +Xtrem ha atorgat el premi Cervesa del Montseny i Flor de Neu de Plata a 'The eyes of God', de l'alemany Olaf Obsommer i, finalment, la pel·lícula de l'aragonès Martín Campoy, 'Ara salvaje', ha guanyat el premi Mountain Wilderness al millor film que ressalta la defensa dels espais naturals. 
Durant la gala també s'ha reconegut a Xavier Maduell i Iván Torres amb el Premi Periodisme –tant en premsa escrita com d'Internet– per l'article 'Vèrtex 50 anys i entrevista amb Carles Albesa', publicat a la revista Vèrtex i al portal FEEC.cat.

Con los brazos abiertos

Confundir las ideologias y que esto tenga gracia, es el objetivo de Philippe Chauveron Al igual que queriendolo no atiza suficiente a la clase pudiente al que como mucho retrata como bienpensante i reacionaria. La inmigracion rumanesa, vividores en la Francia acogedora, en la que relata con no muy buenas maneras un demasiado bulto de estereotipos. A la sombra de la derecha menos radical de los Le Pen, Clavier busca un lugar en al comedia cnservadora. Un reconocido escritor que tiene una desahogada vida junto a su mujer, una rica heredera. Durante un debate televisivo en el que presenta su nuevo libro "Brazos abiertos", donde invita a la gente a acoger en sus casas a las personas con menos recursos, uno de los tertulianos desafía a este intelectual humanista a predicar con el ejemplo. Fougerole acepta el reto y ofrece su hogar a cualquiera que lo necesite. Esa misma tarde, sonará el timbre de su puerta. Responsable de una de las comedias más destacadas de los últimos años en Francia (Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho??), Philippe de Chauveron, el director compone una cinta de aparente humor inofensivo que, sin embargo, esconde una ácida crítica a la hipocresía de las élites intelectuales del país galo. A través de todo tipo de gags disparatados y situaciones rocambolescas, la cinta sigue las peripecias de uno de los miembros de esa burguesía progresista, que se ve acorralado mediáticamente y obligado a asumir para sí mismo los principios que predica en sus libros. Tanto el protagonista como sus nuevos inquilinos sirven como catalizadores de un humor que bebe de los males endémicos de la sociedad, tales como el egoísmo, los prejuicios raciales y el aprovechamiento excesivo de las buenas intenciones. Christian Clavier (Una bolsa de canicas) y Ari Abittan (Los visitantes la lían ¡en la Revolución Francesa!) vuelven a repetir con el realizador después de Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?? y lideran un reparto que también cuenta con Elsa Zylberstein.

viernes, 17 de noviembre de 2017

El vientre de Europa

Un director cine de mediana edad que, desde su propio universo onírico, realiza un viaje introspectivo desde el vientre de la madre al vientre de Europa en el que nunca se rompe el cordón umbilical. Mientras deambula por las entrañas de las ciudades de Madrid y Berlín, dos capitales europeas cuyo pasado y presente alimentan sus sueños y turbaciones, se debate entre el niño que fue y el hombre que es actualmente, entre el amor de su madre y la dualidad de la mujer que ama. Nominado al Goya a Mejor fotografía por su anterior trabajo, New York Shadows, Juan Pinzás dirige una inclasificable propuesta de cine de autor en la que se combina el drama, el género fantástico y hasta el thriller psicológico. En esta, la primera parte de su Trilogía Europea, Pinzás vuelca el amor y el dolor que sentía durante los últimos días de vida de su madre, y los convierte en un homenaje a las mujeres y, a la vez, en una visión de la Europa de crisis actual. Además, El vientre de Europa sirve al cineasta, el único español reconocido por el movimiento Dogma 95, para poner en práctica su particular decálogo, inspirado en la doctrina cinematográfica iniciada por Lars von Trier y Thomas Vintenberg, que abarca desde el guion y la trama o el carácter artístico de la película, hasta el origen profesional de los actores. La película, que ha sido rodada a lo largo de las cuatro estaciones del año para no manipular los escenarios, cuenta con intérpretes contrastados como María Villar (Viola) y debutantes como Katherine Sorel y Elke Krüger. Por su parte, Juan Pinzás dobla funciones y también se pone delante de las cámaras como protagonista del largometraje.

