jueves, 22 de junio de 2017

Pieles

Nos introduce Eduardo Casanova en una galeria de horrores y miserias humanas o no, superficial, enfermizo, como un corta y pega de cortos y un humor que de ser asi todo no habria genero. Algunos actores se suma al evento, pero no trasladan el mensaje de que la felicidad siempre es posible pero no dicen a que precio. La cosa va de sketchs como la joven sin ojos obligada a prostituirse, los efectos de tener el sistema  digestivo al reves ni los cito, o el ser que quiere perder las piernas, todos ocultandose de la mirada del  mundo cotidiano en un camino parece que imparable hacia el suicidio. Film abierto estereotipado, disonante, carne de festivales que ha venido de la mano de aquel niño de la serie auda, esperemos que no para quedarse. Nadie elige los atributos con los que nace, pero aun así la sociedad condiciona a todos en función de su forma física. La gente diferente, la que no se adapta al canon, se ve obligada a esconderse, recluirse o reunirse entre ellos. Es el caso de Samantha, que tiene el aparato digestivo al revés; Laura, una niña sin ojos o Ana, una mujer con la cara mal formada. Estos son sólo tres ejemplos de personajes solitarios que luchan por su lugar en una sociedad que excluye y maltrata al diferente. Con el apoyo de Alex de la Iglesia desde la producción, el actor Eduardo Casanova (Mi gran noche), dirige su ópera prima detrás de las cámaras despues de 8 cortos. Escrita por Casanova, la película sigue varias historias de personas con atributos físicos diferentes, que se salen del estereotipo marcado por las convenciones sociales, y que precisamente por estos rasgos son despreciados por el conjunto de la sociedad y relegados a una vida clandestina. A través de estos relatos, que amplían el que ya contó Casanova en su cortometraje Eat My Shit, se reflexiona sobre la importancia de la apariencia física y la manera en que ésta nos condiciona en la esfera pública. Entre el reparto coral de esta cinta, que ha pasado por los festivales de Málaga o Berlín, se encuentran Ana Polvorosa (Mi gran noche), que repite en su papel de Eat My Shit, Jon Kortajarena (Acantilado), las ganadoras del Goya Carmen Machi (Villaviciosa de al lado) y Candela Peña (Kiki, el amor se hace) y la nominada a un premio de la Academia española Macarena Gómez.

Patria, la legenda d'Otger

Me recuerda el film por su titulo aquel viejo chiste en que  tre aviadores de la segunda guerra mundial, un frances, un ingles y un aleman se tiran de sus aparatos al grito de por la patria. El piloto español lo hace al grito de "por la escalera"!. Pues es lo que hace con la leyenda de este Excalibur catalan desconocido, pero con una mala utilizacion de la voz en off, una excesiva camara lenta exenta de pomposidad y epica y sin ritmo alguno a lo que contribuyen una pesima direccion de actores. Porque Miquel Sitjar o Joan Masotkleiner no tienen ya nada que demostrar. O sea, has sido tu Joan Frank Charansonnet. Sin presupuesto ni ayudas oficiales no se puede acometer un film de esta embergadura, a no ser que se trate de un suicidio politico industrial.
Pàtria, la llegenda d'Otger Cataló i els 9 barons de la fama llega a los cines con un objetivo bien definido: "Pàtria son nuestras raíces, nuestros orígenes, nuestra identidad", anuncia el trailer. "La primera película épica catalana de la historia", como se presenta, ha sido dirigida por el ampurdanés Joan Frank Charansonnet y ha sido producida por Dejavu Films i Capaneida Films.
El reparto cuenta con Boris Ruiz, Miquel Sitjar, Miquel Gelabert, Joan Massotkleiner, Àngels Bassas, Ali El Aziz y el propio director Joan Frank Charansonnet. La película se ha rodado en lengua catalana. La editorial La Vocal de Lis ha publicado, en forma de libro, el guion de la película. La película catalana ha participado en el Festival Internacional de Cine de Niza, donde ha ganado el Premio a la Mejor Película Extranjera por unanimidad del jurado. Pàtria no ha recibido financiación oficial, aunque varios municipios catalanes han colaborado con la logística del rodaje. En total sólo ha costado 250.000 euros, pero a pesar de todo su director se muestra muy satisfecho, asegurando que el cine catalán "puede competir en dignidad aunque no en presupuesto" con el cine europeo. Charansonnet afirma que "al cine catalán le faltan muchos ceros". Pues ya tiene otro. El director explica que desde joven tiene el sueño de hacer un Braveheart a la catalana y afirma que esta película no lo ha podido ser, por carencias del presupuesto, pero que intenta transmitir el mismo mensaje.
Pàtria se define como "cine de aventuras que te llevará a los orígenes de Catalunya", pero a pesar de todo no renuncia a la fantasía. La película transcurre en dos momentos históricos: en el siglo XV, cuando el noble Climent de Vallcebre explica al monje benedictino Pere Tòmic la historia de Otger Cataló que se ha transmitido oralmente, para que este la transcriba, y en el siglo VIII, en el que los hechos relatados suceden: Otger Cataló, con el apoyo de sus 9 barones de la fama, se enfrenta a los sarracenos. Pero no todo son victorias. La película también tiene dosis de amor, solidaridad, intriga, celos, fraternidad... De hecho, es una historia trágica, que acaba con la muerte de Cataló, un fallecimiento que se presenta como la semilla para la liberación futuro de un país que duró su nombre, Catalunya.
"Lucharemos ahora por una tierra libre" grita Otger Cataló antes de entrar en combate, y sus ayudantes aseguran: "Sembraremos esta tierra de libertad". En sus cargas contra los musulmanes, Cataló y sus guerreros luchan "por nuestra patria". Charansonnet no esconde que esta película es, en el fondo, una metáfora de la lucha actual del país: "Si 9 caballeros con la ayuda de Otger Cataló consiguieron echar a los enemigos, ¿qué no podrán hacer millones de catalanes con la firme voluntad de hacer libre a este país"?, se pregunta el director. Otger Cataló es un personaje mítico que habría vivido en el siglo VIII. En realidad, la primera referencia a él la encontramos en el Libre dels reis, muy posterior a los hechos. El mito se refiere a un noble procedente de Gascuña, y en algún caso considerado capitán, que habría cruzado el Pirineo con 9 o 12 asistentes (según algunos autores, iban agrupados en grupos de tres: Montcada, Pinos y Mataplana; Cervera, Cervellt y Alemany; y Anglesola, Ribelles y Erill). Cataló habría luchado en Catalunya antes de Carlomagno y habría muerto de enfermedad en el asedio en Empúries. Sus compañeros se habrían refugiado en Francia y habrían vuelto a Catalunya con Carlomagno, que los habría nombrado barones. Y Catalunya habría tomado el nombre del héroe muerto. Hay varias versiones contradictorias, sobre el mito, que fueron analizadas al detalle por Miquel Coll i Alentorn: en algunos de los documentos más antiguos, Cataló lucha contra los godos; en la mayoría de las versiones, contra los sarracenos. Además hay contradicciones geográficas: mientras por una parte se asocia el término Catalunya al topónimo Campi Catalaunici (Châlons), en realidad, Châlons está en el norte de Francia y la Gascuña está en el sur. En realidad, hay algunos estudiosos que consideran que la leyenda de Cataló es sencillamente una deformación de la leyenda de Roldán (en la que se hace referencia a uno de sus lugartenientes, Otger de Normandía, también muerto en Empúries). Y se cree que los nueve barones, repartidos en grupos de tres, son una adaptación catalana del mito francés de los Neuf Preux, unos caballeros míticos muy populares en toda Europa en la Edad Media. Es probable que la creación del mito de Otger Cataló fuera financiada y estimulada por el rey Pedro el Cerimonioso, en un intento de reforzar la monarquía catalano-aragonesa y establecer una tradición histórica local alejada de la de los países vecinos (los intelectuales oficiales son un viejo invento). En este caso, la tradición catalana ocultaba el protagonismo de los viejos reyes aragoneses y reforzaba el papel del condes catalanes en la formación del reino. Pere Tomic, el personaje secundario de Pàtria, existió en realidad y publicó en 1438 un libro, Històries e conquestes, en que mencionaba a Otger Cataló. Pero no se inspiró en leyendas orales, ni en las explicaciones de Climent de Vallcebre, sino en varias versiones escritas de la leyenda que ya circulaban en la época, (como la de Rodrigo de Toledo, un autor castellano que hizo muchas referencias a Catalo).
Pàtria nos ofrece una lectura muy simplista del origen de Catalunya, que es deudora en las lecturas más reaccionarias sobre la Reconquista. Los "sarracenos" son presentados como "opresores" que "maltratan la tierra". Una tierra "que" los cristianos consiguen "liberar a sangre y hierro" pese a su pacifismo. Los cristianos se presentan como los verdaderos amos del territorio, que tienen que "liberar cada palmo del suelo de manos forasteras". Evidentemente, eso tiene poco que ver con la historia medieval de Catalunya, en que las relaciones entre árabes y cristianos fueron mucho más estrechas y mucho más complejas de lo que deja ver la película. Y es que en la época, tan arraigados a la tierra estaban los cristianos como los árabes. Catalunya, como Castilla, se construyó sobre la destrucción del otro: el musulmán y el judío, principalmente, pero también el gitano. Esta película acaba reforzando los tópicos más clásicos de la historia del país. 
"Esta es una historia que toda la gente de esta tierra tienen que recordar", explica Climent de Vallcebre hacia el fin del filme, dirigiéndose a su auditorio, pero también a todos los espectadores de la película. Y, en una escena paralela, Otger Cataló llama a "liberar cada palmo del suelo de las manos forasteras". Parece que Cataló imagina la nación incluso antes de crearse. Pero obviamente, los habitantes del Pirineo, en el siglo VIII, no pensaban en términos de una ideología tan moderna como el nacionalismo. Tampoco pensaban que su lucha era para liberar a los desheredados de la tierra, como afirma un barón de la fama en el combate final contra los sarracenos, ya que estaban absolutamente impregnados en la creencia de la desigualdad entre los hombres (y los nobles no tenían el menor interés en luchar por la igualdad entre los seres humanos). Y tampoco pensaban, como uno de los caballeros, que "La guerra es un fracaso de la humanidad", porque el status superior de los caballeros se debía, justamente, a la omnipresencia de la guerra (tampoco defendían los derechos de las mujeres, como otro de los barones que rodean a Otger en la película). Pàtria se puede ver como una maravillosa historia de aventuras y de resistencia, pero, obviamente, difícilmente se puede interpretar en términos de historia de Catalunya. Pàtria forma parte, de lleno, del mundo de la leyenda.

