el secreto de marrowbone

Es de las peliculas que los mercados titularia solo Marrowbone, añadiendo como maximo Brothers. Como un puzzle para el espectador, rellena la cinta con numeros homenajes-copias, que juegos aparte llevan a inundar de giros, en castellano tonterias que asustan  y que acaban no sabiendo que estas mirando. Porque es filme de mirar sin querer entender nada. Entre el gotico y el anime, el films discurre por el terror mas casero, (hay tambien un viejo caseron), con sus gemidos, gritos y poco aceite en las bisagras. Como cuatro hermanos con una mama enferma no dan mucho miedo se le añade un padre fantasma que con sus pesadillas pone la musica de la tension y lo que llamamos el clima. Con las jovenes caras del cine americano indie, el director novel tiene que recordarnos que firmo el guion de Lo imposible y El orfanato. Pero la semilla estaba en el asturiano corto "7337" que ya iba de fantasmas de niños asesinados en la guerra civil. Jack y sus hermanos Jane, Billy y Sam se fueron junto a su madre de Inglaterra, escapando de un padre maltratador. Al llegar a la vieja granja familiar de Marrowbone, en la América rural, su progenitora murió. Para evitar que les separasen o enviaran a un orfanato los muchachos la enterraron en el jardín, a la espera de que pasara el año que le falta a Jack para poder hacerse cargo de ellos legalmente. Aislados y faltos de dinero, verán cómo un secreto, oculto en las paredes de la casa, resurge. Sergio G. Sánchez debuta como director de un largometraje apadrinado por J.A. Bayona, este thriller se desarrolla en una vetusta granja de la América rural de finales de los años 60, origen de una intriga en la que los secretos y el suspense juegan un papel predominante. Además de incomodar al espectador, este film le ofrece un trasfondo dramático, el de la historia que rodea a sus jóvenes protagonistas que afrontan con urgencia su salto a la edad adulta con la pesada carga de un pasado que no termina de quedar atrás. Con una vocación de producción internacional, la película cuenta con experimentados intérpretes como Anya Taylor-Joy (Múltiple), Charlie Heaton (Stranger Things), George MacKay (Captain Fantastic) o Mia Goth (La cura del bienestar) como piedra angular de la ficción, en la que se combina el romanticismo y el drama familiar con elementos de género propios del terror psicológico.

Los hermosos dias de aranjuez

Wim Wenders es capaz de convertir Aranjuez en Paris o Texas.Y aqui lo hace.Personajes sin historia, dialogando la accion casi en directo, , nos presenta un escritor en un momento creativo bajo y una mujer de terraza de porcelana que le da, durante una tarde  de verano, "los pies". Una mujer y un hombre se sientan en una terraza en un hermoso día de verano. Frente a ellos un jardín y, al fondo, la silueta de París. Mirándoles fijamente al otro lado del cuadro se encuentra el escritor, que imagina y plasma en el papel sus diálogos. Hay preguntas y respuestas, conversan sobre cuestiones como la infancia, los recuerdos, la esencia del verano, y comparten sus experiencias sexuales. Tratan las diferencias entre ambos géneros, la perspectiva femenina y la percepción masculina. La naturaleza de las diferencias entre sexos protagoniza la nueva película del nominado a tres Oscars Wim Wenders (Todo saldrá bien). En el film, el cineasta adapta la obra de su amigo Peter Handke, que ambienta en Aranjuez la creación de un escritor que convierte un íntimo diálogo en un idílico paisaje en una disertación sobre la manera en que difieren las expectativas, aspiraciones y la visión del pasado en mujeres y hombres. El resultado es un honesto juego de preguntas y respuestas en el que no se llega a evidenciar hasta qué punto los personajes escriben los diálogos del escritor y cuándo es el escritor el que escribe los diálogos de sus personajes, todo ello con las hermosas llanuras parisinas como marco de excepción. Primera experiencia con el idioma francés de Wenders, rodada en 3D en apenas 10 días, la película cuenta con un pequeño reparto encabezado por Reda Kateb (Los caballeros blancos) y Sophie Semin (Más allá de las nubes) como la pareja que debate, mientras que Jens Harzer (Réquiem) interpreta a su creador. Por su parte, el propio Peter Handke hace un cameo junto a Nick Cave, artífice de algunos temas de una inusual banda sonora.

Thor ragnarok

Hela, la diosa de la muerte, ha ocupado el trono de Asgard y ha enviado a Thor al otro lado del universo tras arrebatarle su martillo. En el planeta Sakaar, Thor deberá competir en una competición de gladiadores, donde se enfrentará a su viejo amigo Hulk. Junto a él, y un variopinto equipo en el que también contará con su hermano Loki, iniciará un viaje a contrarreloj de vuelta a casa para detener el Ragnarok, un ciclo de vida y muerte sin fin que podría destruir toda la civilización asgardiana. Penúltima entrega de Marvel antes del macro evento que supondrá Vengadores: Infinity War, Thor: Ragnarok llega a nuestras pantallas con la intención de hacer algo diferente en la trilogía en solitario del dios del trueno. El actor y director Taika Waititi (Lo que hacemos en las sombras) aborda su proyecto de mayor envergadura y aporta su particular visión cinematográfica y su peculiar sentido del humor a un film que, a pesar de tener un tono más ligero que sus dos predecesoras, conserva el espíritu épico y grandilocuente de la franquicia. Primera cinta de Marvel rodada en el hemisferio sur, en los majestuosos estudios de Village Roadshow en Australia, también es la pionera en incorporar un villano femenino principal, interpretrado por la oscarizada Cate Blanchett (Carol). Como Hela, la diosa de la muerte, Blanchet complicará la vida al Vengador de Asgard que, en un espectáculo repleto de acción, comedia y apabullantes efectos especiales, intentará detener el Ragnarok, el ocaso de los dioses de la mitología nórdica. Chris Hemsworth (Cazafantasmas), Tom Hiddleston (Kong: La Isla Calavera) e Idris Elba (La torre oscura) vuelven en sus roles habituales, mientras que Tessa Thompson (Creed. La leyenda de Rocky), Karl Urban (Star Trek: Más allá) y el nominado al Oscar Mark Bufallo.

Un golpe al a inglesa/the Hatton garden job

Seguramente no es el momento de hacer un film donde todo el interes se centre en abrir una camara acorazada. Ya no. El tiempo de los rififis y eleven's tambien ha pasado. Pero  el film mantiene un textura de recuerdo homenaje que no se puede despreciar. Los protagonistas, jovenes insipidos, tampoco colaboran con su poco pedegri a ser como los grandes despanzurradores  de cajas fuertes, con dinamita o sin ella. Butrones aparte  tampoco la joyerias aseguradas de Londres tiemblan por nada. Película de  robos para quemar y asi mantener la llama de la tradicion del genero. Un criminal de 76 años que lidera un grupo de delincuentes del East End que prepara un golpe para pasar a la historia: sustraer 200 millones de libras de un depósito de seguridad en Hatton Garden, el barrio londinense de las joyerías. Perseguidos por la mafia húngara y Scotland Yard, estos atracadores urdirán un osado plan para taladrar la cámara acorazada a plena luz del día y durante las festividades de Semana Santa. Si sale bien, serán ricos; si sale mal, lo pagarán caro. En 2015, la opinión pública británica no daba crédito ante la noticia de lo que sería considerado como el golpe más importante de la historia del Reino Unido: el robo de más de 200 millones de libras de una cámara acorazada del distrito londinense de Hatton Garden. Quedó aún más perpleja cuando se supo que los artífices de tan cuestionable hazaña habían sido un grupo de delincuentes de entre sesenta y setenta años. Ahora, de la mano del director Ronnie Thompson (Francotirador), esta increíble historia da el salto a la gran pantalla y se entremezclan datos reales y teorías que ya son parte de las leyendas urbanas londinenses, que componen una divertida, emocionante y entretenida comedia de atracos para todos los públicos protagonizada por un grupo de simpáticos delincuentes y el audaz plan para dar el histórico desfalco. Larry Lamb (Blood: El último vampiro), Clive Russell (Su mejor historia), Phil Daniels (Vinyl) y David Calder (Rush) componen la banda, secundados por Matthew Goode (Aliados) y Joely Richardson.

Jerico el infinito vuelo de los dias

Ocho mujeres de diferente rango de edad y condición social, residentes en el colorido pueblo colombiano de Jericó, se encuentran y conversan con la cámara como testigo en este documental en el que, una a una, van revelando su historia de vida. A través de la sabiduría y el sentido del humor, sus diferentes relatos, en los que se combinan risas y tristezas, desvelan sus espacios internos y reflejan el espíritu femenino y una realidad en extinción desde esta zona humilde del país sudamericano. Después de haberse convertido en el documental del año en Colombia y con un recorrido en festivales internacionales regado con numerosos premios, llega a nuestra cartelera. Catalina Mesa debuta como directora en esta cinta que recoge ocho testimonios de vecinas de la pequeña aldea, un lugar con gran arraigo intelectual, sobre todo en la literatura y la poesía, que ha sido uno de los lugares más duramente golpeados por el conflicto armado que ha azotado el país sudamericano durante décadas. A través de sus protagonistas, Mesa compone un film conmovedor y emocionante, de alegrías y tristezas que, a su vez, celebra el espíritu femenino y pone en relieve una realidad cautivadora y en extinción. Celina Azevedo, Cecilia Bohórquez o Luz González se plantan ante la cámara en esta película dirigida a modo de largometraje de ficción, pero en la que cada personaje interpreta su propia vida, y que cuenta con la pianista Teresita Gómez, la más importante de Colombia, para ponerle música.