Constructing Albert

Acaba de presentarse en el Festival de San Sebastián “Constructing Albert”, que se recomienda a quien tenga curiosidad por conocer a Albert Adrià.Sus autores, Laura Collado y Jim Loomis (basándose en una idea de Unto) han acompañado al chef durante más de cuatro añosPretendían captar el momento de expansión de su grupo El Barri y lo han logrado: en la película verán cómo va creciendo ese pequeño imperio en la zona del Paral.lelo.Y verán la pasión de Albert Adrià por la cocina, la complicidad con su hermano Ferran (hay una reunión con un momento de tensión impagable), la búsqueda del equilibrio entre el chef y el empresario o su brutal capacidad de trabajo. El documental acaba de presentarse en el Festival de San Sebastián. Momentos como la intervención de un Juli Soler ya enfermo o como sus confesiones sobre la paternidad. Y, sobre todo, comprobarán la espontaneidad y sinceridad cuando se mira al espejo. Como metáfora, con la escena en que, plantado en el local que acaba de adquirir para su Bodega 1900, afirmar que ha decidido mantenerlo intacto, con su aspecto ochentero, y acto seguido aparece la imagen de la demolición. Y con la fuerza del silencio introspectivo cuando le comunican que ha conseguido su segunda estrella, en medio del bullicio que le rodea... No sé si será o no un genio. Pero sin duda es uno de los personajes más brillantes del mundo gastronómico. La revolución más importante en la historia culinaria tuvo lugar en una remota cala de la costa catalana. El Big Bang del descubrimiento creativo que fue elBulli despertó de la mente de dos hermanos de un suburbio de Barcelona y dio nacimiento a un nuevo universo gastronómico. Desde entonces, el nombre Adrià se ha convertido en sinónimo de creatividad. Ferran es el famoso maestro que la gente conoce, sin embargo, con 29 años de una brillante carrera detrás de él, el único reconocimiento que Albert ha logrado es el de ser el chef más subestimado en el mundo. Con solo quince años, sin vocación o aspiración, Albert comenzó a trabajar de mala gana con su hermano. Pronto encontró en la cocina un lienzo en blanco en el que experimentar y expresar su creatividad sin explotar previamente. Un personaje lleno de contradicciones, la carrera de Albert progresó lejos de los medios de comunicación que brillaban en Ferran durante el ascenso de el Bulli. Un forastero, Albert nunca ha buscado la fama y la fortuna. Se concentró en luchar contra los monstruos de la creatividad pura, liderando el Barri Taller, el departamento de I + D que ideó las innovaciones y técnicas que llevan a elBulli al pinacle de la cocina global. Dos años después de que elBulli cerrara sus puertas, Albert se encuentra en medio de una nueva aventura creativa. En Paralelo, el distrito de teatros picates de Barcelona, ​​Albert está construyendo una milla gastronómica. En el corazón de este creciente imperio se encuentra Tickets , un restaurante en el que nada es imposible, elevando las humildes tapas a la alta cocina. La puerta de al lado 41 ° brilla con una luz especial. Concebido como un mini elBulli con dieciséis cenas afortunadas, explora las alturas de la creatividad culinaria. La visión fértil de Albert no se detiene allí: Pakta , fusión japonés-peruana con el sello Adrià; Bodega1900 , un homenaje a la cultura del vermut catalán; Hoja Santa , una inmersión en las profundidades de la cocina tradicional mexicana; Enigma , su proyecto más ambicioso, y el que espera convertir en uno de los mejores restaurantes del mundo.
Cada uno muy diferente del otro, todos llevan su firma personal. Esta es la proclamación de seguridad de Albert, su intento de escapar de la sombra del ahora legendario elBulli y entrar en el Panteón de los grandes chefs. Este es Albert construyéndose a sí mismo.