La momia

Alex Kurtzman ha  logrado realizar la primera película momia de historia el cine. Como si la del Louvre se tratara, contempla impavida un discurso alocado, una accion desbocada, una confusion de fechas historicas, efectos de la epoca de Tutankamoon, y una oscuridad sacada del sotano de las piramides. La momia verdadera es Tom Cruise que parece mas una stock motion que un actor. Si su personaje hubiera sido una rata, un pajaro, un zombie o cualquier escarabajo del desierto, no hubiera pasado nada. Un mercenario se dedica junto a su compañero a saquear yacimientos arqueológicos y vender las antigüedades al mejor postor. Mientras son perseguidos por un grupo de insurgentes encuentran la tumba de Ahmanet, una antigua princesa egipcia que fue traicionada y enterrada viva. Ahora su momia ha sido liberada, y desatará su ira acumulada durante años sobre la Tierra. Sólo el vínculo que la une con Nick y la ayuda de una misteriosa organización podrán detenerla. En una cartelera de mundos superheroicos interconectados, Universal crea su propio microcosmos cinematográfico echando mano de su catálogo de monstruos clásicos. La primera en llegar a lo que se ha denominado como Dark Universe es esta La momia, que tras el clásico de 1932 y el remake de 1999 vuelve a reinventarse para las nuevas generaciones con una nueva aventura, la primera ambientada en la época contemporánea, que mezcla acción y terror. Desde las arenas de Oriente Medio hasta las catacumbas londinenses, la cinta dirigida por el guionista Alex Kurtzman (Star Trek: En la oscuridad) no prporciona el espectáculo prometidoen torno a este nuevo hábitat para dioses y monstruos. Tom Cruise (Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás) lidera el reparto del film y forma equipo con Annabelle Wallis (Agente contrainteligente), Jake Johnson (Mike y Dave buscan rollo serio) y Russell Crowe.

El sueño de gabrielle/Mal de pierres

Una mujer sueña con alcanzar la vida plena en libertades, amores ,fantasias y como los codicionantes sociales se lo impiden. El sueño se va perdiendo en obsesion y la directora pierde el hilo de la narracion. La accion transcurre en los años de la segunda pòstguerra mundial, etapa en la que conoce a un veterano enfermo del riñon, de hecho el titulo habla de piedras, procedente de Indochina, se enamora en un sanatorio de la Provenza, de la señora ensoñada rayando la locura. Casado por interes de sus padres con un vecino campesino español, lucira la pareja todos los matices de los pueblos opresores y dominantes. Destacada la doble interpretacion de la Cotillard, el film presenta candidatura a ser la obra francesa con mas puestas de sol filmadas. En la Francia de los años 50 Gabrielle vive en un pueblo de la Provenza donde sueña con encontrar el verdadero amor. Sus planes se tuercen cuando sus padres la obligan a casarse con un granjero español del que no está enamorada. Encerrada en un matrimonio que la hace sentirse como enterrada viva, Gabrielle conoce a André, un veterano de la guerra de Indochina, que hará renacer en ella el deseo de amar y ser amada y la llevará a intentar huir de su vida anterior. En su octava película como realizadora, la actriz Nicole Garcia (Grandes familias) escribe y dirige la adaptación de la novela de Milena Agus que sigue la lucha de una mujer que se rebela contra el mediocre destino que tiene preparado para ella su familia y la sociedad en general, y que se esfuerza en perseguir a pesar de todo sus sueños y deseos. En el vértice de este triángulo amoroso se encuentra la oscarizada Marion Cotillard (Aliados), que interpreta a un personaje que se debate entre el mundo anticuado que representa su marido, encarnado por Alex Brendemuhl (Ma ma), y las grandes esperanzas y libertades que trae consigo su amante, al que da vida Louis Garrel (Mi amor). Completa el reparto Brigitte Rouan.

miércoles, 21 de junio de 2017

Capitan calzoncillos, si primer peliculos.

Elogio al ritmo de los films de dibujos animados y gamberradas adolescentes al mas puro estilo Simpson. Amistad, creatividad infantil, el sistema de educacion y la cualidad curadora del arte, son algunas de las cosas que los adorables personajes ponen en pantalla. Humillacion soportable para los mayores protagonistas,  algun detalle  escatologico tipo caca pedo, culo y comida asquerosa para tirar directamente.  Fantasias que hacen reir, y David Soren que dirige a un maestro llamado Pipicaca. Hipnosi y cuerpos de pera son llamados a luchar contra un malvado que logicamente sera nombrado Tirapedos. Entre batalla y batalla de cojines, se trata de salvar el humor amenazado del mundo.  Con todo consigue captar el  cerebro del niño espectador, en un film de animacion donde se desprecia olimpicamente las leyes de la fisica y la quimica, si las hubiera. Jorge y Berto son dos inseparables amigos. Creativos y traviesos niños de cuarto de primaria, estos muchachos se meterán en un lío cuando, por accidente, hipnoticen al director de su colegio y lo conviertan en el Capitán Calzoncillos, el superhéroe que ellos mismos han ideado en sus cómics. Juntos, harán un equipo invencible para detener los malvados planes del profesor Pipicaca, un científico loco que ha inventado una máquina que agranda y empequeñece y que lleva años planeando su venganza. Traducida a más de 20 idiomas y con más de 80 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo, la serie de libros creada por Dav Pilkey da el salto a la gran pantalla en forma de película de animación. El humor ingenioso del material original se mantiene en esta divertida y loca aventura protagonizada por dos niños, con las voces de Kevin Hart (Un espía y medio) y Thomas Middleditch (Silicon Valley), que convierten al director de la escuela en un particular superhéroe. David Soren (Turbo) dirige esta cinta mientras ensalza los valores de la amistad y la libertad creativa. Entre el reparto vocal en su versión original se encuentran expertos cómicos como Ed Helms (R3sacon), Jordan Peele (Déjame salir) o Nick Kroll.