Fantasia by Escriba

Ficha Tecnica

• Año: 2017
• Tipología: Documental - Largometraje
• Género: Documental
• Público: Todos los públicos
• Duración: 70.00 '
• Versión original: Catalán
• Formato: Color, HD, Otros
• Estado: Post-producción

• Productor ejecutivo: Xavier Atance
• Director/es: Xavier Atance
• Guión: Ferran Padilla
• Música original: Tales
• Dirección de fotografía: Anna Molins
• Montaje: Olga Vilanova
• Sonido directo: Gerard Tàrrega

Christian Escribà es un creativo transversal y global por excelencia, que usa el lenguaje de la pastelería para expresarse. La creatividad liberadora fue un rasgo fundamental de la obra de Antoni Escribà, y lo sigue siendo de la de su hijo, Christian.
Christian Escribà ha intentado siempre homenajear a su padre de la forma que más le hubiera gustado; con proyectos mundiales, valientes, que se salen del molde.
Este documental explica la historia de uno de estos proyectos emblemáticos, Fantasia by Escribà. Un mundo de chocolate, dulces y espectáculo que llevará a Christian y a su equipo hasta Singapur para vivir una aventura emocionante y diferente. Una creación nunca vista en el mundo de la pastelería.

la piel fria

Poderosas imagenes que nos recuerdan la fuerza de cine, como suben al faro las figuras que surgen entre los acantilados,  para poner en solfa una guerra tambien fria entre amfibios y terricolas.  Terror demasiado facilon por nocturno, el miedo lo produce la gran cantidad de zombies acuaticos, mas que su monstruosidad y ansiedad de sangre. Xavier Gens ha perdido en el camino del guion la sutil relacion fisica  y emotiva de la novela de Sanchez Piñol y ello la hace mas superficial, mas directa.  Hay que citar en la cronica  la desaparicion antes del estreno de Gil Parrondo, dos veces oscarizado y autor de la produccion de este film. Una isla perdida en el oceano en el que coinciden un escritor catalan, un director frances y una producion española, coctel de mareo y que no recuerdo precedentes. Como en la novela, la adaptacion navega entre dos aguas: una la via abierta en el genero fantastico y la busqueda critica del sistema politico y sus ideologias extremas rerpresentadas. En los límites del Círculo Polar Antártico, a principios del siglo XX, un joven se aproxima hasta una inhóspita isla, alejada de toda ruta de navegación, para relevar a un hombre en un remoto puesto de observación. Cuando encuentre a su predecesor, verá que ha sido testigo de horrores imaginables. Juntos, se refugiarán en el faro y, noche tras noche, tendrán que defenderse de los continuos ataques de unas misteriosas criaturas marinas mientras se replantean cómo enfrentarse a lo desconocido. El francés Xavier Gens (Hitman) vuelve al terror que practicó en sus primeros trabajos y aborda la dinámica que surge entre dos desconocidos que se ven obligados a compartir un espacio reducido en un clima de tensión y peligro constante provocado por los ataques de unas aterradoras criaturas. Con este punto de partida, la película ahonda en la forma en que las personas se enfrentan a aquello que no comprenden, además de guardar bajo los giros de guion, los golpes de efecto y las verdades reveladas poco a poco una llamada al entendimiento y el diálogo. Como habitantes de esta claustrofóbica isla en la que es casi imposible esconderse se encuentran David Oakes (Victoria) y Ray Stevenson (Thor: El mundo oscuro), a los que secundan Ben Temple (Nadie quiere la noche) y la española Aura Garrido.

Handia

Después de haber luchado en la Primera Guerra Carlista, Martín vuelve a su caserío familiar en Gipuzkoa con la tremenda sorpresa de que, durante su ausencia, su hermano menor, Joaquín, ha crecido hasta alcanzar una altura inusual. Convencido de que todo el mundo pagará por ver al hombre más grande del planeta, Martín se embarcará con Joaquín en un viaje por toda Europa durante el que su familia cambiará para siempre a causa de la ambición, el dinero y la necesidad de conseguir fama y gloria. Aitor Arregi y Jon Garaño, que ya trabajaron juntos en el guion de Loreak (dirigida por el segundo) vuelven a unir sus fuerzas. En esta ocasión, no sólo comparten funciones en el libreto, sino también detrás de la cámara en esta historia, basada en hechos reales, sobre Miguel Joaquín Eleizegi,  el gigante de Altzo, un joven vasco que a mediados del siglo XIX fue conocido en toda Europa como el hombre más alto del mundo y cuya figura, tras su muerte, alcanzó la categoría de mito. Arregi y Garaño buscan la verdad detrás de la leyenda, y combaten la falta de material verídico que contraste las historias que se cuentan sobre los viajes con un relato que combina lo real y lo ficticio para reflexionar sobre la necesidad de la sociedad de fabricar sus propios héroes. Joseba Usabiaga (Pikadero) y Eneko Sagardoy (Errementari) protagonizan este viaje a través de una Europa en pleno cambio de régimen que pivota alrededor de una relación entre dos hermanos de mentalidad completamente opuesta. Completan el reparto Ramón Agirre (Operación Concha) y la debutante Aia Kruse.

Lumiere comienza la aventura

En 1895, el 28 de diciembre en el boulevard de los capuchinos de Paris, el cine nacia como experiencia para contener el tiempo y el espacio en dimension celuloide. Abandonaban la fantasia de Melies para dar salida y carta de propiedad al cinema verite. No sabia de dvd's ni medios digitales, pero era tan libre que pudo configurar su propio codec.  Louis y Auguste Lumiére inventaron el Cinématographe, con el que rodaron algunas de las primeras imágenes en movimiento de la historia. En los años sucesivos irían ampliando su habilidad en esta técnica incipiente, descubriendo la puesta en escena, el uso de travellings e, incluso, los efectos especiales. A modo de homenaje a los creadores del séptimo arte, Thierry Frémaux, director del Institut Lumiére de Lyon y antes del festival de Cannes, selecciona 114 de sus obras, entre las mas de mil que rodaron en diez años. Magia de la tecnica para dos horas magicas. Son 114 instantes en que la imagen deviene poesia y el encuadre arte. Sin los hermanos Lumiére resultaría imposible entender el cine tal y como es hoy en día. Creadores hace 120 años del cinematógrafo, dieron luz al séptimo arte a finales del siglo XIX y, en años siguientes, indagaron con imaginación y creatividad en las posibilidades, casi infinitas, de la imagen en movimiento. Thierry Frémaux debuta como realizador y selecciona las 114 películas cruciales para entender el legado de los pioneros del cine. Frémaux también hace las funciones de narrador en Lumiére! Comienza la aventura y, con pasión y sentido del humor, guía al espectador en un viaje por el universo de estos genios repleto de imágenes inolvidables y una particular visión de la Francia de principios de la edad moderna. Entre la selección, se encuentran las más recordadas obras de los Lumiére, así como otras inéditas u olvidadas en el tiempo, todas ellas restauradas en formato 4K para la ocasión.

red de libertad

Durante los inicios de la Segunda Guerra Mundial, Helena Studler, una hermana de la caridad que desde joven se ha dedicado a ayudar a huérfanos y abandonados, se enfrenta al mayor horror de su vida. Cuando los nazis ocupan Francia, instalan un campo de concentración cerca de su localidad. Con el objetivo de salvar a todas las personas que puedan de un trágico final, Helena, junto a sus vecinos y compañeras Hijas de la Caridad, urdirán un plan que pondrá en peligro sus vidas y las de su familia. Después de llevar a la gran pantalla la vida y obra de Pedro Poveda en Luz de Soledad, Pablo Moreno vuelve a dirigir su óptica hacia un personaje relevante de la cristiandad moderna, en este caso Sor Helena que consiguió salvar a más de 2000 personas (entre ellas ilustres como François de Mitterand o el general Giraud) de los campos de concentración nazis que había en el norte de Francia . Assumpta Serna (Borgia) se pone en la piel de esta mujer que se muestra como un referente de superación y lucha contra la injusticia. En este biopic, que nace con motivo del 400 aniversario de la familia Vicenciana, de la que Studler fue una destacada integrante, también participan interpretes contrastados como la ganadora del Goya Luisa Gavasa (Incierta gloria), Pablo Viña o Ainhoa Aldanondo.