jueves, 16 de noviembre de 2017

The square

A un director de un museo le roban la cartera. En su interior los datos de una exposicion, The square, /El cuadrado. Lo que sigue es una entrevista sobre arte, las dudas, las ideas, los conceptos, y durante 142 minutos la casualidad.  Dispersa como el caracter pretencioso de algunos artistas, Ostlund Ruben, rueda en alguna ocasion con cierta jocosidad, pero que pierde sentido critico cuando se refiere a todo el entorno del arte conceptual.  Pâlma de oro en Cannes, pretende definir u orientar el futuro del arte, cuando es sabido que este es imprevisible segun tendencias, pensamientos  y entidades culturales. Ostlund ha rebajado en su segundo film la intencion critica que le destacaba. Un buen intento de acercar el hombre al hominodo, en una cena donde se acaba sin conocer quien debe mantener el tenedor. (MagnificoTerry Notary en su trabajo corporal como primate.) Un padre divorciado disfruta pasando tiempo con sus dos hijas. Trabaja en un museo de arte contemporáneo, donde se encarga de programar las exposiciones. Conductor de un coche eléctrico y habitual de las causas humanitarias, está ultimando su próxima muestra, titulada The Square, que fomenta el altruismo y los deberes cívicos. Sin embargo su desmedida reacción al perder el móvil y la campaña publicitaria para promocionar el evento causarán una crisis en la institución. Surgida a raíz de una obra de arte que el propio director, Ruben Östlund (Fuerza mayor), y Kalle Boman crearon en un museo de arte contemporáneo sueco (un cuadrado en el que cualquiera que entraba dentro estaba en igualdad de condiciones con los demás y obligado a prestar su ayuda a quien lo necesitara) con la que se pretendía fomentar valores cívicos y que consiguió extenderse a otras ciudades de Noruega, The Square ofrece al espectador una ácida comedia sobre la debilidad de la naturaleza humana. Alrededor de una controvertida exposición, el director plantea todo tipo de cuestiones éticas y morales protagonizadas por el responsable del evento, un hombre de conducta intachable que pone en tela de juicio los ideales de confianza y respeto al prójimo que pretendía predicar. El film trata a través de un humor entre lo absurdo y lo sarcástico temas como la corrección política, la libertad artística o la libertad de expresión. Claes Bang (La niña de la selva) lidera un reparto europeo en el que también se encuentran Elisabeth Moss (High-Rise), Dominic West (Money Monster ) y Christopher Laesso.

Oro

Mucha produccion y poco analisis sobre la colonizacion española en Sudamerica a donde, como dicen ellos les llevaron poco mas que la varicela. Compensa los errores de casting (Berasategui o Cervino), con una direccion de arte muy acertada en epoca y belleza. Es la eterna busqueda de el dorado a base de violencia y odio racial. Un  relato menor de Perez Reverter que Diaz Yanez pretende elevar fisicamente a nivel de Herzog pero que en la austeridad narrativa no llega a Saura. En pleno desembarco en las Indias, un grupo de conquistadores españoles prepara una expedición por el Amazonas con el objetivo de encontrar El Dorado, una ciudad que, según el mito, está hecha de oro. En ella participan treinta hombres y dos mujeres, liderados por Lope de Aguirre y Núñez de Balboa, que buscan huir de la miseria que les aguarda en su tierra natal y encontrar riquezas y gloria. Sin embargo, lo que la jungla les reserva son peligros, crueldad y oscuridad. 9 años después de su último largometraje, Sólo quiero caminar, y más de una década más tarde de su última colaboración con Alatriste, Agustín Díaz Yanes dirige Oro. Basada en el relato corto del escritor murciano, este film traslada al espectador hasta la América de finales del siglo XVI. En este contexto, Díaz Yanes compone una épica y dramática cinta de aventuras donde este viaje al corazón de la selva, a lo más oscuro del ser humano, donde surgen la codicia y los más bajos instintos. Los ganadores del Goya José Coronado (Es por tu bien), Raúl Arévalo (Cien años de perdón), Bárbara Lennie (Contratiempo) y Óscar Jaenada (Infierno azul) lideran el reparto coral de esta cinta de atmósfera asfixiante en la que los fusiles disparan, las flechan vuelan a través de la selva y los personajes se debaten entre su ambición y la supervivencia.