American pastoral

Donde se apoya el sentido comun americano? Con ironia y personalidad,ahoga el discurso filosofico y la posibilidad de profunda reflexion en un a comedia costumbrista familiar alla por los 60. En ella el padre descubre que es padecer por una hija y como Rita Cohen irrumpe en su vida intima como un cañon. Ewam Macgregor dirige con conviccion y ganas pero no esta en el rodaje acertado que a veces pasa. Atrevida traslacion del libro de Philip Roth, reduciendo de frma salvaje aalgunso episodios que se encuentran en falta. Un esportista de elite se casa con una reina de la belleza. Un deportista rico, judio, famoso, aristocrata el sueño americano al que llaman "el sueco". Al nacer la niña cambia su prespectiva  de la vida desde su jardin. Triunfo, fracaso, queda atrapado en la manguera de riego. La vida no podría ser más idílica para un atleta legendario en sus años de instituto que ahora es un exitoso hombre de negocios casado con una ex reina de la belleza. Sin embargo, su existencia se tuerce cuando su hija, que había sido acusada de un delito violento, desaparece. Desde ese momento, encontrarla y recomponer su familia será el principal objetivo de Seymour, que en su búsqueda verá el caos que envuelve el mundo y que cambiará a todas las familias americanas. Para su primer largometraje como director, Ewan McGregor (T2: Trainspotting) se atreve con la emblemática novela de Phillip Roth, galardonada con el Premio Pulitzer, que repasa las décadas más convulsas de unos EE.UU. post II Guerra Mundial a través de los ojos de una perfecta familia americana. Las revueltas sociales contra la Guerra de Vietnam son también una parte importante en American Pastoral, cuyo núcleo dramático es la búsqueda de un padre cuya idílica vida se derrumba cuando su hija, acusada de un delito violento, se da a la fuga. A través de los acontecimientos que rodean a la película, McGregor intercala los eventos históricos con momentos familiares más privados para intentar reflejar los cambios profundos de toda la sociedad norteamericana, que pasó del conformismo en la posguerra de los 40 hasta la agitación y perturbación de los 70. McGregor dobla funciones y también se pone al frente de un reparto que, además, cuenta con la oscarizada Jennifer Connelly (Noé), el nominado a un premio de la Academia David Strathairn (La deuda) y Dakota Fanning.


martes, 20 de junio de 2017

Norman, el hombreque lo conseguia todo

Seguramente la ocasion en qu Gere se ha acercado mas a Woody Allen. Experto en pelotazos, Joseph Cedar compensa su inseguridad directora. Cambia cuando pasa de narrar una historia de un hombre minimo a un profundo analisis que derivara casi al thriller politico. Fracasos sucesivos de un conseguidor hasta que tiene un golpe de suerte. El don nadie, que se dice de tener silla en la mesa de los CEO, es un hombre triste, organizador de reuniones y cenas de hombres poderosos, a modo de conseguir una posibilidad dee inversion en la que participar como pago a su trabajo de relacion. Su amistad con quien despues sera el maximo mandatario de Israel, ayudara mucho a mejorar su vida diletante en NY. Nunca tiene el poder pero se siente cerca de el.Norman Oppenheimer tiene una solitaria vida alrededor de los círculos de poder y dinero de Nueva York, pero siempre ha fracasado en sus intentos por entrar en ellos. Un día, se acerca a un joven político israelí en sus horas más bajas que, sin embargo, tres años después se convierte en Primer Ministro de su país. En este tiempo, no ha olvidado a Norman, que por fin podrá cumplir su sueño: importar. Sin embargo, la situación le superará y estará a punto de provocar una crisis internacional. Joseph Cedar (Pie de página) dirige este drama compasivo al que no le falta sentido del humor en torno a un solitario e irrelevante personaje, interpretado por Richard Gere (El nuevo exótico hotel Marigold), cuya ilusión siempre ha sido convertirse en alguien importante entre las altas esferas políticas y económicas de la Gran Manzana. En Norman: El hombre que lo conseguía todo, Cedar intenta revertir la infame figura literaria del "Judío de Corte", un personaje que se acerca a los dirigentes en horas bajas para, cuando éstos remonten el vuelo, convertirse en alguien influyente. Para ello se sirve de su protagonista, un experto en solucionar problemas y conseguir cosas a los más poderosos obsesionado con hacer contactos y caer bien a todo el mundo, que hace las funciones de guía del espectador por la red de afiliaciones políticas, religiosas y financieras que rigen el mundo. Completan el reparto Michael Sheen (Passengers), Charlotte Gainsbourg (Independence Day: Contraataque), Dan Stevens (La bella y la bestia), Steve Buscemi (Con la magia en los zapatos) y Lior Ashkenazi.

Marie Curie

El academicismo del biopic, pese a la gran actuacion de Karolina Gruzka, diluye escenas fuertes como la muerte de Pierre Curie, el marido, el enfrentamiento entre amantes, un gran amor fuera del matrimoio de tal manera que  aireado por la prensa, llego a obstaculizar su Nobel de Quimica, o el  rechazo social. La ciencia choca una vez mas con la unidad depensamiento, la libertad de ideas y el contexto duro en el poder. Biopic casi y exclusivamente cientifico que deja de lado un poco demasiado, la parte mas intima de la premio Nobel. Y olvida tambien el Nobel de fisica de las descubridora del radio. Viuda, enamorada y estudiosa de als ciencias. Después de que el matrimonio Curie reciba el Premio Nobel de Física, Pierre muere en un accidente. A sus treinta años y con dos niñas, Marie se refugia en sus estudios científicos en un mundo dominado por hombres, consiguiendo importantes logros y ser la primera mujer en obtener una cátedra en la Sorbona de París. En su camino hacia su segundo Nobel, encontrará el apoyo de Paul Langevin, un hombre casado con el que mantendrá un romance que hará que la prensa arrastre su nombre por el fango. Marie Noelle (La mujer del anarquista) escribe y dirige este biopic sobre Marie Curie, la prestigiosa física y química propietaria de dos Premios Nobel. En él, Karolina Gruszka (Inland Empire) se pone en la piel de esta pionera que, tras quedarse viuda de su marido Pierre y con dos hijos a su cargo, se enfrentó sola a un entorno de hombres en el que la presencia de una mujer no estaba bien vista.Marie Curie aborda los cinco años más turbulentos de la vida de la científica, que abarcan desde la muerte de su esposo hasta la consecución de su segundo Nobel, en los que su nombre fue puesto en entredicho y su figura difamada por la prensa a causa de su relación sentimental con Paul Langevin, otro experto en su campo, por estar éste casado. De este modo, Noelle compone un retrato humano de Curie y de sus luchas personales por el reconocimiento de sus logros en una comunidad científica machista y misógina. Completan el reparto Arieh Worthalter (Éternité), Charles Berling (Elle) e Izabella Kuna.