geostorm

Entre la intriga espacial,la odisea catastrofica, el thriller politico y el crimen futurista, se situa este desaplicado alumno de Emmerich. Ciudades de carton destruidas que no pueden superar terremotos, huracanes y ciclones de verdad. Para contrarrestar una serie de desastres naturales que amenazaban el planeta, los líderes mundiales crearon una red de satélites que permitía dirigir el clima. Ahora, este sofisticado sistema se ha descontrolado y está a punto de desatar una devastadora tormenta a escala global. Para evitarlo, Max y su hermano, con el que lleva años sin hablar, intentarán solucionar la crisis en el espacio. Mientras tanto, en la Tierra se trama una conspiración para asesinar al Presidente de los Estados Unidos. Después de idear todo tipo de desastres a gran escala en sus guiones para, Roland Emmerich, Dean Devlin(Independence day: Contraataque) debuta como director. Lo hace sin salir de su zona de confort, el cine de catástrofes, con un film que promete un espectáculo de proporciones épicas en el que una gigantesca tormenta se convierte en el rival a batir. Por si la amenaza de olas gigantescas adentrándose en las grandes ciudades y arrasando todo a su paso no fuera suficiente, añade a este inocente cóctel de tensión una conspiración en la que la vida del presidente de los EE.UU., interpretado por el nominado al Oscar Andy García (Passengers), pende de un hilo. Gerard Butler (Objetivo: Londres) y Jim Sturgess (El caso Heineken) se convierten en hermanos y salvadores del planeta, a pesar de su descabellado punto de partida, ha contado con la colaboración de la NASA, en cuyas instalaciones se han rodado varias escenas. Completan el reparto el nominado al Oscar Ed Harris (Madre!) y Abbie Cornis.

creative control

Ejercicio en blanco y negro de Benjamin Dickinson con el que satisfacerse el ego con unas notas de color, que para esto es tambien coguionista y actor principal. La tecnologia continua su lucha en el mundo laboral pretendiendo dominar a a la raza humano incluso en el campo de las sensaciones y el plano sexual. En el Brooklyn de un futuro no muy lejano vive un ejecutivo de publicidad que está obsesionado con todo lo relacionado con la tecnología. El nuevo producto que está a punto de lanzar son unas gafas de realidad aumentada que integran elementos virtuales en el mundo real. Celoso de su mejor amigo, utiliza el artilugio para crear un avatar de la novia de éste, que alimentará una fantasía cibernética que pronto escapará de su control y difuminará lo natural de lo artificial. En su segundo largometraje, Benjamin Dickinson (First Winter) se afianza definitivamente en la industria con esta película convertida en una de las grandes sorpresas del cine independiente en el año 2016, Esconde bajo su cuidada fotografía en blanco y negro una historia sobre emociones y tecnología, de cómo el calor de las pasiones es anestesiado con el frío de la realidad virtual en una utopía futurista en la que todo parece perfecto mientras sea visto a través de alguna pantalla. A pesar de la gravedad de este punto de partida, Dickinson, que también da vida a su protagonista, compone una comedia llena de acidez y humor irónico, no exenta de trasfondo existencial, en torno a una sociedad digital enferma de ansiedad y adicta a la tecnología que sirve como sátira de la clase creativa que, actualmente, promueve un particular estilo de vida desde el neoyorkino barrio de Brooklyn. Completan el reparto Nora Zehetner (Anatomía de Grey), Dan Gill (Paranormal Activity: Dimensión fantasma), Alexia Rasmussen (Haz caso a tu corazón) y personalidades del ámbito hípster como el showman Reggie Watts o el fundador de Vimeo Jake Lodwick.

atraco en f amilia/mes tresors

Las peripecias criminales reunen a Atraco con violin para padre y dos hijas en falo menor, o sea cerca , por alla San Sebastian.Roban las familias tenemos ejemplos cercanos en los estamentos mandatarios de la nacion y las hacen mas potentes hasta su final. Un ladron y sus dos hijas se proponen alcanzar la gloria del robatorio internacional. Una introvertida informatica y Caroline, una carterista, no se conocen ni tienen nada en común, excepto su padre, que desapareció antes de que nacieran. Patrick es un ladrón buscado por la policía de todo el mundo que, tras ver la muerte de cerca, decide recuperar el tiempo perdido con sus dos hijas. Para ello, las involucrará en el robo de un Stradivarius valorado en 15 millones de euros. Sin embargo, los errores de principiante y las discusiones convertirán el golpe en todo un desafío. En su tercera película, Pascal Bourdiaux (Fiston) dirige un guion en el que han participado hasta 7 escritores que sigue las andanzas de un padre que se dedica al robo . Con este punto de partida, Bourdiaux compone una comedia familiar típicamente francesa en la que el humor surge de los caracteres opuestos de cada uno de sus tres personajes principales, interpretados por Jean Reno (La promesa), Reem Kherici (La wedding planner) y Camille Chamoux (Supercondríaco), protagonistas de un enredo con un Stradivarius como botín final. Inspirado en las aventuras de Arsenio Lupin, el ladrón de guante blanco francés por antonomasia, combina la elegancia de escenarios majestuosos con situaciones rocambolescas bajo una trama con gran ternura. Completan el reparto Alexis Michalik (La banda Picasso) y la española Natalia Verbeke .

las hijas de abril

Mexico, calor, playa Vallarta. Una joven embarazada, su amante, y una hermana. Una madre ausente desde siempre, un padre que solo quiere serlo por telefono. Valeria es una joven embarazada de 17 años que vive en Puerto Vallarta junto a su hermanastra Clara. Al margen de su madre, Abril, Valeria se ha esforzado por que ésta no se entere de su situación, pero la presión económica y las responsabilidades que implica cuidar de un bebé la llevarán a darle la gran noticia. Abril acudirá a la llamada con la firme intención de ayudar, pero su presencia no tardará en desatar conflictos que confirmarán las reservas que Valeria tenía en un principio. Como broche a un 2017 en el que ha cosechado los premios Goya a Mejor actriz por Julieta y Mejor actriz de reparto por La próxima piel, Emma Suárez protagoniza Las hijas de Abril. Premiada en el Festival de Cannes, la nueva película de Michel Franco (Después de Lucía) propone un drama con el embarazo de la más joven de la familia y una complicada relación con la matriarca del clan como tema principal. Testigo de las numerosas madres a muy temprana edad que hay en su México natal, Franco reflexiona sobre sus esperanzas y los problemas a los que se enfrentan a través de la oposición entre sus protagonistas, las reacciones de cada uno de los personajes, así como sus diferentes formas de ver la vida, el futuro y el presente en una situación que termina por caer en el descontrol. Junto a Suárez, que evoluciona magistralmente de madre comprensiva a villana de la función, participan Joanna Larequi (La Caridad) y los debutantes Enrique Arrizon y Ana Valeria Becerril

amor a la siciliana

La comicidad en la guerra. Un ciego detecta los bombaderos. Sicilia como elemtno estrategico para los aliados. Aunque homenajea a Scola el tono es mas bien feliniano. En 1943, un joven italiano que está enamorado de la hija del dueño siciliano de un restaurante de Nueva York. Sin embargo, está prometida con un poderoso mafioso local, por lo que la única forma de casarse con la joven es pedir permiso directamente a su padre, que vive en la Sicilia ocupada por los nazis. Para llegar hasta él, se unirá a las tropas aliadas y, una vez allí, sorteará todo tipo de peligros para conseguir la mano de su amada y volver a casa sano y salvo. Convertida en todo un fenómeno de taquilla en su país de origen, Italia,es la segunda película de Pierfrancesco Diliberto "Pif" (La mafia sólo mata en verano) en la que vuelve a doblar funciones como director y protagonista y se confirma como uno de los cómicos emergentes en el panorama transalpino. En la cinta, Pif propone una comedia ambientada en los aciagos años de la Segunda Guerra Mundial que, a través de una combinación entre humor ingenuo y una historia de amor con dosis de dramatismo y sensibilidad, cuenta un hecho real, el del acuerdo entre el ejército de EE.UU. y la mafia siciliana para ocupar la isla sin resistencia de la población local, que sirven al realizador para volver a acercarse a su ciudad natal y a la problemática del crimen organizado. Junto a Pif, Miriam Leone (Felices sueños), Andrea Di Stefano (Come, reza, ama), Vincent Riotta (Inferno) o Maurizio Marchetti (que repite con Pif tras La mafia sólo mata en verano) dan vida a un variopinto elenco de pintorescos personajes.

Ancien y el mundo magico

Es el año 2020, y Tokio está a punto de inaugurar sus Juegos Olímpicos. Allí, Kokone es una joven estudiante que ayuda a su padre, viudo, en las tareas del hogar y a la que cuesta un mundo mantenerse despierta en clase. En sus sueños, se convierte en la princesa Ancien de Corazonia, que defiende su tierra de los ataques de Coloso. Sin embargo, cuando su padre desaparezca, la realidad y la ficción se difuminarán en una aventura en la que Kokone deberá descubrir el pasado oculto de su familia. Conocido por su labor en animes del calibre de Ghost in the Shell y Cyborg 009, Kenji Kamiyama dirige esta aclamada película de animación que ha cosechado una gran acogida en su país de origen, Japón. En ella, Kamiyama recurre a elementos que ya son una constante en su filmografía, como el juego de realidades, reflexiones veladas sobre la sociedad nipona contemporánea o sus complejos y fascinantes personajes femeninos. Sin embargo, en esta ocasión, Ancien y el mundo mágico se centra en la experiencia personal de su protagonista, una joven corriente que se ve envuelta en una aventura cotidiana que transcurre tanto en un universo onírico de tradición, folclore y gran fantasía visual como en el mundo real, situado en un futuro próximo. De este modo, la acción deja paso a la emoción en un largometraje optimista y conmovedor que invita al espectador a perseguir sus sueños. Mitsuki Takahata (Ikari), Shinnosuke Mitsushima (Oshin) y Arata Furuta (Shin Godzilla) lideran el reparto vocal en su versión original.