miércoles, 15 de noviembre de 2017

Musa

Un profesor de literatura dublines lleva meses alejado de la universidad debido a la trágica muerte por suicidio de su novia. En este tiempo, no ha podido dormir, torturado por una pesadilla recurrente en la que una mujer es brutalmente asesinada. Sus sueños se harán realidad cuando se produzca un crimen en las mismas circunstancias que vio en sus ensoñaciones. Mientras investiga las causas de esta muerte a través de un oscuro mundo, descubrirá que no es el único que ha soñado con la misteriosa mujer. Jaume Balagueró (Mientras duermes), uno de los iconos del terror patrio y co creador de la saga Rec, presenta un nuevo thriller en el que los sueños y las musas de los grandes autores ocupan un siniestro mundo que convive con el nuestro. Un guion enrevesado, con giros derecha e izquierda sin mucho sentido pero que consigue llegar al final sin haber entendido nada por lo que sorprende. Un homenaje a grande poetas del terror que con sus versos, nos acompañan en nuestro mundo esoterico y onirico. Siete damas terriblemente horribles, ocultas en la poesia del miedo, sin ser paranormales, igualan en efectividad a las nueve musas helenicas que narran las mitologicas leyendas. Era complicado enlazar cine de terror y literatura lirica. Pero el resultado queda digno, conocedor del tema, aunque es evidente que en el rodaje, preparacion y montaje del film, no le asistieron todas sus musas. El director adapta la novela de José Carlos Somoza "La dama número trece" a través de una combinación entre horror e investigación. Sin embargo, las comisarías de policía y las pesquisas forenses dejan paso a vetustas bibliotecas y libros casi centenarios, donde sus protagonistas, más eruditos que agentes de la ley, intentan desvelar un secreto anclado en el tiempo donde la poesía y la belleza ocultan una verdad aterradora. En esta historia, Balagueró combina los golpes de efecto y sustos habituales del género con una trama refinada, en la que se pone a prueba los conocimientos literarios del espectador. Elliot Cowan (Da Vinci's Demons) y Ana Ularu (Inferno) lideran un reparto internacional en que también se encuentran Leonor Watling (Una pistola en cada mano), Manuela Vellés (Secuestrados) y Christopher Lloyd.

la libreria

Con un cine clasico ya, Isabel Coixet plasma su indecisio politica personal alrededor de un fenomeno cultural en proceso de desaparicion, la pequeña "libros para comprar". Emocion entorno a la decision de ser fieles a los origenes y un homenaje al placer de la lectura cognitiva. Con la camara siempre bien colocada como en sus tiempos publicitarios, la directora superviviente catalana, analiza la sociedad desde las capas pudiente a las arribistas desde la "elite" intelectual de los libreros.Natural como su cine hasta el momento, nos lleva a un pueblo costero en los años 50 con un nutrido ramillete de feminas. Una carrera para tener una libreria en un casting donde participan bonachonas, timidas o atrevidas. Una libreria donde puedes saber como es la vida de las palabras o aprender lo que nunca te habian dicho y que a los ojos de la directora apasionada por la lectura, puede regalarte el bienestar personal. Y como tal, subyugada por la novela de Penelope Fritzgerald, no se acuerda de hacer pirotecnia estilistica y olvida alguno de sus tics narrativos que algunos llaman personalidad. En la pequeña localidad costera de Hardborough vive una mujer viuda que quiere cumplir su sueño y el de su difunto marido. Para ello adapta junto a una amiga una vieja casa que se convertirá en la primera librería del pueblo. Sin embargo, este proyecto despertará el recelo entre los vecinos, sobre todo en la decana social de la zona, que llevará a cabo una educada pero implacable persecución al establecimiento que, no obstante, provocará un cambio significativo en la población. La ganadora del Goya Isabel Coixet (Nadie quiere la noche) ,ambienta en la costa británica de la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, el film donde una joven se esfuerza por abrir su propia tienda de libros a pesar de la oposición de los vecinos. A través de ella, Coixet hace un homenaje a las personas que toman riesgos en la vida, a las mujeres con coraje que se atreven a enfrentarse a las dificultades para conseguir sus sueños. Sus esfuerzos chocarán con las élites sociales, que, ante la amenaza de perder su liderazgo, atacarán a la protagonista en un continuo tira y afloja en el que, sin embargo, nunca se abandonan los buenos modales. Emily Mortimer (La invención de Hugo) y la nominada al Oscar Patricia Clarkson (El corredor de laberinto: Las pruebas) protagonizan este intenso cara a cara con el espacio de La librería como premio. Completan el reparto Bill Nighy (Su mejor historia) y el español Gary Piquer.