La promesa

Un trio de periodista americano mas dos armenios en plena crisis otomana de1941, provoca a Terry Jones que no encuentre un final mejor y que se entretenga demasiado en la decoracion de la epoca. Rodada en España cosa  facilmente reconocible por sus secundarios como Abel Folk, que por cierto, comentaba el mismo que este dia la fue a ver y solamente eran 4 espectadores. Su familia. Una pena se lamentaba,- porque el film se soporta. El amor en tiempos de guerra, siempre ha funcionado, y mas con genocidio
al fondo como es el caso El Imperio Otomano y su gran capital, Constantinopla, están al borde del colapso. Michael Boghosian, un estudiante, llega allí para llevar medicina moderna hasta su lugar natal en el sur de Turquía. Por su parte, Chris, un reportero, ha seguido a Ana, una artista armenia, hasta allí. Pero cuando ésta conozca a Michael, y surja entre ambos una atracción, se creará un triángulo amoroso que tendrá que luchar por sobrevivir cuando el Imperio se vuelva violentamente contra sus minorías étnicas. El imperio otomano convertido en un polvorín a punto de estallar en los albores de la Primera Guerra Mundial es el telón de fondo de La promesa, un drama romántico con alto componente histórico en el que el ganador del Oscar Terry George (Hotel Ruanda) sitúa un triángulo amoroso formado por el ganador del Oscar Christian Bale (La gran apuesta), Charlotte Le Bon (El desafío (The Walk)) y Oscar Isaac (Star Wars: El despertar de la fuerza). A través de este tormentoso romance, George se acerca, como en filmes pretéritos, a unos acontecimientos reales. En este caso es el genocidio armenio, una de las grandes y menos conocidas catástrofes del siglo XX, negado y escondido durante décadas por la conveniencia política. De este modo, la cinta busca cautivar al espectador tanto desde una historia de amor conmovedora como haciéndole partícipe del dolor, el miedo, el coraje y la redención por el que tuvo que pasar todo un pueblo durante aquellos aciagos años. Completan el reparto la nominada a un premio de la Academia Shohreh Aghdashloo (Star Trek: Más allá), Jean Reno (Diré tu nombre) y el español Daniel Giménez Cacho.

La cara oculta de la luna

Acerrima critica contra las multinacionales farmaceuticas. El suicidio de un potente industrial, desencadena una historia que parece  destinada a comedia y no le va nada el asunto. La intencion que quiere el director de thriler  concentra la atencion y se pierde el fondo `psicologico. El sobreactuado hombre lobo tambien sobra en esta proporcion para un guion demasiado obligado desde el principio. Un brillante y prometedor abogado que se ve atormentado por el suicidio de un hombre de negocios al que arruinó hace tiempo. En una huida hacia delante de sus remordimientos, Urs conoce a Lucille, una hippie, con la que se lanza a la búsqueda de nuevas experiencias, lo que le lleva a perder el control de su vida y abandonarse a su lado más salvaje. En esta situación comenzará su confrontación con el diablo, encarnado en un feroz e implacable ejecutivo de una empresa farmacéutica. El alemán Stephan Rick (El buen vecino) dirige, al igual que en su ópera prima, un largometraje lleno de angustias morales en clave de thriller psicológico. En esta ocasión, La cara oculta de la luna relata, a través de una historia realista revestida de cine negro y de intriga, la rebelión de la parte más salvaje de la personalidad, que quiebra la moral y eclipsa la conciencia, y que en la cinta está reflejada a través del viaje a sus propios infiernos de un ambicioso abogado que, torturado por las consecuencias de sus actos en el pasado, se embarcará en una experiencia lisérgica que le llevará a perder el control de su vida. Al frente del reparto se encuentran Moritz Bleitreuz y Jurguen Prochnow.

lunes, 19 de junio de 2017

clash

Con las motivaciones politicas, por llamarlas de alguna manera, que se exponen  en el film, la primavera arabe nunca podia salir bien. Dialogos complicados los que se han de expresar en un epacio claustrofobico, lleno de odio, con obsesiones religiosas, miedos ancestrales y cerebros no muy dotados cubiertos por turbantes. El intento de utilizar las ventanillas de una furgoneta para observar el exterior y ventilar tensiones no funciona porque el exceso de todo lo imaginable ya se ha cometido. Mohamned Diab, siete años despùes es como si volviera a debutar. Lo que queria ser una denuncia de la vida sexual de la mujer en la ficcion del asedio sexual, deviene los sucesivos encierros de un periodista americano primero y  una serie de detenciones a causa del golpe de estado reciente contra Muris. El Cairo, 2013. Se cumplen dos años de la revolución egipcia y se consuma la destitución de Morsi como jefe de gobierno. Inmediatamente después de conocerse la noticia, decenas de manifestantes de convicciones políticas y religiosas radicalmente enfrentadas salen a la calle, provocando violentos disturbios. Muchos de ellos son detenidos e introducidos en furgones policiales sin distinción ideológica. En un espacio tan reducido, deberán ser capaces de superar sus diferencias para salir ilesos. En su segundo largometraje, Mohamed Diab (El Cairo 678) dirige una película sobre la revolución egipcia y la complicada situación actual por la que atraviesa el país norteafricano. Aunque las multitudinarias y violentas manifestaciones forman parte de Clash (Choque), lo que realmente compone el núcleo de la historia es el claustrofóbico espacio de ocho metros cuadrados de la parte trasera de un furgón policial en el que se encuentran dos facciones radicalmente enfrentadas de un mismo país. A pesar de ser conocido por su activismo en favor de la revolución de 2011, Diab retira las controversias menos importantes y compone un film que no toma partido en favor de ninguno de los dos bandos y que reivindica la vía de la reconciliación. Al frente del reparto se encuentra la egipcia Nelly Karim (que repite con el realizador tras El Cairo 678), a la que acompañan Hany Adel (Microphone (Micrófono)) y los debutantes El Sebaii Mohamed y Ahmed Abdelhamid Hefny.

Mil coses que faria per tu

El unico que podria hacer mil cosas mas es el actor Peter Vives, energico y vital. Sobre el pivotan los robos a joyerias  que pretenden que un joven recupere a su novia.  Comedia catalano valenciana, sin saberse que parte del guion corresponde a cada uno, donde entre utensilios muy caseros puluan policias y ladrones, mafiosos y provocadores sociales. La pérdida del reloj de lujo que Mónica regaló a su novio Dani por su cumpleaños ha sido la gota que ha colmado el vaso. Harta de ésta y otras decepciones, Mónica decide romper con él. Pero Dani no está dispuesto a rendirse y, aconsejado por su amigo aficionado a la psicología, hará lo imposible por recuperar el reloj. Sin embargo, lo que parecía una tarea relativamente sencilla se convertirá en una rocambolesca aventura que involucrará a la policía, unos mafiosos y un ladrón de poca monta. Un reloj perdido, una relación sentimental que pende de un hilo y una surrealista búsqueda son los elementos principales de Mil cosas que haría por ti, segundo largometraje de Dídac Cervera (Los inocentes), que a través de grandes dosis de humor reflexiona sobre las relaciones humanas y el concepto de amor eterno. Lo hace a través de una pareja estancada en la rutina en la que él, acomodado en la seguridad que le ofrece, ha descuidado su relación, y que para recuperar lo que ya tenía tendrá que sortear todo tipo de obstáculos a cuál más complicado, que le meterán de lleno en una trama criminal que se le escapará completamente de las manos. Peter Vives (Eva) e Iris Lezcano (Sin tetas no hay paraíso) dan vida a los protagonistas, secundados por Jordi Vilches (Murieron por encima de sus posibilidades), Carmina Barrios (Carmina y amén) y Cristina Brondo.

Como la espuma

En un furgon. Cabria todo el material de la pelicula. Tan amateur como el corto de examen de final  de carrera digamos que audiovisual. Cabria tambien en este furgon de cola conducido por Roberto Perez Toledo unas interpretaciones sin pulir  y unos dialogos que suenan a falsedad. Como complemento de su filmografia social, el director no cuenta una orgia imposible. Cruza para ello una vidas en que lo mas erotico es el lugar donde se proponen parodiar con sus juegos sexuales el mundo global que los contempla estupefacto. En una vieja mansión, 15 jóvenes se reúnen en un plan condenado a desmadrarse. Tanto, que termina en orgía improvisada. En un festival de sexo desenfrenado donde, a priori, no parece haber sitio para el amor, surgirán todo tipo de romances y desamores, reencuentros y descubrimientos que harán de esta experiencia sexual todo un viaje cargado de emociones que les cambiará la vida. Desde el amanecer hasta el atardecer, se darán cuenta de que el sexo espontáneo no está reñido con los sentimientos. Roberto Pérez Toledo (Al final todos mueren) escribe y dirige esta comedia romántica que busca, y encuentra, el amor en medio de un festival de sexo desenfrenado. Con romances de lo más variopinto, que aúna todo tipo de condiciones sexuales, esta historia coral también se acerca, sin entrar de lleno, en el tema de la homosexualidad, que integra en la película desde una perspectiva de normalidad. Al frente del reparto se encuentran Sara Sálamo (BandB, de boca en boca), Diego Martínez (Rabia), Nacho San José (Legionario) y María Cotiello.