Una mujer fantastica

Realidad y ficcion mzecladas cuidadosamente por una camara con lente de aumento para los trabajos de interpretacion. Destaca la transexual que puede optar a Oscar si es elegida por Chile. Película transmisora de sentimientos, dolor, saudade, alegria, sensibilidad y sentido de la vida. Una vida oprimida de la que el ser quiere escapar, una vida que genera desconfianza porque sin ningun motivo y que Sebastian Lelio cubre de amor y caricias, en un guion premiado en Berlin. La soledad puede destruirte. Si te ha permitdo llegar a los 60, trabaja para descubrir tus goces y aptitudes, tus deseos ocultos y necesidades vitales. Y ha de ser en soledad, porque el o los compañeros que han llegado hasta ahi, pueden dejarte, por muerte o enfermedad en cualquier momento. Una mujer trabaja como camarera y, en sus ratos libres, canta en un club nocturno. Mantiene una relación con un hombre 20 años mayor, que es dueño de una imprenta. Están enamorados y hacen planes de futuro, pero cuando este muera repentinamente, ella tendrá que hacer frente a las sospechas de la policía y al rechazo de la familia de él, que considera su condición de mujer transexual una aberración. Como ha hecho toda su vida, luchará por su derecho a ser lo que es: Una mujer fantástica. Aplaudido a su paso por festivales como los de Berlín (donde consiguió el Oso de Plata a Mejor guión) y San Sebastián, el nuevo trabajo de Sebastián Lelio (Gloria) se muestra como un estudio de su poderosa protagonista femenina, una mujer transexual interpretada por la actriz y cantante Daniela Vega (La visita), que debe enfrentarse a los tabús y prejuicios de la sociedad chilena, ofrece un drama con un cuidado estilo visual en el que se combina el naturalismo con imágenes cercanas a lo fantástico en una cinta de amor, humillación y venganza sobre los esfuerzos de su personaje principal por conservar su libertad y dignidad. Lelio, que con su estilo narrativo busca despertar la empatía en el espectador con un juego de cambios de tonos e intensidad que cautiva, divierte y emociona, completa el reparto con Francisco Reyes (Neruda), Luis Gnecco (No) o Aline Küppenheim.

Solo se vive una vez

Con el gracejo habitual con que los cineastas se acerca al mundo judio, Federico Cueva nos permite en su film ver a Depardieu, a quien por cierto cada dia se le "ve" mas. Humor necesario para introducir en un mundo ortodoxo, mafiosos, disparos y presecuciones. Producida por Santiago Segura, rey del sainete biblico, es un carrusel de convenciones y estereotipos. Un estafador de poca monta que junto a su vecina Flavia, una prostituta, se dedican a grabar a los clientes de ésta y a repartirse el dinero que obtienen después de extorsionarles. Pero cuando un día graba el crimen cometido por un jefe de la mafia y sus asesinos a sueldo, tendrá que huir y refugiarse en un grupo de judíos ortodoxos, donde se hará pasar por uno de ellos. La cosa se complicará cuando se enamora de la hija del rabino, comprometida con otro miembro de la comunidad. Veterano coordinador de especialistas y efectos especiales en películas como Torrente 5: Operación Eurovegas o El secreto de sus ojos, entre muchas otras, el argentino Federico Cueva debuta como director con una comedia de acción que sigue los pasos de un timador que se infiltrará en una comunidad judía para huir de un capo mafioso y su pareja de sicarios. Con una vocación internacional y carente de cualquier pretensión más allá de la de divertir al público, la película promete grandes dosis de adrenalina y un sentido del humor cercano a la autoparodia a través de gags y persecuciones, tiroteos o explosiones que no disimulan su intención de imitar el estilo de las producciones hollywoodienses. Peter Lanzani (El clan) lidera un reparto internacional en el que también se encuentran el nominado al Oscar Gérard Depardieu (Astérix y Obélix: Al servicio de Su Majestad) y los españoles Santiago Segura (Casi leyendas), Hugo Silva (Despido procedente) y Carlos Areces.

Operacion Cacahuete 2 Mision salvar el parque

La combinacion de Canada y Corea del Sur provoca que el film de Cal Brunker parezca en algunos momentos cantando bajo la lluvia. Gags vigorosos, como los buzones callejeros, escenas vivaces, interes vibrante, dignidad como entretenimiento para toda la familia. Modesto film de animacion que no hay que dejar de ver. La ardilla Sully y los demás viven sin contratiempos en el sótano de la tienda de frutos secos, donde nunca falta la comida. Por otro lado, a Andie le preocupa que las ardillas pierdan su instinto y se acomoden demasiado. Sin embargo, un accidente provocará que el establecimiento explote, obligando a los animales a volver a ganarse el sustento en Liberty Park. Por si esto no fuera suficiente, tendrán que enfrentarse al malvado alcalde, que quiere construir un parque de atracciones en ese lugar. En 2014, Operación Cacahuete se convirtió en la película de animación independiente más taquillera durante el fin de semana de su estreno, éxito que se prolongaría en semanas sucesivas. Animada por el buen rendimiento de su primera entrega, llega la secuela de las aventuras de la ardilla Surly que, en esta ocasión, se tendrá que ver las caras con el afán especulativo del alcalde de la ciudad y su hija, que secuestrará como mascota a uno de estos simpáticos roedores. Con un nuevo equipo de guionistas y director, Cal Brunker dirige esta disparatada cinta de animación de ritmo frenético y sentido del humor, que enfatiza en la importancia de los parques como espacio natural y pulmón de la gran ciudad, y que hará las delicias del público. En el elenco vocal repiten Will Arnett (Batman: La LEGO película), Katherine Heigl (La gran boda) y Maya Rudolph (Emoji: La película), a los que se unen Jackie Chan (La LEGO Ninjago película) y Peter Stormare.

la suerte de los Logan

Soderbergh tiene personalidad. (El rey de la montaña). Su humor es sardonico social. Competente, su dinamismo hace que sus films como todos discontinuos y de diferente empaque de produccion, sean mas uniformes y sean reconocibles. Son films que no tienen   mas valor que dejar la retina con algun dato solidamente sostenido en el tiempo. Films que se olvidan pero renacen con cualquier detalle, como el brazo amputado de uno delos hermanos Logan. Sexo, mentiras y cintas de video las ha llevado 30 años bajo este brazo y las ultimas se han caido. Vean sino su Che. Jimmy Logan es un hombre en paro, divorciado y sin un duro, que idea un descabellado plan para robar en un circuito de carreras interceptando los millones de dólares que viajan a través de tubos neumáticos. En esta peligrosa hazaña le acompañarán su hermano manco, veterano de Irak, su hermana y un especialista en demoliciones al que tendrán que sacar de la cárcel el tiempo justo para dar el golpe. Cuando todo parezca haber salido bien, entrará en escena una implacable agente del FBI. Diez años después de cerrar su archiconocida trilogía sobre el grupo de ladrones internacionales comandado por Danny Ocean, el oscarizado Steven Soderbergh vuelve tras un breve retiro para combinar comedia con un rocambolesco plan de robo. En esta ocasión, el objetivo son los tubos neumáticos que transportan el dinero de un circuito de carreras durante una multitudinaria prueba, botín tremendamente atractivo para un grupo de pintorescos personajes que intentarán salirse con la suya. A través de la visión inconfundible que Soderbergh aporta al género, la cinta ofrece sorprendentes giros de guion, un particular sentido del humor y una cuidada banda sonora al servicio de un film divertido, inteligente y absurdo, protagonizado por un grupo de desarraigados de la sociedad, que bajo su aparente falta de pretensiones esconde elementos que invitan a la reflexión. Al frente del reparto se encuentran Channing Tatum (Kingsman: El círculo de oro), Riley Keough (Llega de noche), Adam Driver (Silencio), Daniel Craig (Spectre) y Katie Holmes.

Mal genio

Recién divorciado de Anna Karina, Jean-Luc Goddard se pone a los mandos de su nuevo film en el París de 1967. Durante el rodaje, se enamora de Anne Wiazemsky, una actriz 20 años más joven que él. Unos meses más tarde, la pareja ya está casada y parece vivir feliz, hasta que Goddard presencia horrorizado la negativa acogida que la crítica brinda a la película y cae en una profunda crisis existencial. A ello, se suman los crecientes conflictos sociales que están sucediendo en la capital francesa. Gran triunfador en la edición de 2012 de los Oscars, donde consiguió el premio a Mejor director por su película The Artist, Michel Hazanavicius vuelve a la gran pantalla y a los homenajes cinéfilos con este biopic de uno de los directores más importantes del cine francés: Jean-Luc Goddard. En Mal genio (Le redoutable), Hazanavicius cuenta cómo Goddard conoció a la que sería su segunda esposa, Anne Wiazemsky, durante el rodaje de La chinoise. Lo hace partiendo de material de primera mano: el libro de la propia Wiazemsky en el que relataba su historia de amor con el cineasta. Con las revueltas estudiantiles y la posterior huelga general que se inició en París en 1968 como telón de fondo, la película se centra en aquella época de crisis del genial autor, y la forma en que el clima social afectó a sus ideas y, finalmente, a su matrimonio; circunstancias de gran potencial dramático que, sin embargo, son plasmadas con un tono caricaturesco que, por momentos, llega a resultar divertido. Louis Garrel (El sueño de Gabrielle) afronta el reto de interpretar a este personaje complejo y humano y lidera un reparto que completan Stacy Martin (High-Rise), la nominada al Oscar Bérénice Bejo (Éternité), que repite con Hazanavicios tras The Artist, y Micha Lescot.