martes, 14 de noviembre de 2017

Feliz dia de tu muerte

Divertido relato criminal innovador. Pero sin sangre,  ni miedo, ni suspense, o sea sin terror que es lo que pretende la pelicula. Como en el dia de la marmota, un asesino enmascarado asesina en diversas ocasiones  a la misma y despreocupada estudiante universitaria que el día de su cumpleaños se despierta en la cama de su ligue de la noche anterior, en lo que será el principio de una jornada de situaciones extrañas en las que vivirá un constante deja vu. Cada la noche, es asesinada por un misterioso ser, para volver a levantarse en la habitación del mismo joven, el único dispuesto a ayudarla en un bucle que, hasta que no descubra quién es el asesino, terminará siempre con su muerte. Con el objetivo de repetir los últimos éxitos de Déjame salir o Múltiple, la factoría Blumhouse vuelve a la cartelera con Feliz día de tu muerte, cinta de terror que intenta dar una vuelta de tuerca a un género tan manido como el slasher. Con Scream y, sobre todo, la icónica comedia Atrapado en el tiempo como gran influencia, Christopher Landon (Paranormal Activity: Los Señalados) dirige un macabro y, a la vez, divertida repetición tras repetición (cada una de ellas coronada con un variado catálogo de muertes), e intentará desentrañar la identidad y motivos del asesino que acaba con ella al final de cada jornada. Al frente de este absurdo  de humor negro se encuentra Jessica Rothe (La ciudad de las estrellas (La La Land)), que interpreta a esta atípica protagonista, entre heroína y víctima propicia, a la que acompañan, entre otros, Israel Broussard (The Bling Ring), Ruby Modine (Shameless), Charles Aitken (The Girl on the Train) o Laura Clifton.

Yo-kai Watch

Un film de animacion con encanto, como los hoteles pequeños. Un film donde los nños olvidaran sus miedos y pesares para ser durante hora y media mas  felices con los paisajes y los personajes entrañables. Olvidado el espiritu dominador de la mitologia japonesa, sus folklores mas ancestrales, siempre nos quedara Pokemon. Con visible origen de video juego, completa el universo Yo kai que ya contenia, mangas, animes y demas zarandajas. Una mañana, Nathan se despierta y descubre que alguien le ha robado su Yo-Kai Watch, con el que puede ver a los yokai. Junto a sus amigos viajará 60 años atrás en el tiempo para recuperarlo. Una vez allí, conocerá a su abuelo de joven y descubrirá cómo se creó el primer Yo-Kai Watch mientras intentan detener un complot de yokais maléficos, que han roto el vínculo de amistad entre ellos y los humanos y están intentando generar conflictos entre ambas especies. Convertida en tan sólo un año en una de las franquicias más potentes entre niños de 4 a 12 años, con grandes cifras de audiencia de su serie de televisión y éxitos de ventas de juguetes, videojuegos y todo tipo de merchandising, los yokai llegan al cine. Shigeharu Takahashi (Peach Girl) y los veteranos en la saga Yo-Kai Shinji Ushiro y Mark Risley dirigen este largometraje de animación que sigue las aventuras de estos simpáticos personajes en un viaje a través del tiempo lleno de humor para todos los públicos en el que tendrán que restablecer la amistad invisible entre humanos y yokais. Haruka Tomatsu, Romi Pak (Naruto) o Yuki Kaji (Ataque a los titanes) ponen voz a un universo propio poblado por fantásticas criaturas y una sátira sobre las flaquezas humanas.