bittersweet days

Marga Melia carga su film con una mochila de referencias cinefilas, la mayor parte demostrando su filia francesa que junto a su componente independiente, se hace perdonar esta hisotria de amor intercultural que no interesa demasiado. Film barato sobre la crisi de los treinteañeros pero sin pasarse a  libro de autoayuda de una pareja que sobrevive a la canicula veraniega en Barcelona. Película pequeña , con techo, sin pretensiones, barata como un cafe  con hielo en cualquiera de las plazas o terrazas de la capital catalana. Una pareja cuya situación económica les obliga a alquilar una de las habitaciones de su piso para pagar la hipoteca, el chico debe viajar una temporada a Londres por trabajo, lo que cambia la vida de Julia por completo. Mientras su novio está fuera, ella compartirá casa con Luuk, un extrovertido fotógrafo holandés. Su convivencia les llevará a plantearse si su vida es realmente como esperaban o si, por el contrario, han terminado acomodándose. Escrita y dirigida por la debutante Marga Melià, esta ópera prima refleja las inquietudes vitales en una Barcelona globalizada. La ausencia temporal del novio de una pareja será el desencadenante de una nueva etapa de su protagonista femenina en esta historia sobre la identidad, el amor, la amistad y el crecimiento personal en la que Melià entremezcla situaciones frescas y divertidas con silencios cargados de significado. Como estos tres personajes en plena transformación existencial, Bittersweet days cuenta con Joan Miquel Artigues (El secreto de Puente Viejo) y los debutantes Esther González y Brian Teuwe.

domingo, 18 de junio de 2017

La mujer del animal

Tras ser descubierta disfrazándose de monja de su colegio, una niña  huye del internado en el que vive. Llega hasta un barrio marginado de Medellín, donde se refugia en casa de su hermana. Cuando su cuñado la presenta a la familia, uno de sus primos, apodado el Animal, la rapta y la obliga a casarse con él. Con todo el vecindario amedrentado por el Animal, Amparo no puede evitar tener una hija con él. Ahora, sólo espera que el amor y la templanza puedan evitar que la pequeña no pase su mismo calvario. Ganador del premio a Mejor dirección en el Festival de Málaga por esta película, Víctor Gaviria (La vendedora de rosas) escribe y dirige un crudo drama en el que se aborda las distintas formas en las que se manifiesta la violencia de género. Para componer un relato lo más real posible, La mujer del animal se apoya en técnicas del género documental y en auténticas historias de mujeres maltratadas de barrios populares de Colombia, cuyas terribles experiencias sirven para crear al Animal, un monstruo que se alimenta del silencio y el miedo de todos aquellos que son testigos de sus atrocidades y no hacen nada por evitarlo. Para dar vida a esta descarnada cinta de denuncia, Gaviria recurre a actores no profesionales como Natalia Polo, Tito Alexander Gómez o Jesús Vásquez,

La formula de la felicidad

Despertar de la invisibilidad, el hallar un hueco, el hacerse respetar, todo gracias a esa alzada de actitud y cabeza que otorgan la anestesia de la maravillosa y hallada química, más ese viaje a paraíso perdido donde todo vale nada, excepto la opinión y felicidad de uno.
Porque abren los ojos y dan coraje, ánimo y valentía de coger lo suyo y hacer realidad los sueños, puede que no todos, e incluso ninguno, pero la atrofiada y desganada vida se soporta y lleva con más apetencia y optimismo desde ese conformismo somnoliento y entumecido, sordo y pasota de quien vive para su querencia y que los demás se adapten a ella.
Porque se acabó ir a remolque, la humillación y vergüenza, la burla y pisoteo se desvanecen ante esa actitud chulesca de mancebo hecho adulto, cuya mayoría resuena en todos frentes y que Sam Rockwell sabe retratar con ese porte desgarbado y excedido, gamberro y bromista de perdedor que, a pesar de seguir perdiendo, encuentra acomodada ganancia que le vale para mejorar su existencia y la atención y admiración de quienes le rodean; no son los ideales pero ¡qué se va a hacer!, puede ser apto si se observa con la mirada atontada, dulce y distorsionada que ofrecen las fantásticas pastillas y el mundo que éstas ofrecen, hasta que el espabilado genio de la lámpara no necesite de más deseos edulcorados para afrontar su maltrecha realidad con positivismo de cambio.
Geoff Moore y David Posamentier escriben y dirigen un clásico envuelto en aires de disparate cómico, disfraz ingenuo para una nueva versión de paleto vuelto sabio y diestro gracias a esa deslumbrante amante y los planes de socorro que van tomando forma, belleza y sexo para encandilar al memo mandril y que realice la sucia maniobra de deshacerse de la molesta basura.
Propuesta independiente que no osa alcanzar grandes cuotas, vende modernidad y erotismo, base de un thriller, en el fondo, muy tradicional y casero de drama ausente y diversión ligera.
Vive de extremos personajes cuya absorción es tibia y mediocre, no involucra, ni atrapa o estimula, aporta una visión relajada y cómoda de presenciar el teatro sin excesivo esfuerzo y estando, con facilidad, al tanto de los pasos; agilidad de duración apropiada, sin complicado contenido, que se respira con trivialidad y descanso, devaneo oportuno para momentos de distensión donde no importa la delgadez y estrechez del argumento, la simpleza del contenido y la menudencia interpretativa, quieres pasar el rato y aliviar la mente, que el día ha sido duro y largo; y con esa función establece su horma con precisión y eficacia de consumirla sin indigestión y olvidarla tras su paso, para que no ocupe espacio en una mente saturada que brevemente dejó paso al esparcimiento plácido y moderada. “La clave para avanzar es empezar” a disfrutar la sensación de ir ganando; “ no se puede ayudar a todo el mundo, pero todo el mundo puede ayudar a alguien, y a veces, ese alguien eres tú”; empieza, avanza y medio gana.

Ignacio de Loyola

Estampillas suyas eran las mas obsequiadas por los padres docentes si obtenias una buena calificacion. Tanbien si tenias buen comportamiento o vislumbraban alguna intencion de abrazar los votos y los habitos. Eran de color sepia, una santo coronado con una aurea y que sosstenia una especie de lirio en la mano. Esta mano que por ejemplo se podia vovler en ejecutora si no caias de  rodillas despues de comulgar. El golpe de lirio lo conseguia de inmediato. Pero nosotros eramos mas del joven Iñigo del film. Íñigo es un joven soldado obsesionado con las mujeres y las luchas a espada que, tras caer herido en batalla, se ve obligado a renunciar a su carrera militar. Postrado en la cama, empieza a interesarse por nuevas lecturas. Desde ese momento, lo que pudo ser una desgracia se tornará en un deseo por convertirse en santo. Vencerá a la incredulidad de los que le rodean y a sí mismo y se convertirá en San Ignacio de Loyola, fundador de los jesuitas, la Orden que cambiaría la Cristiandad para siempre. Antiguo alumno de una escuela de jesuitas, en la que cultivó su admiración por el fundador de esta orden religiosa, el filipino Paolo Dy dirige, con la colaboración de la también debutante Cathy Azanza, Ignacio de Loyola, biopic de uno de los santos más relevantes de la historia de la Cristiandad. En su ópera prima, Dy intenta dar su lugar en el audiovisual a un personaje poco tratado en el cine, y cuya labor al servicio de la Iglesia, a través de la creación de la Compañía de Jesús, ha traspasado siglos y continentes gracias a su importante red de escuelas, parroquias y centros sociales siempre al servicio de la humanidad. Lo hace a través de un retrato cercano en el que se muestra al hombre detrás del mito que cambió el rumbo de Occidente y el mundo en el siglo XVI. Andreas Muñoz (Demonios tus ojos) interpreta al santo en su gran transformación vital y lidera un reparto que completan Julio Perillán (Proyecto Lázaro), Javier Godino (Al final del túnel) y Mario de la Rosa.