Cancion de nueva York

Marc Webb eclara que mas ala de los Spidermans, prefiere el cine indie. Pero el indie de verdad es su homenaje al graduado. Un joven recién graduado de Nueva York cuya vida cambia cuando se entera de que su padre tiene una aventura extramatrimonial. Decidido a dinamitar esta relación, sus esfuerzos le llevarán a iniciar un romance con la amante de su progenitor; una situación que, a parte de lo inusual de las circunstancias que la rodean, es algo totalmente nuevo para Thomas, que tiene poca experiencia con las chicas y aún menos con mujeres mayores que él. Por ello, buscará consejo en su peculiar vecino. Después de unos años coqueteando con el blockbuster superheroico en The Amazing Spider-Man y secuela, Marc Webb vuelve al terreno en el que se encuentra más cómodo: la dramedia romántica, donde se hizo un nombre gracias al éxito incontestable de (500) Días juntos. Dirige un guion de Allan Loeb que sirve como carta de amor a la Gran Manzana dentro de una historia sobre lo que significa madurar, también sentimentalmente, en esta ciudad. A través de los distintos romances de sus protagonistas, el film muestra diferentes formas de entender el amor, desde el idealista que surge durante la adolescencia, hasta la nostalgia de aquellos que llevan ya bastantes años en el mundo adulto. Al frente de este agridulce relato de personas que se cruzan en las vidas de otros se encuentra el joven al alza Callum Turner (Assassins Creed), al que secunda un elenco de intérpretes de primera línea como Pierce Brosnan (La conspiración de noviembre), Kate Beckinsale (Underworld: Guerras de sangre), el ganador de un Oscar Jeff Bridges (Kingsman: El círculo de oro) o Cynthia Nixon.

un muñeco de nieve/ the snowman

Una mujer ha desparecido, y la única pista es una bufanda atada a un muñeco de nieve. El detective encargado del caso, Harry Hole, un hombre inteligente, pero de métodos poco ortodoxos, verá como a este crimen se une, poco después, un segundo. Con la ayuda de una brillante agente, empezará a encajar las piezas de un rompecabezas que les llevará a investigar antiguos asesinatos y a conectarlos con los actuales hasta llegar a la terrible conclusión de que un asesino en serie vuelve a estar activo. La séptima y más conocida entrega de la serie de novelas de Jo Nesbo sobre el detective Harry Hole, que ha sido traducida a más de 40 idiomas y ha vendido más de 20 millones de copias en todo el mundo, da el salto a la gran pantalla de la mano del reputado Tomas Alfredson (El topo). Los paisajes nórdicos de Oslo, Bergen y la región de Rjukan contribuyen a una atmósfera insana y misteriosa y, a su vez, sirven como marco de excepción para un tenso thriller en el que el espectador es testigo de la tortuosa investigación de los brutales crímenes de un sanguinario asesino en serie. El nominado al Oscar Michael Fassbender (Alien: Covenant) interpreta al protagonista, un agente de la ley alcohólico y torturado por su pasado, que perseguirá a un asesino que sólo mata durante el frío invierno noruego. En este mortal y terrorífico juego del gato y el ratón le acompaña Rebecca Ferguson (Life (Vida)), además de Charlotte Gainsbourg (Independence Day: Contraataque), la nominada a un Oscar Chloë Sevigny (Amor y amistad) y el ganador de un premio de la Academia J.K. Simmons.

abrir puertas y ventanas

 Una película de coproducción suizo-argentina dirigida por Milagros Mumenthaler de 2012. Se trata del primer largometraje de la directora y fue galardonado con el premio a la mejor película en el Festival Internacional de Cine de Locarno (Suiza) de 2011, también el premio otorgado por Premio FIPRESCI de la crítica internacional, mención especial por el jurado del Premio Ecuménico y otra por Premio Environment is quality of life. En el mismo festival la actriz María Canale obtuvo el premio a la mejor actriz. En el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (México) de marzo de 2012 recibió el premio a la mejor película iberoamericana. Deliberadamente la directora va aportando información sobre los protagonistas con parquedad y así se sabe que la abuela de las tres hermanas protagonistas, que las ha criado, murió poco antes del momento de inicio del filme. El trío debe encontrar nuevas formas de seguir adelante sin la presencia adulta de quien encabezaba la familia. A regañadientes examinan sus vidas y prioridades, se enzarzan en riñas –generalmente por cuestiones nimias- y mientras pasa la estación emergen lentamente de su tímido exilio. Las muchachas habían crecido entre restos del pasado, como lo indican los muebles y artefactos de luz antiguos de la casa, pero claramente ha llegado el momento de abrir puertas y ventanas y para ello es crucial el diestro vecino Francisco (Julián Tello) quien, luego de la súbita salida de viaje de la inquieta Violeta se encamina hacia una relación con Marina, la mayor y más insegura de las hermanas. Manteniendo con firmeza el énfasis en la evolución de los personajes y en el clima de la acción, Mumenthaler, cuya técnica cinematográfica y elección del tema recuerdan los primeros trabajos de su aclamada compatriota Lucrecia Martel (La ciénaga, La niña santa), se toma sus propios respiros al comienzo y en la mitad del filme, recorriendo la casa y sus alrededores con la fascinación de un antropólogo por los detalles más tediosos. Este enfoque cruza la línea a lo desmedido, pero el público predispuesto a ser paciente puede encontrarse en forma imperceptible inmerso en el mundo de las hermanas. Un filme que, resuena con algunas escenas claves transmiten su encantador significado, como aquella en la cual las hermanas, hundidas en un sofá, eventualmente se unen en un coro entonando la etérea canción de los 70’ (cantada por Bridget St.John) Back To Stay, que fue luego utilizada como título de la película en inglés. Sobre todo, hay una sensación tangible de que estas son personas reales, no simplemente el producto de un guion, en tanto Mumenthaler extrae sólidas actuaciones de su pequeño conjunto.

Annabelle creation

Han pasado unos años desde que la hija de un fabricante de muñecas muriera en un trágico accidente de coche. Con la idea de convertir su casa en un cálido orfanato, el hombre y su mujer acogen en su hogar a una monja y un grupo de jóvenes que necesitan un lugar donde quedarse después de que su hospicio haya sido clausurado. Cuando una de las niñas libere por accidente a la entidad demoníaca que ha poseído a una de las muñecas, todos se convertirán en objetivo del mal que hay dentro de Annabelle. Primero fue Expediente Warren: The Conjuring y después el spin off Annabelle (que ya han convertido a la franquicia en la tercera más taquillera de la historia) los que presentaron a esta inquietante y maligna muñeca. En su tercera aparición en la gran pantalla, Annabelle: Creation se va hasta los años 50 para contar los orígenes de esta diabólica criatura de trapo que hará la vida imposible a un grupo de huérfanas y a una monja que, tras verse obligadas a abandonar su orfanato, se refugiarán en la casa de un artesano juguetero y su mujer, que años atrás perdieron a su hija. David F. Sandberg, que viene de triunfar con su ópera prima Nunca apagues la luz, firma esta secuela que arroja luz sobre el tenebroso pasado de Annabelle en un film donde los sustos crecen con la tensión hasta desembocar en un clímax de puro terror. Anthony LaPaglia (Dulce venganza) y Miranda Otto (Deuda de honor) interpretan a los anfitriones de esta laberíntica granja en la que el mal espera en cada rincón y que acogerá a Stephanie Sigman (Spectre), Lulu Wilson (Ouija: El origen del mal) o Samara Lee.

un castillo de cristal

Una respetada periodista que oculta un secreto: el de su familia. Cuando era pequeña, Jeannete tuvo que crecer en un entorno disfuncional, marcado por las excentricidades de una madre que eludía la responsabilidad y por el alcoholismo de su padre, un hombre carismático y de gran imaginación cuyas historias conseguían distraer a los niños de su estado de pobreza, pero que cuando era presa de los efectos de la bebida se convertía en una persona impredecible y destructiva. Después de cosechar excelentes críticas con su anterior película, Las vidas de Grace, Destin Cretton adapta la novela autobiográfica de la periodista Jeannette Walls. Al igual que el libro, este largometraje se centra en la infancia de su protagonista como miembro de una familia desestructurada donde la pobreza se combinaba con comportamientos caóticos y, en algunas ocasiones, violentos; años que son narrados en este intenso drama desde una perspectiva entre el recuerdo cariñoso y la confesión dolorosa con la justa medida de emotividad. Centrada a su vez en la turbulenta relación padre-hija, hace concesiones a la audiencia en forma de momentos conmovedores y una historia de redención. La oscarizada Brie Larson (Kong: La Isla Calavera), que repite con el realizador tras Las vidas de Grace, interpreta a Walls en su etapa madura, mientras que Ella Anderson (Feliz día de la madre) y Chandler Head (Es la jefa) hacen lo propio con su versión más juvenil. Por su parte, los nominados al Oscar Woody Harrelson (La guerra del planeta de los simios) y Naomi Watts (La serie Divergente: Leal) dan vida a estos padres de cuestionables métodos pero que intentaron que sus hijos se valieran por sí mismos.