La chana

Bailarina autodidacta, Antonia Santiago Amador, conocida como La Chana, tiene 67 años y vive una vida tranquila en Cataluña. Entre los años 1960 y 1970, fue una de las estrellas más grandes del mundo del flamenco, sorprendente con su estilo innovador, velocidad y el uso inventivo del ritmo. Peter Sellers, con quien aparece en “The Bobo” (1967), la invitó a Hollywood. De repente, en el pico de su carrera, desapareció de escena.
Décadas de baile han desgastado su cuerpo. Sensual, vulnerable, pero aparentemente invencible, nos transporta a la esencia de su pasión mientras vuelve a los escenarios después de una pausa de 25 años. Un retrato sobre el envejecimiento, la perseverancia y la reinvención. La Chana revela una historia inspiradora que cristaliza los enfrentamientos entre los extremos y contradicciones de su vida; entre la artista en el escenario y la mujer detrás de las escenas.
La directora Lucija Stojevic, estudió Diseño Arquitectónico en la Universidad de Edimburgo y Dirección y Edición en la Escuela de Cine de Praga. Ha producido independientemente más de 30 cortos documentales para The Guardian, The New York Times y Global Post. Su trabajo también ha sido exhibido en el contexto del videoarte en exposiciones en Vienna, Graz, Barcelona y Edinburgh. En 2014, fundó Noon Films S.L., una productora dedicada a los documentales creativos en Barcelona.

lunes, 13 de noviembre de 2017

Algo muy gordo

Si la extensa pantalla es el lugar donde van a morir los gags, , en el film de Padial, se reune para verlos todos los tipos de humor y humor de todos los tipos. Del option movement al slapstic, serian los limites. Podria ser un film de la galaxia Allen, este artefacto filmico de Padial, pincha por tanto interpretarse asi mismos, sobre todo a partir del fallido acto de filmar la explosion de un coche.Visto como un making off de la comedia, los interpretes expulsan sus fantasmas, sus incertidumbres personales por encima de unos efectos repugnantes. Ocultado todos sus limitaciones visionarias, encontramos en el film las migajas del humor perdido, els sustento del humor futuro. La propuesta es complicada, eso de buscar la epica de lo risible. Berto Romero interpreta a un guionista televisivo que, en un giro de los acontecimientos, se ve obligado a repetir octavo de EGB. En su regreso al instituto, sufrirá un proceso involutivo que le convierte en un niño gordo. Sin embargo, los intentos por dar vida a la comedia más ambiciosa de la historia no consiguen dar su fruto y, al final, la verdadera historia que merece ser contada es la del actor frente a un plató vacío verde croma, llena de enredos y de divertidos contratiempos. Carlo Padial (Mi loco Erasmus) rompe con los moldes de la comedia y, en un tono de falso documental, reflexiona sobre los resortes del humor, el arte supeditado a la industria y la vida de los profesionales que están en medio. En este revolucionario ejercicio de cine dentro del cine, Berto Romero (Ocho apellidos catalanes) se convierte en cómplice y co guionista de Padial, además de ponerse delante de la cámara y enfrentarse, con un ridículo traje de captura de movimientos, al inmenso croma que ocupa todo el plató, en el que se sucederán todo tipo de situaciones que juegan en todo momento con los límites de la ficción y la épica del fracaso cinematográfico, donde los despropósitos y egos desatan la risa del espectador a la vez que reflejan el amor por el séptimo arte. Completan el reparto de esta película repleta de humor surrealista Carolina Bang (Mi gran noche), Carlos Areces (La reina de España) y Javier Botet.