cosecha amarga

En los años 30, Stalin continúa con sus ambiciones de expansión de la URSS. Por su parte, Yuri, un artista, se enfrenta a la hambruna, las torturas y el encarcelamiento para conseguir rescatar a su amante, Natalka. Con gran valor, huirá de la cárcel en la que estaba recluido y se unirá a la resistencia contra los bolcheviques, que lucha por recuperar una Ucrania libre, para intentar volver a reunirse con Natalka. Si quiere conseguirlo, tendrá que sobrevivir al genocida plan de los soviéticos. George Mendeluk (Flight or Flight), toda una institución en la televisión, dirige este drama histórico ambientado en uno de los hechos más crueles y, a la vez, más desconocidos del siglo XX. A través de una poderosa historia de amor, honor, rebelión y afán por sobrevivir, sitúa al espectador en la Ucrania, un país que en aquella época se vio duramente golpeado por las políticas desconocidas de Stalin, que ejecutó el llamado Holodomor, un plan basado en mermar a la población ucraniana a través de la inanición forzada. La épica y romántica historia de un joven artista que se enrola en las filas de la resistencia contra los soviéticos para recuperar a su gran amor sirve a Mendeluk, de padres que sufrieron el Holodomor, para vertebrar el primer film en inglés sobre estos tristes acontecimientos. Max Irons (La dama de oro), hijo de Jeremy Irons, y Samantha Barks (Los miserables) se convierten en la pareja protagonista de esta película que también cuenta con rostros conocidos como los de Barry Pepper (El corredor del laberinto: Las pruebas) y Terence Stamp.


Barcelona shoot

Fals documental

Direcció

J.A. López de Espinosa

Intèrprets

María López, Eduardo Pujalte, Carlos Font, Carlos López, Claudia Bochaca
Retrat de tretze personatges singulars de Barcelona: Dandi Carlos, un home que viu per a vestir-se, considerat l’home més elegant de Barcelona. Federico, un home que no surt de casa des de les olimpíades de Barcelona. Un pallasso diabòlic i el seu cap... Històries de molts personatges diferents a on s’analitza també l’art fúnebre de amb l’Ana. El cas curiós d’una noia que no pot parar de ballar, una noia que ha d’estar en contacte amb l’aigua permanentment, un observador, una fan d’Antonioni, una jove estranyament feliç, una maçona o una noia de Castelló acusada d’estar al darrera de l’incendi del Windsor de Madrid són alguns exemples de Barcelona Shoot.

jueves, 15 de junio de 2017

Vidas criminales

Título original:Life of Crime
País:EE.UU.
Año:
Duración:105 min
Guión:Daniel Schechter
Intérprete:Jennifer AnistonYasiin BeyIsla FisherTim RobbinsJohn HawkesWill ForteMark Boone JuniorClea LewisCharlie TahanKevin Corrigan
Director de fotografía:Eric Alan Edwards
Producción:Ashok AmritrajElizabeth DestroEllen Goldsmith-VeinJordan KesslerMichael SiegelLee Stollman
Música:The Newton Brothers
Director:Daniel Schechter

Detroit, 1978. Louis Gara y Ordell Robbie, dos delincuentes comunes, secuestran a la esposa de un empresario corrupto que oculta en Bahamas mucho dinero negro... y una amante, y no parece dispuesto a pagar el millón de dólares que piden por devolverla sana y salva.

Sasha

Se presento en la Seminci el documental “Sasha”, una producción de la ESCAC dirigida por el joven Fèlix Colomer (Sabadell, 1993). Retrata la azarosa vida de este niño de 9 años que, gracias a una ONG, viene cada año (desde hace cinco) a España a pasar con una familia catalana dos meses de invierno y otros dos de verano. Y no hay esquizofrènia.
La cinta sobrecoge por los contrastes entre la helada Ucrania y las mediterráneas Catalunya y Mallorca. Allá sobrevive mal alimentado en una triste chabola con hermanos de tres padres distintos y la proximidad de una guerra. Aquí vive en la opulencia y las vacaciones de una familia acomodada.
Sasha tiene dos madres. En su Nikopol natal, la madre biològica Olga Smishliaev le corta las uñas de los pies mientras le cuenta quien es su padre con una frialdad sólo aparente. En España, su madre de acogida Rosa Fernández, se deshace en inconsolable llanto cada vez que le recibe o despide en el Aeropuerto del Prat. Pero Sasha se hace querer donde quiera que vaya, por eso ambas le aman con locura, sin la menor rivalidad, respetando el espacio de la otra. Y él corresponde a ambas por igual.
Sasha tiene también dos escalas de valores. En Ucrania es un niño casi salvaje, se baña en el lago en calzoncillos, caza serpientes y sueña con triunfar en el boxeo. En España juega a pádel, se baña en la piscina y descubre que la violència física nunca es el camino.
El milagro de Sasha es que es el mismo aquí y allá. Todo entusiasmo, pasión, pura vida

L'amant del silenci

DIRECTOR: 
Jordi Cadena
INTÉRPRETES: 
Zaida Fornieles, Chesco Simon, Hermann Bonni.
Esto es S. Thala, hasta el rio. Después del rio, también es S.Thala.Marguerite Duras, El amor. Una casa grande, cerca del mar. Tres amores: un amor que chilla, un amor de cuerpos que se aman, un amor sabio y calmo. Una historia en tres momentos o quizá la historia en uno solo, la historia de un solo amor. Una historia sobre el silencio y sus ecos, sobre la palabra que se resiste a aparecer, sobre la muerte.
Una mujer que ama el silencio y una y otra vez observa el batir de las olas, su vaivén, surepetición. Una historia con una gravedad musical persistente, construida con unas pocas imágenes que se multiplican repetidamente y una voz narradora que se reitera y se transforma en un eco que desgrana las palabras que se convierten en la memoria de la mujer silenciosa.
La historia de una mujer, de tres hombres, de tres amores, tres historias o quizá una sola

Corespondencias

Sophia de Mello Breyner Andressen y Jorge de Sena son dos de los escritores portugueses más importantes del siglo XX. De Sena, perseguido por la dictadura de Salazar, se vio obligado a exiliarse a Brasil, primero, y a EE.UU., donde falleció. Nunca más volvió a pisar su tierra natal. A través de las cartas, Jorge y Sophia permanecerán unidos con un océano de distancia, alimentando por medio de la correspondencia una complicidad afectiva e intelectual que mantendrán hasta el final de sus vidas. Aclamada por la crítica por su anterior película, La venganza de una mujer, Rita Azevedo Gomes vuelve a la cartelera con Correspondencias, un largometraje de ensayo entre la ficción y el documental en el que las cartas que se escribían dos de los grandes escritores portugueses del siglo XX, Sophia de Mello Breyner Andressen y Jorge de Sena, le sirven a la realizadora para entremezclar política, historia, pasado y futuro con total libertad. Lo hace a través de textos y poemas que trascienden imágenes, cuerpos e idiomas, y que reflejan la excepcional conexión entre ambos, así como la invulnerabilidad al miedo y la lucha por la justicia del poeta exiliado. Poniendo voz y cara a esta conmovedora y hermosa relación epistolar encontramos a Mario Barroso (El valle de Abraham), Luis Miguel Cintra (Días color naranja), Tania Dinis (Ornamento e crime) y Rita Durao.