A remo

El director onubense Paco Ortiz ha llevado al cine la hazaña del explorador mexicano Abraham Levy, quien remó en solitario en octubre de 2015 desde España a México, concretamente desde el puerto de Mazagón (Huelva) hasta Cancún, en un bote confeccionado para la ocasión con la tecnología más avanzada, con el fin de revivir una expedición parecida a la del Descubrimiento de América. Se trata del último largometraje de las productoras andaluzas Sarao Films y Summer Films, El Festival Internacional de Cine de América (Hidalgo, México) ha sido el escenario donde se ha estrenado este documental dirigido por el onubense Paco Ortiz, producido por José Carlos de Isla y con guión de Guillermo Rojas. El mismo narra una historia sobre el espíritu de superación, la hazaña de Abraham Levy, aventurero y explorador que cruza en solitario y durante cinco meses el Océano Atlántico y el Mar Caribe desde Mazagón a Cancún a bordo del bote 'Cascarita', con la única propulsión de un par de remos. Dentro del equipo de profesionales que han hecho posible esta película, además de los ya mencionados Paco Ortiz (dirección), José Carlos de Isla (producción) y Guillermo Rojas (guión), cabe destacar a Félix Vázquez (sonido), Antonio Barrero (Postproducción), Virginia Romero y Óscar Fernández (equipo de producción), Oneman Reyes (diseños), muchos de ellos colaboradores habituales de anteriores producciones de Sarao Films tales como '13. Miguel Poveda' o 'Acariciando el aire. Matilde Cor.

Blade Runner 2049

Voy a intentar hacer un comentario replicante post modo 2050. Denis Villeneuve no tiene el aire del cine que "tenia" Ridley Scott. Se adelanta tambien a su  epoca, pero esta es mas desconocida o presumible. Ya no hay codigos ni generos en una cosa llamada cine que destruyeron las series. Si Scott escogio entre siete finales, dos, Villeneuve y la tecnica puede escoger el final el espectados elimiando asi el efecto espoiler totalmente. El 2049 a no hay lagrimas replicantes, ni juegos imaginativos. La solemnidad solo la exprsa en el metraje de mas de 4horas de las que  solo veremos tres. Demasiados homenajes, recuerdos, espejismos y guiños que hara felics also veteranos runners pero dejara estupefactos  los jovenes espectadores. 35 años despues Harrison Ford, muy vetusto y ajado es el nexo de union, cunado K le busca para arrancarle un secreto. Un K (Gosling) muy triste que deabula por el film mostrando en sus ojos el miedo a morir. El miedo, el silencio, lamemoria y la meditacion son la base dlelado oscuro de la vida. Especialmente de la humana. Y una maquina, Nexus 6, aqui no repetiria: ""Yo... he visto cosas que vosotros no creeríais: naves de ataque en llamas allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán... en el tiempo... como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir". Han pasado 30 años desde que el grupo de replicantes liderado por Roy Batty sembrara el caos. Ahora, el agente K, un nuevo Blade Runner, ha sacado a la luz un secreto que llevaba décadas oculto y que podría cambiar a la civilización de manera irreversible. Sus investigaciones harán que su vida corra peligro, y le llevarán a descubrir el paradero de Rick Deckard, su predecesor en el cargo, un hombre desaparecido hace precisamente 30 años y que podría tener todas las respuestas que está buscando. Ser el director del momento no ha servido al nominado al Oscar Denis Villeneuve (La llegada) para librarse de la presión que supone liderar la secuela de una de las películas de ciencia ficción más importantes de la historia del cine. Con el beneplácito de Ridley Scott, ahora productor, Villeneuve reflexiona sobre aquellos aspectos que definen la naturaleza humana y retoma en Blade Runner 2049 la historia de Blade Runners y replicantes en una fría e hipertecnologizada metrópolis, donde una nueva revelación promete desenterrar los acontecimientos que ocurrieron tres décadas atrás. El nominado al Oscar Ryan Gosling (La ciudad de las estrellas (La La Land)) se convierte en un nuevo Blade Runner que, en su búsqueda de la verdad, se encontrará con un viejo conocido: Harrison Ford (Star Wars: El despertar de la fuerza). El oscarizado Jared Leto (Escuadrón suicida), Robin Wright (Wonder Woman) y Ana de Armas (Juego de armas) completan el reparto de esta esperada película de impresionante acabado visual y espíritu de cine negro que promete despejar, de una vez por todas, la gran incógnita de si Deckard es o no un replicante.

Toc toc

A Vicente Villanueva tampoco se le espera en el cine despues de esta obra filmada en modo teatro y con un decorado inamovible. La aceptacion de metodo interpretativo, el si pero no de los actores tambien contribuye a la esperpentica locura que no es. Es un chiste de Eugenio, sin su finura e ingenio llevado y estirado a 90 minutos. En la abarrotada consulta de un reputado psicólogo se encuentra un variado grupo de personas con una única cosa en común: todas ellas tienen un TOC (Trastorno Obsesivo Compulsivo). El titulo yada el nivel de gracia de los chistes. Debido a un problema con su vuelo, el doctor se retrasa, lo que provocará que los pacientes se vean obligados a afrontar como mejor puedan el largo tiempo de espera. Pero los minutos pasan y a todos ellos les cuesta cada vez más mantener a raya sus manías, obsesiones y rituales en una situación al borde del desmadre. Vicente Villanueva (Nacida para ganar) se pone a los mandos de Toc Toc, comedia que adapta para la gran pantalla la obra teatral creada por Laurent Baffie que fue representada con tremendo éxito en la escena madrileña, donde fue vista por más de un millón de espectadores. Sabemos de lo entendidos que son los madriles para las piezas teatrales, pero no siempre lo mismo gusta en todas partes como tambien es sabido. Para contar de nuevo las hilarantes situaciones que suceden en esta demencial consulta poblada por peculiares pacientes aquejados de trastornos obsesivo compulsivos, Villanueva se rodea de un reparto de lujo, encabezado por, entre otros, Alexandra Jiménez (100 metros), Adrián Lastra (Fuga de cerebros 2), Paco León (Kiki, el amor se hace) y Rossy de Palma (Señor, dame paciencia). Todos ellos, intérpretes de contrastado talento humorístico, protagonizan los numerosos y divertidos gags que surgen de las distintas manías y tics de cada uno de sus personajes, así como de sus esfuerzos, la mayoría infructuosos, por mantener la compostura durante la interminable espera hasta que aparezca su psicólogo. No se incluso si algunos gags son anticonstitucionales.Consultar priemero al so servicios sociales.

Morir

Es lo mismo morir que ver morir?. Para explicarlo el director se ha inspirado en la novela de Arthur Schnitzler nada facil ella. Medico y escritor austriaco (1862-1931), cuyo titulo es de lo mas comercial y donde narra el extinguirse de un enfermo de cancer. Rodado ya por Kubrick, Fernando Franco tambien hace brillar al duo protagonista, cuya mujer no lleva muy bien la perdida del hombre.  La pareja, tambien en la vida real, expresa maravillosamente la reflexion que produce un obito cercano en el sentido de la vida de un ser querido. Segundo film del director (La herida, 2 Goyas), dedica aqui sus imagenes a como relacionarse despues de una perdida. Un gran travellling por la calle de la suerte, en la que frente al hospital donde se trata al enfermo, hay un bingo, que ayuda sin regalar, alguna esperanza.  Una pareja cuya relación parece ir viento en popa. Sin embargo, sus vidas sufren un dramático revés cuando irrumpe una terrible enfermedad. Esta devastadora circunstancia liberará todo un mar de sentimientos de miedo y culpabilidad, complejos y contradictorios, pero siempre humanos. A medida que el sufrimiento y el dolor aumenten también lo harán las mentiras, que amenazarán la estabilidad y el amor que ambos sienten y les obligarán a afrontar una difícil prueba de fortaleza. Mientras rodaba su ópera prima, el ganador del Goya Fernando Franco (La herida) quedo fascinado por la novela del austríaco, que no dudó en convertir en su segundo largometraje. El realizador y guionista realiza una adaptación libre de esta obra, que intenta captar el espíritu de aquella, cuya intención era conectar los devastadores efectos de una enfermedad terminal con la fragilidad del amor de su pareja protagonista. De este modo, este drama sitúa a dos personas, interpretadas por la ganadora del Goya Marián Álvarez (La niebla y la doncella), que repite con Franco tras La herida, y Andrés Gertrúdix (Que Dios nos perdone), ante un momento de vértigo en su relación, en el que confluyen todo tipo de sentimientos, incómodos y contrapuestos, que les llevan a una degradación tanto física como psicológica. La película llega a nuestras pantallas después de cosechar aplausos en el Festival de San Sebastián.