Spoor/El rastro

Una ex ingeniera y astróloga vegetariana que vive en un pequeño pueblo de las montañas polacas. Allí tiene una existencia tranquila y pacífica hasta que, frente a su puerta, aparece el cadáver de su vecino, un cazador furtivo. Las huellas de un corzo son la única pista de esta muerte, a la que seguirán varias más, espeluznantes, de cazadores de la élite de la localidad. Mientras las autoridades dan palos de ciego, ela tiene otra teoría: los culpables son los animales salvajes. Después de unos años dedicada a dirigir episodios de series tan prestigiosas como House of Cards, Treme o The Affair, la nominada al Oscar Agnieszka Holland (In Darkness) vuelve con un largometraje y a compartir funciones detrás de la cámara con Kasia Adamik, con la que codirigió Janosik. Prawdziwa historia en 2009. En esta ocasión Holland y Adamik componen una película, entre el drama, el suspense y el humor ácido, que pivota en torno a su protagonista, una ex ingeniera y astróloga vegetariana de gran sinceridad y pasión que, sin embargo, lleva al extremo sus sentimientos de ira, compasión y amor por los animales. A través de ella, interpretada por Agnieszka Mandat-Grabka (Sanctuary), y de sus extravagantes acciones se muestra un mundo en el que la belleza de la naturaleza y la amistad contrastan con la corrupción, la crueldad o los instintos más bajos del ser humano. Completan el reparto de este film que evita las moralejas y combina lo real con lo fantástico Wiktor Zborowski (Con sangre y fuego), Jakub Gierszal (Drácula: La leyenda jamás contada) y Miroslav Krobot .

La mejor receta

Un viejo panadero judío que, ante el desinterés de su hijo en el negocio, se niega a que desaparezca con él. Afectado por la fuerte competencia con un supermercado cercano que codicia su local y que le ha robado a casi todos sus clientes y hasta su aprendiz, Nat se ve obligado a contratar a un joven inmigrante musulmán traficante de cannabis en sus ratos libres. En un momento de caos, la droga se mezclará con la masa del pan, creando un producto que hará que las ventas se disparen. El veterano John Goldschmidt (Maschenka), curtido en diversos géneros televisivos, dirige una comedia con dosis de drama que se centra en la improbable amistad entre un panadero judío y un problemático joven musulmán. El conflicto generacional y los prejuicios religiosos entre sus dos protagonistas, obligados a trabajar juntos por necesidades económicas, se convierten en el eje central del film, que a través del humor y los caracteres opuestos habla de los prejuicios y de cómo éstos van desapareciendo poco a poco, mostrando los puntos en común y dando lugar a una estrecha relación de amistad. Jonathan Pryce (La dama de oro) y Jerome Holder (Honeytrap) dan vida a esta extraña pareja que, como si de una buddy movie se tratara, plantarán cara con un ingrediente secreto a un enemigo común: un despiadado hombre de negocios interpretado por Ian Hart (Urban Hymn). Completan el reparto Pauline Collins (El cuarteto) y Phil Davis.Un film mas de integracion.

Esquece Monelos

La propia directora explicaba asi su film. "Mi próximo proyecto es la película documental llamada Esquece Monelos ( Forget Monelos ). Esta sería una película sobre un río. Un río que una vez fue fuente de vida y recuerdos, pero hoy en día se olvida y se entierra bajo tierra. Un flujo secreto que corre en tuberías de desechos. Este río está ubicado en la ciudad gallega de A Coruña, pero podría estar en cualquier ciudad del mundo. Es solo una metáfora de la construcción social de la memoria y su reverso, el olvido. Cada ciudad es de alguna manera una representación de sus habitantes. Su crecimiento siempre implica una cierta dosis de violencia. Construir y destruir es parte del mismo proceso. La destrucción de un lugar provoca todo tipo de destrucción personal. Pero en el fondo, los seres humanos son como las ciudades. Nos atraviesan una serie de flujos secretos, cosas que una vez ocultamos y luego olvidamos por completo. Hasta que, un día, llueve demasiado y todo sale a flote. Esta no es una película sobre la historia de A Coruña. Esta es una película sobre la memoria y, por lo tanto, sobre la identidad. Empecé a investigar y buscar el material de esta película en 2013. En enero de 2015 comencé a trabajar con Danga Danga Productions , y por fil podemos estrenarla..