Clase valiente

La realidad cambia en función de las palabras que utilizamos para definirla.  Clase valiente es un experimento social que investiga la importancia del lenguaje en nuestra forma de entender el mundo. Un documental que cuenta con el análisis de más de  veinte expertos como Owen Jones, George Lakoff, Íñigo Errejón, Christian Salmon o Iñaki Gabilondo, junto a otros destacados protagonistas del ámbito de la comunicación política y la información.
Clase valiente es para su director, Victor Alonso Berbel, “una reivindicación de nuestra forma de entender el cine, y a través del cine de entender el mundo. Un documental que no rehúye su condición de gesto político e intenta humildemente convertir el retrato de un proceso en el primer paso de una transformación mayor”.
La pregunta inicial – ¿determina el lenguaje por completo nuestra forma de entender la realidad? – obtuvo enseguida una constatación maciza: Sí. A partir de ahí, Clase valiente es la exploración que busca dar respuesta a una inquietud: ¿Cuál es el impacto del lenguaje en nuestra concepción del mundo?
Con una duración de 75 minutos, Clase valiente se proyectará en los idiomas utilizados en la película son el castellano, catalán, inglés y francés.

cinebasura la peli

Dos despistados videobloggers acceden por accidente a un vórtice dimensional, remolino de viento que levanta cosas poco pesadas y que les transporta al interior de una película mala. Cuando regresan al mundo real, presencian cómo las constantes del cine cutre (falta de raccord, escenarios de cartón piedra) han invadido el mundo, y lo han llenado de zombis, punks, monstruos extraterrestres y demás fauna de este infragénero cinematográfico. Sólo ellos serán capaces de resolver este entuerto y, de paso, salvar al planeta de la cutrez más absoluta. Los videobloggers Paco Fox y Miguel Ángel Viruete no sólo son los directores noveles de esta ópera prima, también se interpretan a sí mismos como protagonistas de una desprejuiciada comedia absurda que homenajea al cine de bajo presupuesto y a aquellos clásicos de la serie Z con los que han crecido varias generaciones. Para ello, hacen suyos los errores y vicios del llamado "cine cutre" para orquestar una historia de ciencia ficción y ácido sentido del humor que demuestra que una película mala también puede ser una experiencia de lo más entretenido. Para completar el reparto de la cinta que recoge el espíritu de films como Colega, ¿dónde está mi coche? o Permanezca en sintonía, Fox y Viruete se rodean de intérpretes como Natalia Bilbao (Demonios tus ojos), Agustín Jiménez (Ocho apellidos catalanes) o Miguel Ángel Aijón.


miércoles, 14 de junio de 2017

Piratas del Caribe, la venganza de Salazar/Dead tell men no tales

La mejor de las cinco? El mejor Bardem? Invitado por envidia de Penelope? El mismo carton piedra con caras nuevas ha hecho el milagro. Junto a ellas las mejores ideas como la aparicion de los tiburones o el caso de buque fantasma son de Oscar. El protagonista, un mapa ilegible, pero no porqu no se pueda sino porque los piratas nunca han sabido leer. Mas convencional es la pirotecnia, industria que parece tener una gran participacion en la industria cinematografica. Cine ligero donde el unico calado esta en la facilidad de digestion. Jack Sparrow (Depp) sigue intentado dar una bis  comica a un personaje que de tenerla. el la hubiera echado al fondo del mar. Con pareja amorosa al fondo, el bueno y el malo se centran en Salazar y Barbosa, nombres ambos de gran tradicion bucanera . Ellos son los que todavia nos recuerdan que Piratas, era una atraccion de parque Disney. 129 minutos para destruirlo a partir de un pequeño acto delicuencial. Y seis años le han servido a la serie para fortalecer musculo comico y mejorar si cabe las escenas de accion, como la del cadalso. El Capitán Salazar era un cruel marinero de la Corona española al que un joven Jack Sparrow le condenó a una muerte en vida en el Triángulo del Diablo. Ahora, Salazar y su tripulación de fantasmas ha escapado de su confinamiento, y surca los mares para aniquilar a todos los piratas y vengarse de Jack. La única manera de detenerles será encontrar el Tridente de Poseidón, un mítico objeto que otorga el dominio de los mares, para lo que se aliará con Henry Turner, el hijo de Will, y una astrónoma. El nominado a un Oscar Johnny Depp (Alicia a través del espejo) vuelve a encarnar a uno de sus personajes fetiche, el antihéroe Jack Sparrow, en esta quinta entrega de la taquillera franquicia de corsarios que, en esta ocasión, cuenta con Joachim Ronning y Espen Sandberg (Kon-Tiki) como directores. Javier Bardem (Diré tu nombre) se convierte en el villano más cruel y letal de la saga, un capitán español con aversión hacia los piratas que intentará vengarse de un Sparrow en sus horas más bajas. El humor, las aventuras en alta mar y las espectaculares e imaginativas secuencias de acción vuelven a darse cita en esta cinta con dosis de autoparodia y afán por entretener. También regresan el ganador de un premio de la Academia Geoffrey Rush (Dioses de Egipto), Kevin McNally (El hombre que conocía el infinito) y Orlando Bloom (El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos), mientras que Brenton Thwaites (Son of a Gun) y Kaya Scodelario (El corredor del laberinto: Las pruebas) debutan en el universo Piratas del Caribe como el nuevo romance en ciernes. 

Paula

Christian Schwochow rodea a Paula de historias d otros artistas tambien sufridores de sus  problematica intelectual. Y todo enmarcado en las ultimas tendencias de la nueva publicidad.  Retrato de la poco conocida pintora Paula Modershon -Becker, que se traslado a Paris para concursar donde solamente participaban hombre y en una epoca  que sugerian que lo mas creativo que podia hacer una mujer era parir. Icono feminista desde entonces se esfuerza el film en resaltar su creatividad. Biopic poco convencional en que se narra la experiencia vital de esta artista alemana (1876-2007), muy prolifica y cuya obra alcanza las 1000 cuadros, la mayoria expresionistas. En 1900, las opciones de una exuberante artista de 24 años, son reducidas. Sin embargo, su vocación por la pintura la lleva a desafiar a la sociedad y estudiar arte en la colonia Worpswede, donde desarrolla un estilo propio y entabla amistad con la artista Clara Westhoff y el poeta Rainer Maria Rilke. También conoce a su marido, que espera sea su alma gemela, pero cinco años de vida doméstica mermarán el espíritu de Paula, que se marchará a la bohemia París para reinventarse. Christian Schwochow (Al otro lado del muro) se acerca a la fascinante vida de la pintora de una de las representantes más precoces del expresionismo alemán. De gran talento y pensamiento adelantado a su tiempo, principios del siglo XX, Becker desafió las convenciones de una provinciana sociedad alemana sobre el papel de la mujer en la vida artística de la época, así como la obsesión por la precisión y exactitud que había en las academias de arte. Para contar la historia personal de esta revolucionaria artista, desconocida más allá de los países germanoparlantes, Schwochow compone un film que rebosa sensualidad, sentido del humor y alegría, y en el que además se cuenta una apasionada historia de amor. Carla Juri (Blade Runner 2049) interpreta a Becker en Paula, largometraje que cuenta con secundarios como Albrecht Schuch (Midiendo el mundo), Roxane Duran (La familia Bélier), Joel Basman (Land of Mine. Bajo la arena) y Stanley Weber.

Wilson

Retrato de un antiheroe maltratado por la vida, la muerte, la enfermedad, las separaciones, los hijos y ademas por el maquillador que se ha propuesto configurarle un rostro horrible. Con un corazon mas grande que su mente, no desearias encontrartelo en la cola de un bus, porque te contaria sus tres vidas sil as tuviera. Absorto en mantener la amistad con su perra, y el descubrimiento de una hija, centran esta historia calida de pena y otra buena creacion de un personaje  caustico. Hasta agradecemos a Craig Johnson que nos haya ahorrado otra manida critica social. Comic de Danny Clowes, especialista en dejanos, con sus cuentos independientes, con los pies helados que por la canicula que estamos pasando se agradece. Un hombre de mediana edad que no tiene nada de corriente. Misántropo, solitario, neurótico y con una sinceridad tan abrumadora como incómoda, Wilson acaba de perder a su padre. Tras esto, se replantea su vida y decide intentar reconciliarse con Pippi, de la que lleva tiempo separado. La sorpresa llegará cuando descubra que tiene una hija adolescente a la que nunca ha conocido, por lo que se decidirá a congeniar con ella a su manera singularmente estrafalaria y ligeramente retorcida. Craig Johnson (The Skeleton Twins) dirige esta comedia agridulce sobre un personaje que parte en busca de la hija que nunca supo que tenía. Wilson es una adaptación de la reconocida novela gráfica homónima del nominado al Oscar Daniel Clowes en la que se sigue el viaje de autodescubrimiento de este hombre, interpretado por el también nominado a los premios de la Academia Woody Harrelson (Ahora me ves 2), cuya peculiar personalidad será el desencadenante de todo tipo de situaciones imaginativas e hilarantes. A través de ella, Johnson compone una oda a los inadaptados, a aquellos que no encajan en ningún molde social, y hace que el espectador empatice con ellos en un conjunto que aúna lo divertido con lo desgarrador y lo humano. Completan el reparto la nominada a dos Oscars Laura Dern (El fundador), Judy Greer (Ant-Man) e Isabella Amara. 