la montaña entre nosotros

Guion con demasiadas sorpresas, alguna imposibles en la montaña, para mantener la tension dramatica. Quiza la que mas preocupa al espectadors es si se comeran el perro o no. Paisajes idilicos y el contraste entre un hombre de color y el entorno nevado, hacen casi mejores a los  desafortunados en esta ocasion Chris Weitz y Mills Goodloe. Una montaña nevada, habitable gracias aun accidente aereo, que la modifico, el frio, el hambre y un puma que pasaba por alli esquiando parece, son las condiciones idiotesfericas que se dan en la cumbre y que sirven, no para saber si saldran con vida sino si les permitiran acostarse con sexo en una cama. Llegan con su avioneta, fallece el piloto y la pareja sin ninguna quimica permanecen algunas semanas contemplando sus labores, un cirujano y una periodista grafica, mientras crece su amor y deseo.  Un cirujano que debe viajar a Baltimore para practicar una operación urgente. Una mujer está a un día de su boda. Sus destinos se cruzan cuando, por problemas en sus vuelos, deciden alquilar una avioneta que les permita llegar a sus destinos a tiempo sin conocerse. Sin embargo, el infarto del piloto hará que se estrellen contra una montaña. Aislados del mundo, y con heridas, empezará a surgir una atracción entre estos dos desconocidos mientras luchan por sobrevivir. En esta adaptación de la novela homónima de Charles Martin, se recupera el espíritu de películas de accidentes al límite como ¡Viven! o Infierno blanco. Sin embargo, la tensión y los peligros constantes juegan en este film dirigido por Hany Abu-Assad (Omar) un papel secundario, en favor de una historia romántica que se cuece a fuego lento entre sus dos protagonistas, dos desconocidos interpretados por Idris Elba (La torre oscura) y la oscarizada Kate Winslet (Belleza oculta), que se verán obligados a confiar el uno en el otro para sobrevivir. El espectacular paisaje nevado y las inclemencias del tiempo servirán como telón de fondo para que estos personajes, que sostienen todo el peso de la trama, establezcan un fuerte vínculo y desvelen sus secretos personales en este film que busca tanto emocionar al espectador como ofrecerle un entretenimiento digno con dosis de aventura. Completan el reparto Dermot Mulroney (Noche de venganza) y Beau Bridges. 

35e Festival de cine de Muntanya de Torello

‘Jordi Pons, el cinema de l’alpinisme’,

al Festival BBVA de Cinema de Muntanya

L’acte inaugural del 35è Festival farà un tribut al gran alpinista català a través de les 

seves pel·lícules i el testimoni de molts companys d’aventura

·

La sessió Natura i Muntanya,  amb 11 pel·lícules que 

posen el focus en l’etnografia i la cultura

·

L’exposició central farà un repàs del protagonisme que ha tingut la muntanya en la 

publicitat impresa durant el segle XX

Torelló ho té tot a punt per tornar a ser el centre neuràlgic del millor cinema a gran altura del 10 al 19 de novembre de 2017. La 35a edició del Festival BBVA de Cinema de Muntanya fa un pas més per ampliar el ventall de propostes cinematogràfiques, tècniques i culturals. Tot això, amb l’objectiu de reforçar un model d’èxit internacional que avui el situa entre els festivals de cinema de muntanya més importants del món. El certamen, coorganitzat per la Fundació Festival de Cinema de Muntanya, la Fundació Antigues Caixes Catalanes i BBVA CX, comptarà amb una programació de luxe a tots els nivells.

Els amants del cinema de muntanya tornaran a tenir cita a Torelló, on per 35a vegada, la gran pantalla del teatre Cirvianum projectarà les millors pel·lícules sobre alpinisme, escalada, esports d’aventura i etnografia i natura; una de les grans apostes d’aquesta edició. Tot plegat, amb exposicions, xerrades i activitats especialitzades que completaran unaprogramació única a Catalunya.

La secció competitiva tornarà a ser l’eix vertebrador del Festival BBVA de Cinema de Muntanya de Torelló. Durant  deu dies es projectaran 44 pel·lícules que optaran a endur-se la Flor de Neu d’Or de la 35a edició. Tot plegat, després d’una acurada selecció entre un total de 119 propostes cinematogràfiques rebudes i de 27 països diferents.

Una prova més de l’abast internacional del certamen és que torna a ser l’escenari elegit per estrenar a Europa diverses produccions. És el cas de Dirtbag: the legend of Fred Beckey, un llargmetratge dirigit per Dave O’Leske i que narra els 94 anys d’història d’aquest escalador americà que s’ha atrevit amb les parets més difícils del planeta. Entre altres, també s’estrenarà a Torelló Last nomads of Everest, un retrat de quina manera subsisteixen les últimes famílies nepaleses que encara viuen de la ramaderia a 4.000 metres d’altitud.

En clau catalana, Jordi Canyigueral arriba al teatre Cirvianum amb la seva darrera producció, Common Ground, filmada a la Sibèria i on els germans Pou i Hansjörg Auer intenten escalar algunes parets fins ara inexplorades.

_INAUGURACIÓ. El Festival donarà el tret de sortida a la 35a edició amb un tribut a la figura de Jordi Pons. L’acte inaugural servirà per reconèixer els grans mèrits de l’alpinista català; capaç de combinar de la millor manera la passió per la muntanya i el cinema durant més de seixanta anys. L'espectacle inaugural presentat per l'alpinista Ferran Latorre i la periodista Marta Bosch servirà per reviure les grans ascensions de l’alpinisme català a través de les pel·lícules de Pons acompanyades del testimoni dels seus companys d’aventures. 

_SESSIÓ NATURA I MUNTANYA. Després de l’èxit de la primera edició, aquest any es presenta com una de les principals apostes. La sessió reuneix les produccions que deixen de banda els esports i posen el focus en la natura, l’etnografia i la cultura de muntanya. La programació comptarà amb un total d’11 pel·lícules especialitzades. 

Tu mejor amigo/A dogs's poursons

El mejor amigo, si, el mejor empleado no, que es como dirige Hallstrom su escatologico film canino. Hermosos animales con nobles sentimientos, rellenan con sus habilidades este infantil film con mensaje. "nunca abandones a tu mascota". Como un anuncio de nutritivo alimento de pienso de animales de  casa buena y fina, consigue lagrimas con la muerte de algunas de las vidas del protagonista de cuatro patas. Ademas es una apuesta decidida por la reencarnacion de las almas, al menos del entorno de los perros.  Con ocho años, Ethan y su madre rescataron a un cachorro, Bailey, de un coche. Desde entonces, Ethan se hizo cargo de él, le enseñó trucos y, juntos, pasaron las primeras decepciones y desamores del joven. Cuando se marchó a la universidad, Ethan tuvo que separarse de Bailey y, tras enfermar éste, volver para despedirse. Sin embargo, el espíritu de Bailey vuelve para reencarnarse en otros perros. Sin saber el porqué de sus regresos, su verdadero propósito será muy importante para su viejo amigo. El nominado al Oscar Lasse Hallström completa su trilogía sobre perros tras Mi vida como un perro (2 nominaciones a los premios de la Academia) y Siempre a tu lado (Hachiko) con Tu mejor amigo. En esta cinta, el director adapta el best seller mundial de W. Bruce Cameron en el que se muestra la perspectiva que estos animales tienen de los humanos en una historia llena de sentido del humor, amor y emoción, que sigue la amistad de por vida entre un niño y su cachorro que van creciendo juntos y, tras enfrentarse a la muerte, se reencuentran a través de las reencarnaciones del can. En un reparto que cuenta con, entre otros, Dennis Quaid (La verdad), Peggy Lipton (En la boda de mi hermana), Britt Robertson (Tomorrowland: El mundo del mañana) o K.J. Arpa (Riverdale) es, sin embargo, Trip, un golden retriever, el que copa el protagonismo del film como Bailey, al que pone voz Josh Gad (La bella y la bestia). Éste será el primero de una serie de animales que vivirán multitud de aventuras, Inmensa la amistad con el caballo-perro), en las que se hace un esbozo de los cambios que ha experimentado la sociedad estadounidense, hasta descubrir su verdadero propósito.