Amazona

¿Qué hace que una mujer sea buena madre? ¿Es necesario renunciar a tus propios sueños, por extremos que sean, cuando tienes hijos?. Clare Weiskopf, la directora del film, tenía 11 años cuando su madre huyó a la jungla colombiana, abandonándola a ella y a su hermano pequeño. Treinta años después, Clare se queda embarazada y decide reencontrarse con su madre para buscar respuestas y cerrar heridas. Necesita tener su propio concepto del significado de la maternidad.
Un viaje a las profundidades del Amazonas que le servirá para explorar una relación que creía perdida y que la transportará al interior de su propio ser, el único camino posible para reconciliarse con ella misma. Una historia fascinante entre dos mujeres, madre e hija, llena de conversaciones que hacen saltar chispas, que nos sitúa ante un dilema moral sobre los límites de la libertad y la responsabilidad. Clare Weiskopf es una directora de cine y periodista centrada en temas sociales, desde el conflicto armado en Colombia y la violencia sexual como arma de guerra, hasta la difusión de la música cumbia en América Latina y Europa. Ganó dos veces el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar de Colombia y fue seleccionada para la IDFAcademy y Dok.Incubator. Recientemente ha dirigido dos series documentales, 2012: Chronicles of the End of the World y Los Colores del FútbolAmazona es su primer largometraje que DocsBarcelona ha acompañado desde su fase más embrionaria, cuando tan solo era una idea, pasando por la fase de desarrollo, hasta llegar a su presentación oficial inaugurando la pasada edición el festival.

domingo, 12 de noviembre de 2017

American assassin

Nueva version de infiltrado en organizacion terrorista para llevar a cabo una venganza personal. Con un inicio de accion en la playa, quiza solo superado por Lo imposible y Tsunami Eastwood, el film aburre con su nula elegancia y crueldad al limite. Solo nos mueve en el sillon, el extremo dolor del otra vez inquietante, y degustador de orejas, que le debe producir la particular manicura a que le someten otros congeneres. Accion mediocre y global de un Dylan O'Brien que nunca sera Bourne, por mucha clase ioga, karate, como ser asesino en 30 dias y entrenador personal que le pongan. Deficiente traslacion pues, de las 13 novelas de Vince Flynn sobre un espia que se encontro en la orilla del mar en unas vacaciones junto su novia. Después de la muerte de su novia en un atentado terrorista, el mundo de Mitch Rapp se pone patas arriba. Transformado en un astuto renegado en busca de venganza, encuentra el modo perfecto de canalizar su rabia en la CIA, donde se convierte en el protegido de un adiestrador de espías que ve en él el vehículo perfecto para redimir sus propios errores. Discípulo y alumno intentarán encontrar 15 kilos de plutonio robado que podrían desencadenar una Tercera Guerra Mundial. De la mano de Michael Cuesta (Matar al mensajero), la cinta ofrece un  ejercicio de burda acción y espionaje en los tiempos modernos de la guerra contra el terrorismo internacional, en el que un joven agente con sed de venganza aprenderá lo peor y mal. Dylan O'Brien (El corredor del laberinto: Las pruebas) y el nominado al Oscar Michael Keaton (Spiderman: Homecoming) comparten el protagonismo como aprendiz y maestro. La relación entre ambos se convierte en el eje principal en torno al que gira una trama de operaciones encubiertas, armas nucleares portátiles, enemigos invisibles y vigilancia ultratecnológica en la que sus personajes se mueven por las zonas grises. Completan el reparto Taylor Kitsch (El último superviviente), Shiva Negar (Mi niñera es un vampiro) y Sanaa Lathan .