Me case con un boludo

Querer ejercer otra profesion, o alguna, y ademas ganarse el aplauso social es lo que como nuestro protagonista, hemos querido alguna vez o no . Taratuto, reiterativo en su cine, quiere de esta forma penoso comica llegar al gran publico argentino, que como todos los publicos actuan de forma ficitcia para esconder sus miedos e inseguridades personales.  Sirve tambien el film para que Adrian Suar, productor televisivo de cierto renombre, debute como actor para satisfacer su ego e intentar cerrar un ciclo personal. Lo que pretendia ser una comedia sofisticada, acaba por mor de los duendecillos malditos de los guiones, en un pastoso romanticismo y una lucha de sexos de sal gorda. Ni Valeria Bertuccelli logra salvar la funcion con su abnegacion poniendo en peligro grave su carrera hasta hoy brillante. una actriz prácticamente desconocida que consigue un papel en la próxima película de Fabián Brando, la gran estrella de su país. Durante el rodaje, surge entre ellos un apasionado romance que, en tiempo récord, termina en matrimonio. Pero una vez pase la boda, Florencia se dará cuenta de que se ha enamorado de un personaje, y que su marido es en realidad un auténtico patán. Cuando Fabián descubra lo que opina su mujer, ideará un plan con la ayuda de su guionista de confianza. Después del éxito de Un novio para mi mujer, el trío formado por el director Juan Taratuto (Papeles en el viento) y los actores Adrián Suar (Dos más dos) y Valeria Bertuccelli (Todos queremos lo mejor para ella) se vuelve a reunir. Con dosis de humor absurdo, en el que la sonrisa es más habitual que la carcajada, la cinta reflexiona sobre las relaciones de pareja a través de sus dos protagonistas, cuya profesión les lleva a tener que conciliar lo impostado de su oficio con su verdadera personalidad. Secundando a Suar y Bertuccelli en este film se encuentran Gerardo Romano (Betibú), Norman Briski (La mala verdad) y Marina Bellati.

martes, 13 de junio de 2017

Las peliculas de mi vida

Tavernier (1941) cuenta en este documental, cosas como el primer film que le impresiono, Dernier atout de Becker, como funcionaba el cine  durante la ocupacion alemana, uine manda en un film, la nouvelle Vague y el star system frances. Antiguas entrevistas a Gabin, Duvivier o Renoir y un repaso exhaustivo a la industria en las  4 decadas de actividad. Jfe de prensa, critico y director ya en los 60, se confesa formado en los cines de domingo por la tarde. Su relato alcanzo los 190 minutos y se convertia en una serie televisiva de 9 sesiones. Una libro publicado con Jan Pierre Cusedon Cuarenta años de cine francés se condensan a través de la mirada del conocido director Bertrand Tavernier, que en este documental reflexiona sobre las películas, artistas y creativos que marcaron su cinefilia desde que era un niño hasta el momento en que empezó su carrera como cineasta. El viaje empezará con Jacques Becker y su film Dernier Atout, al que seguirán realizadores de la talla de Jean Renoir y Jean Vigo y movimientos como la Nueva Ola, el realismo poético o géneros como el polar. 4 Premios César, 1 BAFTA y Mejor director en Cannes son sólo algunos de los premios que adornan la exitosa carrera de Bertrand Tavernier (Crónicas diplomáticas), verdadera leyenda viva del cine francés. En este documental, el cineasta hace un recorrido por la producción cinematográfica de su país desde los años 30 hasta la década de los 70, período en el que se desarrolló su pasión por el séptimo arte. Las películas de mi vida, por Bertrand Tavernier es, sin duda, un viaje subjetivo hacia aquellos films y artistas que influyeron de forma importante en Tavernier, si bien, a la vez, es un ejercicio didáctico que compone un mapa que muestra, con gran precisión, los hitos y movimientos cinematográficos que marcaron la evolución del cine francés a lo largo de cuatro décadas. Además de Tavernier, colaboran en el documental Jean-Paul Belmondo (Al final de la escapada) y, a través de material de archivo, mitos como Jacques Bécker (Paris, bajos fondos), Marcel Carné (Los niños del paraíso), Claude Chabrol (El carnicero) o Jean-luc Godard.

las confesiones

Le ocurre a veces a Roberto Ando que acumula personajes en una escena y luego no sabe perque, ni justifica, porque los ha introducido. Bellos escenarios al estilo neorrealismo italiano. Trhiller donde el asesino es el sistema capitalista. Y en el film se habla ademas del papel del tiempo en la vida y de como x¡conjuga la religios todo el proceso de dominacion del hombre por el hombre. . El discuros digno de los mejores . En un lujoso hotel de la costa alemana se celebra una cumbre del G8, en la que los ministros de economía de los países más poderosos van a tomar una medida secreta que tendrá un gran impacto en la economía mundial. Salus, un monje, es el misterioso invitado de Daniel Roché, el director del Fondo Monetario Internacional, que quiere que le oiga en confesión. La mañana siguiente, Roché aparece muerto, y Salus es el principal sospechoso, pero el clérigo se negará a romper el secreto de confesión. La crisis económica mundial, la religión y una muerte conforman este cóctel de intriga dirigido por Roberto Andò (Viva la libertad), que sitúa en una misteriosa reunión de ministros del G8 una trama de suspense protagonizada por el repentino fallecimiento del presidente del FMI. Con este punto de partida, Andò continúa, como en sus películas anteriores, hablando sobre las despiadadas estructuras de poder y la dictadura de los mercados en una cinta que, además de la tensión habitual en el género, se toma su tiempo para hablar sobre política y moralidad. Al frente de Las confesiones, película que basa sus puntos fuertes en una cuidada fotografía y un preciso manejo de los silencios, se encuentra Toni Servillo (La gran belleza), que repite con el realizador tras Viva la libertad, y que lidera un reparto internacional completado por Connie Nielsen (3 días para matar), Daniel Auteuil (Entre amigos) y Lambert Wilson.

Nagasaki, recuerdos de mi hijo

Han pasado pocos años del final de la Segunda Guerra Mundial, y Japón entero todavía se recupera de sus profundas heridas. Allí vive Nobuko, una mujer de mediana edad que intenta seguir adelante mientras visita con regularidad la tumba de su hijo, muerto como muchos otros en el bombardeo nuclear de Nagasaki. Pero un día, al volver del cementerio, se encuentra en su casa con Koji, su hijo, esperándola. Como si de un milagro se tratara, Koji la visitará a menudo para recordar tiempos pasados. Poco después de llegar a la cartelera con Maravillosa familia de Tokio, el veterano Yoji Yamada cambia completamente de registro en Nagasaki: Recuerdos de mi hijo, un intenso drama que fue seleccionado por Japón como su representante en la edición de 2017 de los Oscars. Con una gran capacidad para conmover y emocionar, el film cuenta de forma íntima esta historia, que transcurre en su mayoría en un único escenario y que se desarrolla entre lo fantástico y lo tragicómico, con el bombardeo nuclear de Nagasaki, del que se acaban de cumplir 70 años, como marco histórico. Al frente del reparto de este relato sobre el reencuentro de una madre superviviente y el espíritu de su hijo se encuentran Sayuri Yoshinaga (Buda: El gran viaje) y Kazunari Ninomiya (Cartas desde Iwo Jima), a los que acompañan Tadanobu Asano (Silencio) y habituales del cine de Yamada como Haru Kuroki (La casa del tejado rojo) e Isao Hashizume.