the shack/lacabaña

Es mas un libro de autoayuda que una pelicula. Plantea una forma de pasar un fin de semana, 132 minutos,  con la santisima trinidad, de trazos orientales, oyendo Neil Young, para superar un drama personal. Hace cuatro años la hija de nuestro protagonista fue secuestrada y asesinada, según todos los indicios, en una cabaña de los bosques de Oregón. Sumido en una depresión desde entonces, el hombre se cuestiona su fe, hasta que un día recibe una carta firmada por el mismo Dios en la que le emplaza a reunirse con él. Una vez allí, el hombre se encontrará con alguien inesperado, que le hará enfrentarse a duras verdades que no sólo le ayudarán a asumir la tragedia, sino que también cambiarán su vida. Traducida a 40 idiomas y número 1 en la lista de best sellers del New York Times, en la que se mantuvo 70 semanas con más de 22 millones de copias vendidas, la novela de William Paul Young, da el salto a la gran pantalla. Lo hace de la mano de Stuart Hazeldine (Exam) que en su segunda película, dirige una historia intimista sobre la recuperación de una herida imposible de cicatrizar en el espíritu de un padre golpeado por una tragedia inimaginable que tendrá que enfrentarse a sus demonios para seguir adelante. Con elementos de thriller, el film aborda importantes preguntas y enigmas de la vida, que plantea directamente a Dios e intenta responder a través del poder de la fe. Sam Worthington (Hasta el último hombre) protagoniza este desgarrador relato sobre el perdón y la redención en el que también participan la oscarizada Octavia Spencer (Figuras ocultas), Radha Mitchell (Objetivo: Londres) y Alice Braga.

el ultimo traje

Drama quiza topico con el humor siempre delicado sobre la alemania nazi. Un sastre judío de 88 años. Muchos de ellos se los debe a un amigo polaco que le salvó la vida durante la II Guerra Mundial. Con una promesa que le hizo todavía por cumplir y consciente de que en su familia ya es un estorbo, dejará plantadas a sus hijas, que lo quieren ingresar en un geriátrico, para cumplirla. En un largo viaje desde Argentina hasta Polonia,  se enfrentará a sus miedos para contarle a su amigo cómo ha sido la vida que ha tenido gracias a él. En su segundo largometraje, el director y guionista argentino Pablo Solarz (Juntos para siempre) escribe una historia que bebe tanto de lo que oía en casa de su abuelo, judío nacido en la Polonia de la invasión nazi, como de un inspirador relato que escuchó en una fortuita conversación. El resultado es una road movie que sigue el emocionante viaje de un anciano sastre judío que intentará encontrar al hombre que le salvó la vida durante la Segunda Guerra Mundial. La cinta elogia la fuerza de la amistad, inquebrantable a pesar del paso del tiempo y la distancia, a través del viaje de su protagonista, interpretado por Miguel Ángel Solá (Despido procedente), con aspecto demasiado pasado, un hombre lleno de prejuicios con polacos y alemanes cuya visión del mundo cambiará gracias a los diferentes personajes que le ayudarán en su camino. Sentimientos y humor se combinan en cada etapa de este film que también cuenta entre su reparto con Ángela Molina (Blancanieves), Natalia Verbeke (Las chicas de la 6ª planta) y Julia Beerhold.

el jardin de Jeannette

Stephane brize quiere devolver el protagonismo a la mujer en los siglos pasados. Para ello adapta una novela de Guy de Maupassant de 1883. Cuenta con ello con la aportacion inestimable de Judith Chemla que da cuerpo a este drama romantico. En la Normandía de 1819, Jeanne es una mujer repleta de inocencia y muchos sueños que regresa a su hogar después de haber terminado sus estudios escolares en un convento. Una vez en casa, contrae matrimonio con un vizconde local. Sin embargo, a partir de ese momento sus fantasías infantiles empiezan a darse de bruces con la cruda realidad, ya que su marido se revelará como un miserable y un infiel. A medida que pasan los días, las ilusiones de Jeanne empezarán a desvanecerse. Después de retratar la problemática laboral actual en La ley del mercado, Stéphane Brizé cambia de registro y se traslada hasta el siglo XIX. De este modo, El jardín de Jeannette se convierte en un delicado y cautivador drama que sigue la transformación forzosa de su protagonista, interpretada por Judith Chemla (Una dulce mentira), desde su juventud soñadora hasta el momento en el que afronta la dura realidad de las mujeres en la encorsetada sociedad de la época. Precisamente ella es el eje central de la trama, en la que el amor y la muerte se encuentran mientras pasan las estaciones a lo largo de 25 años. En esta película, en la que Brizé, como en su anterior largometraje, vuelve a presentar a un personaje que se aferra a su dignidad a pesar de todo, también participan Jean-Pierre Darroussin (Unos días para recordar), Yolande Moreau (El Nuevo nuevo Testamento) y Swan Arlaud. 

Ay El Chacho si que sabe

Ay El Chacho sí que sabe
Cuantas veces hemos oído que "este corto,  esta idea no daba para una
película". No es el caso del que nos ocupa, que si daría para un largo. La idea, una abuela de una familia rural. El spoiler, porque su hija quiere comer carne cada día. Un filme que se pondría en el estante de Armiñan o Gutierrrez Aragón, por su magia, por su tema social, por como trata la discapacidad mental y otros problemas de cariz social y humano. Rosa Delgado Leyva es
quien consigue este prodigio exotérico, con un nutrido equipo de
“profesionales” jóvenes o amateurs, entre ellos Xavier González Margalef en la
dirección de fotografía, la artista plástica y poeta visual Berta Xirinachs en la
dirección artística o Ramón Gurillo y otros profesionales ya consolidados en el
sector cinematográfico como Albert Gay al sonido o Ricardo Boya en la banda
sonora, por citar tan sólo a unos cuantos. Firmando también el guión, Leyva
explora el estilo de vida campestre y se pregunta si "una sociedad
económicamente deprimida puede también ser feliz". Con sentido del humor
alejado de la sofisticación urbanita, desea descubrir como viven y conllevan sus
problemáticas familiares, estas unidades ancestrales desde los tiempos que
parecen querer olvidar. Sin matizar el momento histórico ni político que les da
cobijo y entorno, nos recuerda que hay un futuro para el Chacho  y sus
compañeros de discapacidad, diferente sin duda  al de sus hermanos. No
pretende el corto de Delgado Leyva,  establecer las directrices de la política en
relación al concepto tradicional de familia, y que toda relación se tiene que
sustentar en el principio de independencia entre las personas. Nadie podía
pensar hace unos años que se produciría una sociedad de individuos incapaz
de socializarse. Y más en uno de los niveles de pobreza más altos, aunque no
especifica el país geográfico, que podría incluso enmarcarse en una
atemporalidad y lugar impropio buscado. Tampoco tiene tiempo el cortometraje
en profundizar en cuestiones que ostentan brillantemente sus personajes,
como la logística familiar de antaño, las relaciones sentimentales, la infidelidad,
aceptación de las discapacidades mentales en un rincón de mundo… El
realizador descubre que "el sentido de comunidad y la superación de las
dificultades son dos elementos clave para conseguir sobrevivir". 
Nacida en el
Prat de LLobregat (Barcelona) el 1968, licenciada en Bellas Artes, por la
especialidad de Imagen en la UB, es Doctora en Comunicación Audiovisual por
la UAB. Profesionalmente ha ejercido la docencia en diferentes escuelas
universitarias y actualmente es profesora de secundaria de la Generalitat de
Catalunya.
Como artista visual y multidisciplinar ha realizado un gran número de
exposiciones, sin necesidad de salir de su localidad natal. Destaca en el año
2006, la exposición Transfer en la Sala d’Art Josep Bagès del Prat de
Llobregat. Como investigadora su participación en cursos de Historia del cine o
seminarios, así como algunas ponencias, entre otras “Orientaciones de futuro
sobre diseños emergentes en el cine primitivo y clásico” en el International
Congress of Design of Innovation of Catalonia, y su colaboración semanal para
Uniradio Jaén con Viajes a la Luna dedicado a divulgar creatividad por doquier.
Ahora se estrena como directora de cine, además de distribuidora junto a
Susana Campoy, nacida en la misma localidad, enigmática encarnación de
Antonia, además de manager quien lidera la productora recién fundada
Cosersinhilo, y guiadas por la madrileña Susana de la Mata, quien asumió in
extremis la compleja producción de “ un corto encerrado en un largo" (según
definió el maestro Román Gubern), y que ningún productor quiso dirigir.
Durante 20 minutos la directora plantea a los espectadores si merece la pena
asumir el aislamiento y la soledad para tener una vida autónoma. El filme ha
participado en numerosos festivales y ha recibidos premios entre los que
destacan Panamá, con premio para  su actor principal Gerard Torres y al Mejor
corto dramático. En Venezuela, Mejor guión de corto, mención especial a mejor
dirección, mejor producción, mejor corto de ficción, y dos premios al actor que
encarna El Chacho y a su abuela Montse Ribadellas. Finalista en el festival de
Girona de donde se fue de vacío incomprensiblemente. De latinoamérica
saltaron a Italia donde en Venecia volvieron a premiar al Chacho y el último en
Roma donde recibieron el premio a la mejor película Internacional. Están
seleccionados en Ibiza 2018 y apuntando a Berlín donde de momento son
semifinalistas... Un año después, Ay el Chacho sí que sabe se ha  convertido
en uno de los documentos fílmicos imprescindibles de lo que va de siglo, 
vuelve a la actualidad la temática social por continuar concienciando a
gobiernos y demás instituciones de todo el mundo de la importancia de frenar y
cuidar la discapacidad. Se ofrece una visión esperanzadora, y también pone de
manifiesto, a través de un seguimiento imperceptible entre las bambalinas del
poder, su deficiente interés por el tema.